Fallo del concurso “Atrapando el Movimiento” de Cercanías Madrid
Ya está disponible en la web de Renfe el fallo del concurso “Atrapando el Movimiento”.
En la web del concurso aparecen también las 100 fotografías finalistas entre las que encontramos verdaderas joyas como la obra de Jorge Parrondo: Atocha vía 1 y 2, también la de un servidor José Javier González: Comprimido de las 08:15
Se pueden ver todas en (por orden alfabético):
http://www.renfe.es/mandatufoto/visor_fotos.html
El primer premio, dotado con 1000 euros, ha correspondido a Javier Arcenillas con su obra “lectura enamorada”, preciosa instantánea que refleja el momento en el que una joven lee absorta un libro mientras el tren se encuentra parado en una de las estaciones de la red de cercanías.
El segundo premio ha correspondido a Angel Manuel Crespo Sanz por su instantánea “Como en casa”, curiosa imagen de un joven afeitándose frente a las ventanas de un convoy de cercanías.
El tercer premio ha sido para Fernando Casado, con una foto tomada en la terminal de cercanías de atocha, imagen con estupenda composición que juega con las líneas de las escaleras mecánicas mientras que, al fondo, aparece un viajero. (reseña de http://turismoytren.com/)
Declaración de intenciones
miércoles 2 de diciembre de 2009
“Atrapando el Movimiento” de Cercanías Madrid
sábado 21 de noviembre de 2009
Alejandro Céspedes - Flores en la cuneta
Ya está en la calle "Flores en la cuneta"
XXV Premio Jaén de Poesía, 2009. Hiperión.
18-09-09: Flores en la cuneta, de Alejandro Céspedes: Premio Jaén de Poesía 2009. Editorial HIPERIÓN.
Resumen
Alejandro Céspedes (Gijón) ha obtenido varios premios de poesía entre los que destacan el de la Crítica de Asturias 2009, el "Blas de Otero 2008", el Hiperión y el "Ángel González".
Flores en la cuneta es un libro crudo, original, hondo, agónico y a la vez inquietantemente hermoso en su visión descreída del dolor humano y su fragilidad. La observación del accidente de tráfico se convierte en símbolo de lo circunstancial y su repetición en la circularidad del ciclo de la muerte en esta veloz sociedad de consumo.
Este libro pone de manifiesto las contradicciones con las que la ficción de la publicidad inunda nuestras vidas y nos proporcionan un referente ante la vida.
www.alejandrocespedes.es
Ilustración de portada: Esther Muntañola
Cuando sueñas, ¿qué coche conduces?
Lo primero, las piernas.
Los brazos sobre el pecho.
Poned bajo mi cuerpo alguna sábana.
Que en mi espalda este acero inoxidable no me recuerde el frío del asfalto.
Luego abridme la ropa poco a poco.
No hagáis entrechocar los instrumentos.
No vaya a abrir sus alas y se escape a través de mis heridas.
Me dijeron que a veces tarda en salir del cuerpo varios días.
No me cerréis los ojos, sólo los desgarros.
Dejadme ver mi autopsia.
Así podré saber dónde se oculta el alma que hizo que
me durmiese para poder marcharse antes de tiempo.
martes 17 de noviembre de 2009
Mirca Tour for The Human Rights MTHR
The Mirca Art Group
El Grupo Mirca Art es una unión de artistas, unidos por valores simples pero poderosos; tolerancia y respeto.
Las 70 piezas de arte incluidas en este Tour por los Derechos Humanos son todas de igual importancia - el esfuerzo mutuo en reunir esta exposición es una manifestación de apoyo a los Derechos Humanos y un tributo a la declaración de Naciones Unidas para los Derechos Humanos - Mirca está interesado en la cooperación con aquellos organizadores que respeten el material gráfico de los 70 artistas
La primera exposición de MTHR la inauguramos el pasado dia 3 de Noviembre de 2009 en Suecia y continuará durante el año 2010 en diversas ciudades suecas. A continuación viajará a otros paises donde se pueda reproducir la exposición. Ya existen contactos con Polonia y España (Palma de Mallorca).
En mi caso colaboro con la fotografía que podeis ver a continuación, bajo la base de:
"Como aquí hablamos de todo tipo de violencia y de derechos humanos, quiero hacerlo también de la de tipo social. Todas las personas que nos encontramos por la calle, como la de la imagen que adjunto, y los miles de enfermos psíquicos que no tienen adónde ir para ser atendidos.
Creo que no debemos silenciar este tipo de violencia y desamparo, tienen derecho a su atención como los demás, que cuando lo necesitamos así lo exigimos. Nuestros impuestos también sirven para eso y no es exclusivamente responsabilidad de los médicos de Atención Primaria que no tienen dónde enviarlos ni cómo tratarlos.
También llega un momento en que no pueden seguir siendo atendidos en casa por los familiares, por ello, es necesario implantar centros asistenciales de calidad para el tratamiento de patologías psíquicas y soporte socio sanitario de las mismas."
Podeis ver las obras expuestas en la primera etapa del Tour (Suecia), en este enlace:
http://issuu.com/jjaviergg/docs/mthr_sweden
El folleto en:
http://issuu.com/jjaviergg/docs/mthrproject
La compra del catálogo en Sueco, próximamente en inglés, en:
http://www.blurb.com/bookstore/detail/858820
La web de Mirca Art Group en:
http://www.mirca-art.com/
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PHotoEspaña crea Trasatlántica
CERTAMEN DE PROYECTOS COMISARIADOS
PHotoEspaña crea Trasatlántica, un foro de fotografía y artes visuales en América Latina que se lleva a cabo entre noviembre de 2009 y enero de 2010 en diferentes países iberoamericanos. Su objetivo es promover el encuentro profesional y crear redes de trabajo en el ámbito de la fotografía y las artes visuales de Iberoamérica.
En este contexto, Trasatlántica junto a la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo-AECID convocan a comisarios de todas las nacionalidades para participar en un certamen de comisariado on-line a partir de las obras de los 40 fotógrafos latinoamericanos seleccionados en los visionados de porfolios de celebrados en Ciudad de Guatemala y São Paulo.
Exposición
De todas las propuestas recibidas, un jurado seleccionará los 6 mejores proyectos expositivos que se publicarán en la web. Además elegirán un proyecto ganador que se producirá e itinerará por varias sedes de la Red de Centros Culturales que la AECID tiene en América Latina.
Cómo participar
Para participar es necesario acceder a la página web: www.phe.es/comisariado En esta web los interesados encontrarán la información y podrán realizar todos los pasos para crear su proyecto curatorial: registrarse como comisario, crear una galería de imágenes y escribir un texto introductorio a la propuesta expositiva.
Plazos
Cierre de convocatoria: Domingo 20 de diciembre de 2009
Anuncio de los seleccionados y el ganador: Viernes 29 de enero de 2010
Más información
Email: trasatlantica@phe.es
Tel.: +34 912 985 525
Skype: eadams.phe.es
PHotoEspaña has created Trasatlántica, a forum for photography and visual arts in Latin America held between November 2009 and January 2010 in diverse Iberoamerican countries, with the objective of promoting professional exchanges and creating networks in the field of visual arts.Trasatántica, together with the Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo-AECID invites curators of all nationalities to participate in a contest for curatorial projects on-line based on the works of 40 Latin American photographers who have been selected to participate in the portfolio reviews in Guatemala City and São Paulo.
Exhibition
Among all the proposals received, a jury will select 6 exhibition projects to be featured in the web. One winning project will be produced to travel in the AECID´s network of Cultural Centres in Latin America.
How to participate
To participate, visit: www.phe.es/comisariado This webpage includes all the information and steps required to create a curatorial proposal: register as a curator, create a gallery of images and introduce an descriptive text for the curatorial project.
Calendar
Call for entries closes: Sunday December 20, 2009 Selected projects and winner announced: Friday January 29, 2010
More information
Email: trasatlantica@phe.es
Phone: +34 912 985 525
Skype: eadams.phe.es
Foto: © Marta García Haro
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jueves 8 de octubre de 2009
Abandonos
Vota la foto en Saatchi, si te gusta:
http://www.saatchi-gallery.co.uk/showdown/index.php?showpic=234961
miércoles 30 de septiembre de 2009
Premio de la Crítica de Asturias (Poesía)
Alejandro Céspedes
ha ganado el Premio de la Crítica de Asturias con su libro "Los Círculos Concéntricos".
¡Enhorabuena! es un libro magnífico que ya ha cosechado dos importantes premios y que, aparte de eso, merece tener un largo recorrido, incluso ser representado en un escenario, como ya he tenido oportunidad de presenciar en una maravillosa aproximación escénica.
Alejandro es merecedor de éste reconocimiento por parte de Asturias, por su larga trayectoria literaria, teatral y ... de premios.
Como ya dije hace tiempo, el libro puede descargarse en formato PDF de su web. ¡No os lo perdáis!..
http://www.portaldepoesia.com/Biblioteca/Alejandro_Cespedes_Circulos_concentricos.pdf
Arroz, Agua y Maíz (Berta Piñán)
¡Qué lujazo de libro!
Enhorabuena a Berta Piñán por estos espléndidos poemas y, cómo no, felicidades también a Elena Fernández por sus magníficas ilustraciones para este cuento DE PREMIO. De momento en Asturiano y muy pronto en Castellano, de cualquier forma: ¡una maravilla!
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lunes 21 de septiembre de 2009
ALZHEIMER
Xosé Bolado - Siete Cartes
Para VOTAR la fotografía en Saatchi, click en:
http://www.saatchi-gallery.co.uk/showdown/index.php?showpic=231110
Poema de Xosé Bolado sobre mi fotografía de nombre "Alzheimer", publicado en La Nueva España, Diario de Asturias.
Una tras otra las cartas
colgadas por mano diligente
eran sobres de luz
en la pared oscura del olvido.
Sin tiempo a la esperanza
cubrían de sentido el día a día:
una semana de amor y de coraje.
Unánimes letras de resistencia,
en los detalles más pequeños, llaves
para no abrir puertas equivocadas…
y algún plano efímero para no perderse
en la ciudad calcinada de Alzheimer,
quizá, también, es posible, una recomendación
o el gesto de una flor nueva contra el desamparo
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domingo 20 de septiembre de 2009
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Alejandro Céspedes gana el premio «Jaén» de poesía
http://www.alejandrocespedes.es/
El escritor asturiano Alejandro Céspedes
ganó ayer el premio «Jaén» de poesía por su obra «Flores en la cuneta». Nacido en Gijón, Céspedes reside desde 1985 en Madrid, donde alterna sus labores como gestor cultural con la vocación lírica y el teatro.
El pasado año reunió en «Sobre andamios de humo» y «Los círculos concéntricos» toda su obra publicada desde 1979. En su haber cuenta varios premios importantes, entre ellos el de poesía «Ángel González», y más recientemente, el «Blas de Otero», por su obra «Los círculos concéntricos».
Con él consiguió demostrar cómo la palabra puede dar vida a la poesía lejos del verso clásico, componiendo un extraordinario alegato interior fuera de la versificación utilizada normalmente. En la poesía contemporánea se siente deudor de Claudio Rodríguez, aunque afirma que los poetas que más le han influido son San Juan de la Cruz, Rosalía de Castro y Borges, «un mal poeta al que admiro mucho».
El jurado del premio «Jaén», dotado con 15.000 euros, señaló que en su decisión final ha influido el mundo simbólico y, muy especialmente, el metafórico, que caracteriza el libro de Céspedes.
(La Nueva España - 19-sep-09)
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lunes 7 de septiembre de 2009
Contra las bombas de fragmentación
Contra las municiones de fragmentación - Mi contribución
AGAINST CLUSTERS MUNITIONS - My contribution
Votación en Saatchi:
http://www.saatchi-gallery.co.uk/showdown/index.php?showpic=229716
Según veo el problema, "los países ricos (algunos) son el origen, los proveedores de esas bombas, de esa clase de horror"
"Las bombas de fragmentación causan un daño previsible e inaceptable a los civiles, tanto en el momento de su uso como muchos años después. Esas armas son inaceptables moralmente."
El proyecto de Franziska Helmreich (Art around the world)
http://www.artzzz.net/
As I see the problem, "rich countries (some) are the origin, the providers of that bombs, of that kind of horror"
"Cluster bombs cause predictable and unacceptable harm to civilians, both at the time of use and for many years after. These weapons are morally unacceptable."
The project of Franziska Helmreich (Art around the world)
http://www.artzzz.net/ 
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martes 1 de septiembre de 2009
Fotografías recientes
Fotografías recientes
lunes 13 de julio de 2009
Cristina García Rodero - Magnum Photos
Cristina García Rodero entra en la Agencia Magnum
Tras cuarenta años retratando lo mundano y lo divino, la vida y la muerte, Cristina García Rodero ha entrado en la agencia Magnum, el Olimpo de la fotografía. La primera española en obtener tal privilegio cuenta cómo ha llegado hasta aquí y cómo lo ha vivido.
http://www.elpais.com/articulo/portada/mirada/culto/elpepusoceps/20090712elpepspor_9/Tes
Cristina en la web de Magnum Photos http://www.magnumphotos.com/Archive/C.aspx?VP=XSpecific_MAG.PhotographerDetail_VPage&l1=0&pid=2K7O3R1V204V&nm=Cristina%20Garcia%20Rodero
En la página web de World Press Photo, la propia Cristina habla de su premiado reportaje 'María Lionza, la diosa de los ojos de agua' y de cómo entiende la fotografía.
Interviews 2008:
http://www.worldpressphoto.org/images/stories/videos/Interviews2009/index.php?
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jueves 9 de julio de 2009
PHotoEspaña - El Agua de Madrid
Una exposición singular: "El agua de Madrid"
http://www.p-es.org/index.php?option=com_content&task=view&id=3693&Itemid=81
Miles de personas vuelven a llenar las calles de Madrid durante La Noche de la Fotografía
http://www.lafabrica.com/notas_prensa/notas_prensa.php?ola=288
Como resultado del concurso fotográfico promovido por PHotoEspaña-09 y la Fundación CANAL sobre "El Agua de Madrid" ha sido elegida una fotografía mía ("Replicante") para la exposición que se celebra en los jardines de la Fundación Canal, desde el 19 de Junio hasta el 26 de Julio, fecha en la que acaba la edición de PhotoEspaña de este año.
En la exposición se muestra una selección de 80 fotografías, elegidas entre las más de 1600 presentadas al concurso.
Puedes ver las fotografías ganadoras en:
http://www.phe.es/festival/?ed=2009&swf=photoblog_agua.swf&btn=65&lg=es
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viernes 26 de junio de 2009
Fotografía PHotoEspaña Mapping Madrid
Fotografía PHotoEspaña
Mapping Madrid se concibe como un evento en dos actos simultáneos:
Acto 1: Online MappingMadrid.com
Mapping Madrid propone fotografiar PHE09, danos tu visión de PHotoEspaña, para construir un escenario colectivo e “in progress” con las fotografías tomadas por cualquier persona y subídas a esta página con su localización geográfica (calle y número dónde fueron tomadas), el tema de la fotografía debe ser PHotoEspaña, los eventos, las obras, los espacios, las personas que acuden a PHotoEspaña en Madrid, si no cumple estos requisitos no publicarémos la fotografía.
Asímismo las fotografías pueden ser votadas por los visitantes de la página, lo que hace que las más votadas sean las que formen parte de la instalación que tendrá lugar en el Palacio de Altamira.
http://mappingmadrid.com/2009/06/25/despues-del-photomaraton/
http://mappingmadrid.com/
Acto 2: Offline Instalación y exposición en el Palacio de Altamira
En Mapping Madrid se concibe una nueva manera de generar un mapa, cuyo resultado es una cartografía visible en mappingmadrid.com y convertida en una instalación en el Palacio de Altamira (sede del IED Madrid), donde lo fundamental es la sensación de pertenencia al mapa, para que el espectador se sienta dentro del mismo y no meramente frente a él. Lo participativo se alza sobre lo impuesto, entendiento la fotografía como un medio privilegiado y democrático para acercarnos a la realidad.
Instalación y Exposición:
Del 12 de junio al 24 de julio
De lunes a viernes de 10:00 a 21:00
IED Madrid Gabinete de Exposiciones del Palacio de Altamira
Calle Flor Alta, 8 28004 Madrid
domingo 21 de junio de 2009
Diálogos Urbanos/Urban Dialogues
Jose Javier Gonzalez & Sonia Gil collaboration
photo of Madrid by Jose Javier Gonzalez and New York City map by Sonia Gil
http://soniagil.com.br/blog/
Jose Javier Gonzalez & Sonia Gil collaboration
photo of Madrid by Jose Javier Gonzalez and Tokyo map by Sonia Gil
Jose Javier Gonzalez & Sonia Gil collaboration
photo of Madrid by Jose Javier Gonzalez and New Delhi map by Sonia Gil
Jose Javier Gonzalez & Sonia Gil collaboration
photo of Madrid by Jose Javier Gonzalez and Calcutta map by Sonia Gil
Jose Javier Gonzalez & Stephan Brenn collaboration
photo of Madrid by Jose Javier Gonzalez and Essen-projektion by Stephan Brenn
photoshop by Sonia Gil
http://www.stephan-brenn.de/
Amy Bassin & Aditi Kulkarni collaboration
photo of New York by Amy Bassin and photoshop and artwork projection by Aditi Kulkarni
Jose Javier Gonzalez & Sonia Gil collaboration
photo of Rio de Janeiro by Sonia Gil and Fine Art Photography by Jose Javier Gonzalez
Urban Dialogues is a global art collaboration project based on social networking technologies. It explores the basic questions: What are our similarities / what are our differences? to develop new art-dialogues. Combining street scenes from different cities with digital photographs and art works, they are producing collaborative works that can bring new insights about these questions.
Work in progress......
continuaré informando porque hay en curso más colaboraciones con Rio de Janeiro (Sonia Gil), New York (Amy Bassin), colegas de Colonia, Lagos, Bombay, ...
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sábado 6 de junio de 2009
Une fôret d’affichage
Une fôret d’affichage
Rogelio López Cuenca 
La obra y la persona de Daumier están marcadas por las contingencias políticas de su época: desde el uso de los medios de comunicación masivos, que responde a su propósito de participación e implicación en los asuntos de la polis, hasta su condición de personaje público, famoso, pasando por su protagonismo en el conflicto, en el encontronazo entre la libertad de expresión y el poder del Estado. Daumier sufriría los golpes de la censura, padecería prisión, y acabaría aplicándose una autocensura que le hará abandonar el cultivo de la caricatura de contenido explícitamente político y concentrar el azote de su sátira en jueces y abogados, burgueses, banqueros… y en el mundo del arte.Actualmente, en las democracias occidentales, no se ejerce la censura tout court y ha prácticamente desaparecido la específica y feroz figura del censor airado que, blandiendo el látigo, se apresta a expulsar del templo del Arte a los malditos, a los indeseables e importunos. La censura se ha naturalizado y camuflado, y se efectúa a través de subterfugios, con la excusa recurrente, por ejemplo, de la falta de viabilidad comercial o la falta de interés del público. En el caso del patrocinio privado, está claro que nadie puede obligar a una empresa o a un particular a subvencionar nada que no vaya a estar en consonancia con sus propios intereses –no olvidemos que la razón de ser de una empresa capitalista no es otra que la obtención de beneficios económicos–. Esto hace que las posibilidades de desarrollo de un arte crítico se vean cada vez más abocadas a la dependencia del apoyo económico de las instituciones del Estado –de un Estado que ejerce, por su parte, un control, si bien difuso, constante sobre las producciones culturales que se elaboran con dinero público–, lo que obliga a los artistas a una permanente negociación. A este respecto, también Daumier es ejemplo de los múltiples grados que separan el acuerdo de la desavenencia, pues lo mismo que concurre a los Salones oficiales –donde será unas veces aceptado y rechazado otras– participa en la Comuna o desprecia la concesión de la Legión de Honor. No se trata de un héroe, comparte la misma cuerda floja que artistas e intelectuales a quienes se concede libertad para ejercer la crítica –libertad condicional, mucho cuidado–, reencarnación que son del bufón de la corte, siempre advertidos de tener cautela a la hora de elegir en qué ojo meter el dedo o qué mano morder. «Saltimbanqui en ayunas», los describe, con sádica ternura, pues se sabe entre ellos, Baudelaire.
Hay que pararse a pensar en el desarrollo y la evolución de los media, desde los periódicos y revistas en que Daumier publicaba hasta las actuales compañías de la industria de la comunicación –parte a su vez, con frecuencia creciente, de un entramado mayor que abarca una gran diversidad de intereses cruzados, desde el turismo a la construcción o la explotación de recursos naturales y la energía–, empresas que engloban editoriales, sellos discográficos, productoras y distribuidoras cinematográficas y agencias de publicidad, siendo estas últimas una pieza fundamental en la estrategia de las corporaciones. La viabilidad o no de un medio depende directamente de su funcionamiento como vehículo publicitario. Nadie vaya a pensar que un Vogue o el ABC cuestan el precio que valen en el quiosco. Lo que los media ofrecen es fundamentalmente publicidad, salpimentada aquí y allá por lo que se conoce como «información» y «opiniones». La razón de ser de un medio «normal» (dejemos al margen la prensa «militante» y los medios de expresión y las redes de los movimientos sociales) es su rol en el proceso de producción de consumidores. Pero no sólo: la publicidad hace tiempo que permea y contamina, hasta colonizarlo totalmente, el mundo de las comunicaciones. Ha dejado de ser una retórica, un género concreto de discurso y ha pasado a convertirse en la lógica exclusiva del sistema cultural: desde un telediario a una película, desde las Elecciones Generales a un partido de fútbol, o desde el suplemento semanal de un diario a la exposición que comentamos… todos los ámbitos de la comunicación operan bajo las mismas condiciones de producción simbólica.
En este contexto es sorprendente observar cómo perdura, se metamorfosea y mantiene una especialidad artística cuya pervivencia podríamos calificar de incomprensible, si no fuera por los jugosos beneficios que reporta tanto a autores como a promotores e intermediarios, lo que explica que no sólo subsista sino que incluso florezca y se extienda como un virus hasta las más remotas poblaciones: no hay rotonda a salvo de la instalación de una escultura monumental. Pues heredera es del antiguo monumento, sólo que, a falta de objetivo o tema y en un acto de obsceno exhibicionismo, se trata de un monumento a sí misma o, a lo más, implícito homenaje a quienes tienen el poder –y lo ejercen, faraónicamente– de erigirla. Por lo general se trata de esculturas directamente deudoras de cierta estética minimalista, autorreferencial y que resultan perfectamente intercambiables dada la absoluta ausencia de relación con el entorno en que aterrizan, igual que un meteorito proveniente de un lejano planeta. Y, al principio, sorprenden o hasta indignan, pasando acto seguido a hacerse transparentes, un bulto más ante la indiferencia y entre el tráfago diario de la ciudad.A esta arbitraria política de erección de infundadas geometrías ha venido a responder una reacción a peor, encarnada en el regreso de los muertos vivientes en forma de escultura hiperrealista. Pero no nos dejemos engañar por la primera impresión: las cabezas gore de la inocente nieta de Antonio López no responden sólo a una regresión estética sino a la misma lógica que gobierna las grandes operaciones mediáticas de Damien Hisrt o Jeff Koons. La obsesión por el récord y la cotización excepcional son la vara de medir con que los media ponderan la atención, el espacio y el tiempo que merece un artista. Y éste habrá, por su parte, de responder, como se espera de él, desde lo singular, desde lo exótico –entendiendo por tal ya sea el hecho de no tener teléfono como el de tener diez; viajar alrededor del mundo sin cesar o no salir del pueblo; tener una granja en África o vivir en Tomelloso–, y si bien de tarde en tarde retorna del pasado la estampa del artista atormentado, la imagen dominante es la del seductor, el triunfador, vinculado a las marcas de lujo –producto y marca de lujo el mismo artista–, asociadas en cobranding: Koolhas y Prada, Ghery con Miyake, Murakami o Vanessa Beecroft con Vuitton… En la prensa podemos encontrar, junto a los ya citados récords, rankings y demás epopeyas financieras, destacados del tipo: «Lucian Freud se convierte en el artista vivo más cotizado»4 o «Algunos artistas están hoy al frente de empresas de cuarenta empleados»5. Y tampoco es rara la utilización de la imagen de un artista –de un atractivo modelo que posa, normalmente como pintor o escultor, con su paleta o su gubia– para anunciar zapatos, ropa o hasta cirugía estética.Pero echemos ahora directamente una ojeada ahí afuera, a la fôret d’affichage de la calle. Las fotografías de paisajes urbanos europeos de finales del siglo XIX documentan la primera oleada de la invasión de la ciudad por parte de la publicidad comercial, los primeros pasos de la transformación de la ciudad en mass medium. La ley francesa de «Défense d’afficher» data de esta época (1881) y da fe de aquel trance. Se trata de un momento de mutación de la antigua ciudad, en la que la jerarquía de las diversas zonas era evidente por sí misma, donde, como escribe Bataille6, el Estado y la Iglesia hablaban a través de la mera presencia física de palacios e iglesias, un contexto en el que la arquitectura no permitía albergar ningún género de dudas acerca de «quién manda aquí». En este espacio urbano, propio de un autoritarismo monolítico, irrumpe la publicidad comercial con sus múltiples mensajes contradictorios y a lo largo del siglo XX va a ir trocándolo en un medio de comunicación masivo donde convivirán en yuxtaposición y simultaneidad las más discordantes pluralidades discursivas, un paisaje que, del mismo modo que la velocidad del tren mareaba a los viajeros principiantes, va a aturdir a sus primeros espectadores. Esta novedosa y chocante situación fascinará a las primeras vanguardias artísticas, que adoptarán, entusiastas, los impactantes recursos de la publicidad para aprestarse, si no a la demolición del viejo mundo, sí a épater les bourgeois mediante espectaculares, absurdas y escandalosas interferencias en la plácida y autosatisfecha vida de la pequeña burguesía europea, encantada de contemplarse a sí misma en los escaparates de los pasajes y las terrazas de los bulevares.
Estas inesperadas interrupciones, otrora provocativas por insólitas, conforman hoy el continuum de nuestra experiencia diaria en la ciudad. Es el sueño dadá: en la pared se encuentran un grupo de surfistas y un león; hay una vaca en la estación del tren; un coche envuelto como un regalo, con lazo rojo y todo; el aeropuerto, invadido por gigantescas pelotas de tenis… Este es el decorado de nuestra vida diaria. Y es patético tener que constatar cómo la mayoría de las «intervenciones artísticas» en el espacio público continúan respondiendo a este mito de la interrupción, de la irrupción de un elemento inusitado, extraño, extraordinario en medio de una supuestamente prosaica vida diaria, como si fuera posible no darse por enterados de que esa cotidianeidad está constituida por una sucesión sin fin de interrupciones, a cual más impensada y, habitualmente, más audaces que la «trasgresión» que nos proponen los artistas del ramo con descaro pueril o impostado candor. ¿Qué vamos a interrumpir con algo insólito, maravilloso, si nuestra experiencia del mundo consiste en fragmentos igualmente incoherentes y disparatados, si no hay otro contexto que ese absurdo mismo? En esta situación, estos modos de hacer han dejado de ser eficaces tanto para las prácticas antagonistas de denuncia u oposición como para el arte guiado de una voluntad crítica. La especificidad de lo artístico se disuelve, cautiva, en la lógica de la publicidad.Veamos un ejemplo: una «azione futurista» (¡en el año 2007!), la Fontana de Trevi tinta en rojo7, ¿es una intervención artística «oficial»?, ¿una «salvaje»?, ¿vandalismo?, ¿gamberrada?, ¿una acción de denuncia política?, ¿o un anuncio de Campari? Un monumento histórico, sometido a una intervención temporal… Un ejemplo perfecto de la mutación sufrida por ese lugar que seguimos, a falta de otro nombre, conociendo como ciudad y como espacio público. Los llamados centros históricos han pasado de ser habitables a visitables, consumibles, a ser utilizados como reclamo para atraer turistas a la ciudad-museo y como escenario para la representación de eventos espectaculares destinados a renovar los motivos del turista para reincidir en su visita. Los megaeventos culturales han de entenderse así como ocasiones para la renovación de la imagen de la ciudad en el mercado turístico. Y obsérvese que no hay acontecimiento que se precie, desde una olimpiada o una exposición universal a un festival de música pop, que no consigne un apartado a una muestra de arte público.
Debido al acotamiento repetitivo en los mismos espacios –como las sucesivas ediciones de Madrid Abierto, por ejemplo, y su recurrente uso de las fachadas del Círculo de Bellas Artes y los palacios de Linares o Telecomunicaciones, convertidos por su uso reiterado en el marco predecible de este tipo de rituales–, los eventos de arte público, tan cíclicos como la decoración navideña, ven así completamente cegada su capacidad de provocar el extrañamiento que perseguían. O es que a lo mejor no lo perseguían –que de Dadá hasta hoy ha llovido mucho– y lo mismo es sincera la alegre colaboración de los artistas en el proceso de infantilización generalizada de la población, al que suman, gustosos, su granito de arena para la erradicación de la capacidad de reflexión y crítica de la ciudadanía.No habría que sorprenderse si así fuera. Hay más de un caso de street artist que ha cruzado las líneas y se ha puesto al servicio de compañías o campañas publicitarias comerciales. Y sin dificultad, pues ya hemos visto la identidad de formas entre este tipo de arte y la publicidad: ésta se ha ido expandiendo más allá de sus cotos tradicionales y ha evolucionado hacia lo que una continuamente renovada lista de neologismos denomina «publicidad de guerrilla», «street marketing» o «publicidad vírica», y que se sirve de la sorpresa y la excitación de los espectadores para convertirlos en entusiastas reproductores inconscientes que la propagan a través de sus ordenadores y teléfonos móviles. El Manual de la guerrilla de la comunicación8, nacido con la intención de proveer de recursos a movimientos que intentan enfrentarse a la manipulación de los medios de comunicación, ha acabado convirtiéndose en enciclopedia y caja de herramientas básica de esta publicidad below the line, que se apropia rapidísimamente de lenguajes alternativos y contrahegemónicos, como el graffiti u otras formas de expresión de culturas urbanas y grupos subalternos o marginales.Del mismo modo, la publicidad se ha adueñado, devaluándola y banalizándola, desactivándola, de la imaginería y la terminología de los discursos de los movimientos sociales. Y no sólo de las formas sino de las ideas mismas: «revolución» o «revolucionario» pertenecen hoy, más que nada, al campo semántico de la banca; el repertorio léxico ecologista ha sido secuestrado por la industria automovilística y las compañías eléctricas, mientras que los correspondientes al feminismo y las expresiones diferentes a la sexualidad heterosexual y reproductiva constituyen un apartado específico de todo tipo de productos de consumo. «Libertad», por su parte, además de un término ya clásico en su asociación al coche, se vinculará preferentemente a la telefonía móvil, la portabilidad de equipos informáticos, las conexiones a internet y la comunicación en general. El protagonista fijo de estas campañas es joven, muy joven y muy chic, y su más que impreciso ONGísmo, su rebeldía medioambiental o sexual, se realizará indefectiblemente mediante la compra y la ostentación de productos asociados a esas ideas abstractas –la única libertad posible, supeditada al poder de consumo– y siempre en su encarnación sentimental, subjetiva y singularísima, en una palabra, despolitizada. ¿Cabe sátira o parodia de un slogan como «El dinero nos hace libres» (Caja Madrid)?
Comentemos finalmente un par de eventos «culturales» masivos, que siguen el modelo de festival y concentran tal cantidad de ofertas que resultan inabarcables y su consumo imposible. En primer lugar, la llamada Noche en Blanco (una franquicia de la red Noches Blancas de Europa, nacida en París en 2002 e importada a Madrid en 2006), donde se diría que las distintas intervenciones rara vez obedecen a otro fin que la espectacularidad ni osan pretender más que el esbozo de una inocente sonrisa o la catatónica boca abierta ante la sorpresa o la enormidad del dispendio o la ocurrencia –obras más dignas de la tradición del circo o de la feria que del arte–. Fuegos artificiales y engalanamiento de monumentos, repitiéndose otra vez las fachadas de los mismos ya citados palacios del centro de Madrid, con una insistencia verdaderamente preocupante en la sufrida Puerta de Alcalá, a la que, cuando no se le encaraman figuras humanas, envuelven en una especie de nube o proyectan sobre ella los más diversos e inexplicables motivos… O se llena de patitos de goma la fuente de la Cibeles, o se cuelga de lo alto de un mástil un maniquí, o una especie de tripas gigantescas salen por las ventanas y se desparraman por la fachada del edificio de la Telefónica… Mientras la multitud, vehemente, se aglomera en las calles, confluyendo, como un solo hombre, a la llamada del acontecimiento, dispuestos, cámara en ristre, a inmortalizar el evento del día… Pero, esas luces de colores, ¿son un proyecto artístico o la decoración para la boda del Príncipe y Letizia? La verdad es que se parecen como dos gotas de agua. Y el gentío y su entusiasmo, ¿no son los mismos? El segundo evento es el conocido como Cow Parade, una exposición pública de vacas de fibra de vidrio, ingeniado a finales de los años noventa por un tendero de Zurich y que, después de su rediseño por parte de un industrial estadounidense y la asesoría de un bufete de abogados especializados, se convierte en una empresa que viaja alrededor del mundo presentando como un proyecto artístico este acontecimiento comercial. Los artistas profesionales se negaron pronto a participar en esta farsa, dadas las condiciones leoninas del contrato en lo referente a «honorarios» (a cambio de la cesión de todos los derechos (¡!) sobre la obra), lo que ha sido aprovechado por la empresa organizadora para publicitar el evento subrayando su supuesta democratización y convocando un concurso donde las propuestas seleccionadas vienen siempre marcadas por temas relativos a los más manidos aspectos locales, tópicos no ofensivos y lemas blancos: proclamas por la paz o contra el hambre en el mundo. Los temas han de ser lo más anodinos posible, debido al patrocinio privado de las «obras»: los sponsors pagan en función de la ubicación más o menos céntrica de la vaca en cuestión (que luce bien visible el nombre de la empresa) y eligen qué obra o a qué autor subvencionan. Cuando no la encargan directamente a una agencia especializada. ¿Qué mejor solución, pues, que la de Repsol, que decide que su «artista» sea su ya patrocinado campeón de Fórmula 1, Fernando Alonso, y que éste «decida» pintar la dichosa vaca con los colores corporativos? Quizá superada sólo por la del conocido peluquero Llongueras, que en la edición de Barcelona (2005) patrocinó una vaca que él mismo pintó y que además colocó en la puerta de su peluquería. ¿Hay quien dé más? En resumen, una empresa privada se apropia, con la colaboración de la administración local, de espacios públicos para su explotación, en nombre de un supuesto evento artístico de una más que dudosa calidad, a cambio de la presunta repercusión mediática de dicho acontecimiento y la movilización, una vez más, de visitantes y vecinos convertidos en turistas en su propia ciudad, transformada a su vez en parque de atracciones: difícil encontrar un ejemplo más claro de la ciudad entendida y explotada como fábrica full time y de los ciudadanos puestos a trabajar, ¡y gratis!, en un espectáculo que no termina nunca.
No sería justo, sin embargo, terminar el retrato de esta especie de soez apocalipsis indoloro de la banalidad multicolor sin reseñar el trabajo de algunos artistas que podrían considerarse como continuadores de la sátira política de Daumier y de su utilización de los recursos mínimos de la viñeta en la prensa escrita como vehículo para la elaboración de un discurso crítico de innegable validez. Se trata, por un lado, de El Roto –seudónimo de Andrés Rábago9, también conocido anteriormente como OPS–, colaborador diario de El País y autor, como Daumier, de una obra pictórica paralela, no tan reconocida en los Salones contemporáneos –como la feria de arte Arco, para cuyos convencionalismos y los del arte contemporáneo en general parece tener reservados, coincidiendo con cada edición, dardos especialmente envenenados–. Otro daumierano sobresaliente sería el sevillano Miguel Brieva10, autor de una ingeniosa, mordaz y corrosiva crítica del consumismo, la publicidad y la estupidez ambiente en sus colaboraciones en Diagonal, La Vanguardia o Rolling Stone, o en ácidas obras como Dinero.Además, habría que hacer referencia a la evolución última de los media y citar otros cuantos ejemplos de trabajos que podríamos entender en la estela daumierana si atendemos al uso que hacen de nuevos y no tan nuevos medios, de internet como campo de acción y herramienta política, como estrategia para la puesta en marcha de procesos definidos por su carácter colaborativo y procesual, a la vez que desafío a la división tradicional entre autores y espectadores. Entre estos destacarían The File Room11 de Muntadas, un archivo abierto sobre casos de censura; los diversos proyectos de Antoni Abad donde utiliza internet y la telefonía móvil como medios para proporcionar visibilidad y voz a diferentes comunidades largamente excluidas: gitanos, inmigrantes, prostitutas…12; o el trabajo de Daniel García Andujar13, autor de los portales e-valencia, e-barcelona, e-sevilla, e-norte, e-madrid…, foros dedicados a la crítica cultural y abiertos sin discriminación a todos los usuarios de la red: un ejemplo de las posibilidades de desarrollo de un nuevo tipo de cultura donde las jerarquías tradicionales entre críticos y lectores, por ejemplo, se desmoronan ante el debate y la participación sin restricciones. Ejemplos, en fin, de una situación contra la que los señores del antiguo orden han desatado una persecución desesperada, intentando sacar las últimas tajadas a sus privilegios, extendiendo y reforzando las limitaciones del copyright y el control a la circulación de información, tratando de poner coto a un proceso que, sin embargo, vemos –y deseamos– imparable.
© Rogelio López Cuenca, 2009. Texto publicado bajo una licencia Creative Commons. Reconocimiento – No comercial – Sin obra derivada 2.5. Se permite copiar, distribuir y comunicar públicamente por cualquier medio, siempre que sea de forma literal, citando autoría y fuente y sin fines comerciales.
CBA Círculo de Bellas Artes. Madrid.
Ugo Mulas - PHotoEspaña 09
Ugo Mulas - PHotoEspaña 09
Las fotografías de Ugo Mulas se muestran estos días en PhotoEspaña. Fundación BBVA Azca (Madrid)
La exposición recorre una trayectoria sinuosa y brillante
Por TXEMA RODRÍGUEZ (SOITU.ES)
Las fotografías del italiano Ugo Mulas (1928-1973) se muestran por primera vez en España de forma acorde a su valor. Un centenar de piezas que constituyen un recorrido completo por el trabajo de un gran maestro. Algo increíble en estos tiempos de proyectos precocinados y envasados al vacío. Tal vez su obra hubiera llegado antes de haberse dedicado a tocar un palo —y le dio a casi todos, el social, la moda, el urbano, el retrato, el arte... —porque la especialización parece ir unida a cierto favor del gran público, que busca cosas fáciles de encasillar, y de muchos críticos desbordados con tanto trasiego.
La exposición es casi, sólo en una sala y gratis, un recorrido completo por la historia reciente de la fotografía; un canto a las posibilidades artísticas del objetivo y el papel —sin necesidad de apabullantes ampliaciones y soportes molones— y una patada en los bajos de muchos pretendidos artistas que han tomado la fotografía al abordaje; armados hasta los dientes de chorradas y comisarios. Mulas murió en 1973 y fue un fotógrafo de los pies a la cabeza, alguien capaz de ver más allá, incluso de sus propias dudas, y de tomar una buena instantánea. Que eso es lo difícil. Han pasado muchos años y sus imágenes se explican por si mismas, adquieren fuerza con el paso del tiempo, brillan como sólo lo hacen las verdaderas joyas.
Sus fotos muestran muchas de las contradicciones que afloran en la preocupación por el estilo, desde sus inicios neorrealistas hasta su final 'experimental'. Son tópicos que no encajan, aunque Mulas fue también un gran teórico, en una trayectoria que evidencia que un buen ojo lo es siempre, más allá del tema, del momento, de la anécdota. Desde los paisajes humanos de las chabolas que De Sica inmortalizaría en Miracolo in Milano hasta las fiestas en la Factory de Wharhol, pasando por los retratos de artistas famosos, de paisajes urbanos, de modelos de alta costura, Mulas pasó por la fotografía intentado saltar de un lado a otro del cajón, huyendo de las etiquetas y de las premisas. Otros hubieran firmado quedarse sólo con una de sus aristas mientras él, algo que sólo está al alcance de los verdaderos talentos, cambiaba de registro como si nada y sin aparente esfuerzo. Todo para mostrar que las falacias posmodernas sobre la teoría de la imagen son una mera especulación cuando la cámara cae en manos de alguien que dispara con criterio.
La obra de Mulas es valiosa por muchos motivos —aunque los más populares sean sus testimonios sobre la farándula del Pop Art y el trabajo teórico y conceptual de 'Verifiche', que se muestra aparte, con buen criterio, en la sala—. Lo curioso del caso es que se trata de un artista que colabora en la causa de darle vueltas de tuerca al género. Comienza distanciándose con ironía del fotoperiodismo —"pensábamos que era lo más importante de la fotografía (...) sólo después he entendido que en realidad éste era un aspecto instrumental"— mientras necesita justificar su trabajo en el mundo de la moda —"Yo he dedicado quizá sólo la décima parte de mi tiempo al verdadero trabajo de fotógrafo (...) como de todos modos me iba a vender, tanto daba declararlo abiertamente"— y romper, al menos sobre el papel, las ataduras a los preceptos "rechazo esta idea o teoría del instante fugitivo porque pienso que todos los instantes son fugitivos y, en cierto sentido, uno vale tanto como el otro»–.
Mulas pasó sus días como fotógrafo rompiendo con todo lo anterior hasta llegar a 'Verifiche' (Verificaciones) un complejo entramado de ideas y exploraciones conceptuales sobre el proceso mecánico de la fotografía con la naturaleza de la imagen como telón de fondo, con referencias a la película, a la cámara, al tiempo, el laboratorio, los objetivos...en una serie que se cierra, tras abrirse con la pieza Homenaje a Niepce, con una dedicatoria a Marcel Duchamp (a quien retrató en su periplo por Nueva York) y a su 'no hacer, que tanto ha significado en el arte más reciente y sin el cual parte de mi trabajo no existiría'.
Una frase que tal vez sirva de explicación al sorprendente descuido de no haber editado un catálogo de la exposición. Con la de papel que se gasta en fotitos intrascendentes...
Por TXEMA RODRÍGUEZ (SOITU.ES)
http://www.soitu.es/soitu/2009/06/04/fotografia/1244116731_003425.html
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domingo 17 de mayo de 2009
Dos Poemas
Luna
Esa fila de piedras en el estanque,
son islas para resguardarse en la noche
y admirar la grava ondulando
un reflejo de luna.
Casi me acabas la vida
Ondulada sobre la piel, tu lengua oscura
de río lame mi vida.
Lo hacen tus oscuros ojos de fondo,
los murmullos del cieno.
Tras el rescate de una mano tendida,
silenciosa como la luz del agua,
eres un resbalar que araña como la piedra,
incesante hacia el olvido.
Aun disuelto en un cierto esplendor,
si tus cabellos verdosos deciden
de nuevo mojar la roca
seré yo quien busque el azur sereno.
(c) José Javier González - 2009
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viernes 15 de mayo de 2009
La Polaroid de Tarkovski
La Polaroid de Tarkovski
El refugio de Tarkovsky
La Fundación Luis Seoane de La Coruña se ocupa de una de las facetas menos conocidas de Andrei Tarkovski -La Fotografía- pero vital para el desarrollo de su obra cinematográfica por el carácter intimista.
en: http://www.abc.es/abcd/noticia.asp?id=11923&num=902&sec=36
por Alfonso Armada (ABCd)
Es posible imaginar a Tarkovski esperando a que aparezca el motivo que le llevó a coger la cámara, de ahí la dimensión autobiográfica e íntima de esas fotos.
en: http://www.abc.es/abcd/noticia.asp?id=11924&num=902&sec=36
por María Peña Lombao (ABCd)
Los versos en Polaroid de Tarkovski, en El Pais:
http://www.elpais.com/articulo/cultura/versos/polaroid/Tarkovski/elpepucul/20090517elpepicul_4/Tes
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lunes 11 de mayo de 2009
Poesía Capital. Antología del Madrid Contemporáneo
Poesía Capital. Antología del Madrid Contemporáneo
Poesía Capital. Antología del Madrid Contemporáneo, coordinado por Pepe Ramos, publicado por Sial Ediciones
Poesía Capital es una antología que incluye a veintiocho poetas jóvenes, nacidos en su mayoría en plena transición (década de los setenta), actualmente en torno a la treintena, que comparten un territorio urbano (Madrid), aunque casi la mitad han nacido en diversos lugares de la geografía española. De poéticas, temas, intereses, trayectorias y estéticas heterogéneas, se agruparon en torno a una serie de proyectos y actividades culturales (Ciclos de Poesía Ultimísima del Colegio Mayor Universitario Nuestra Señora de África, Jornadas de Poesía Última en la Fundación Rafael Alberti, Colectivo Poetas del Grifo, Red de Arte Joven de la Comunidad de Madrid, Grupo Artístico 8, Sial Ediciones…), que les permitieron fusionarse y compartir aspiraciones y experiencias creativas.
Autores antologados:
Alicia Ares (Ávila, 1970).
Bárbara Butragueño (Madrid, 1987).
Ana Delgado Cortés (Madrid, 1973).
Jordi Doce (Gijón, 1967).
Ruth Gabriel (San Fernando, Cádiz, 1975).
Aarón García Peña (Madrid, 1978).
Raquel Hormigos (Madrid, 1972).
Laura Labajo (Madrid, 1976).
Alfonso López Hernando (Burgos, 1971).
Jesús Malia Gandiaga (Barbate, Cádiz, 1978).
Óscar Martín Centeno (Madrid, 1977).
Miguel Merino (Madrid, 1973).
Esther Muntañola (Madrid, 1973). http://esthermuntanyola.blogspot.com/
Moncho Otero (Madrid, 1971).
Miguel Pastrana (El Puerto de Santa María, Cádiz, 1975).
Ana Pérez Cañamares (Santa Cruz de Tenerife, 1968).
Ernesto Pérez Zúñiga (Madrid, 1971).
Luis Daniel Pino (Ceuta, 1975).
Aurora Pintado (Salamanca, 1981).
Cecilia Quílez Lucas (Algeciras, Cádiz, 1965).
Pepe Ramos (Madrid, 1971).
Lucas Rodríguez Luís (Logroño, 1978).
María Salgado (Madrid, 1984).
Julio Santiago (Miajadas, Cáceres, 1975).
David Sio (Madrid, 1974).
Jorge Tinoco (Madrid, 1976).
Vanesa Torres (Madrid, 1977).
Déborah Vukusic (Orense, 1979).
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jueves 7 de mayo de 2009
“POÉTICAS DEL ESPACIO”
OS INVITAMOS AL FORO DE DEBATE
“POÉTICAS DEL ESPACIO”
Que tendrá lugar el próximo viernes 8 de mayo a las 20.00 horas, y en el cual
La Fotógrafa y Profesora del Departamento de Imagen de la Facultad de Periodismo y Comunicación de la Universidad Camilo José Cela de Madrid
Maria Jesús Velasco
Coincidiendo con la exposición “Oxido y calles en la mirada poética” del artista
José Javier González
y tomando como pretexto las obras presentadas por este fotógrafo, disertará y debatirá en torno a
¿Cómo es percibido y experimentado el espacio?
¿Cómo se forman los mapas mentales que la experiencia de los espacios habitados y transitados se ocupa de trazar en la memoria de cada uno de nosotros?
¿Cómo los lugares van conformando textos laberínticos que cobran sentido y que se manifiestan a través de un metalenguaje que nos habla desde los sitios -desde sus calles y sus recovecos, desde sus fachadas…-. ?
¿Cómo han plasmado los artistas las emociones, los anhelos y las memorias que despiertan los lugares vividos?
La exposición permanecerá hasta el día 24 de mayo.
Galería: SALA XIII
Exposición: “Oxido y calles en la mirada poética”.
Fotografías
Artista: JOSÉ JAVIER GONZÁLEZ
Lugar: Plaza Epifanio Velasco, 7
28250 Torrelodones – Madrid
Horario:
Martes a Viernes: 19.00 – 21.00 h.
Sábados: 12.00 – 15.00 h.
Teléfonos: +34918592940 - +34619908318
Fax: +34918594324
Correo e: SALAXIII@telefonica.net
Web: www.SALAXIII.com
Texto de presentación, currículo, catálogo, localización y transportes en la web.
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viernes 1 de mayo de 2009
Lo Sguardo Effimero
(Levante Editori - Bari)
Contacto en España del editor: luciacoco@ono.com
Portada, fragmento de una pintura de Esther Muntañola.
He aquí una muestra de los hermosos haikus que contiene:
De El Agua Repetida
VII
Cuenco de agua.
Las manos adormecen
brillos de luna.
XI
Otro recuerdo:
río arriba la infancia
me abre sus manos.
XXI
Ser aquel pájaro
que siguiendo al arroyo
dejó las ramas.
De Jaikús occidentales
III
Bajo los árboles,
entre frutos caídos,
germen de vida.
XIII
Olas de espigas
columpian en los campos
el sol de julio.
XXI
De madrugada,
negros cantos de pájaros.
Quejas del alma.
XXIV
Frágil belleza.
En un jarrón con flores,
tres mariposas.
De La vida en vilo
una bella cita de Mansei:
Estela blanca
sobre agua nocturna
así es la vida.
I
Llega el otoño.
Con la vida en vilo,
temblor de hojas.
II
Poco a poco
me perderé en la nada
y seré olvido.
VII
Iluminando
la ruta de los sueños,
vuelve tu rostro.
X
Fugaz instante,
no dejes de existir
para el que huye.
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Vídeos de la exposición
Exposición individual de fotografía - José Javier González
24 de abril – 24 de mayo
http://www.salaxiii.com/
Reseña en:http://esthermuntanyola.blogspot.com/
El pasado 24 de abril se inauguró mi exposición fotográfica “Óxido y Calles en la Mirada Poética” y permanecerá abierta hasta el 24 de Mayo, en la “Galería de Arte Sala XIII” (Torrelodones-Madrid).
También podréis hojear el último número recién publicado de la Revista Literaria Asturiana “Lliteratura” en la que he contribuido con la serie fotográfica “Caleyes” (Caminos).
El próximo viernes dia 8 de mayo a las 20:30 y dentro de la exposición se programará un Forum dirigido por Maria Jesús Velasco, Licenciada en Bellas Artes y Profesora de Fotografía Informativa de la Universidad Camilo José Cela de Madrid, en relación al tema de la exposición.
Espero os guste la obra expuesta, así como poder saludaros personalmente. Por favor, haced extensiva la invitación para visitar la muestra a vuestros amigos.
Mientras tanto aquí os dejo el enlace a dos sencillos vídeos que recorren brevemente la exposición:
Sala XIII - planta baja
http://www.youtube.com/watch?v=FFxb5LPkEFs
Sala XIII - planta calle
http://www.youtube.com/watch?v=jdi3HlkW75s
Detalles de horarios, localización, etc., en la web.
Podéis ver en Internet mi obra fotográfica tanto en el Blog, como en las galerías de DeviantArt:
http://www.jjaviergg.deviantart.com/gallery/
SALA XIII Plaza de Epifanio Velasco, 7 28250 Torrelodones (Madrid)
Tel: 918592940 Movil: 619908318 Fax: 918594324
e-mail: SALAXIII@telefonica.net
http://www.salaxiii.com/
Horario:Martes a Viernes de 19:00 a 21:00, Sabados de 12:00 a 15:00 y también domingos mediante cita previa.
jueves 23 de abril de 2009
Revista Lliteratura
Revista Literaria "Lliteratura"
Número 26 monográfico de la Revista Literaria “Lliteratura” de la Academia de la Llingua Asturiana (Primavera 2009) sobre la serie fotográfica “Caleyes” (Caminos de Asturias).
Fotografías de caminos, rios y senderos que también son un poco míos.
Poesía y Literatura Asturianas.
A la espera de disponer de ella en formato pdf.
http://www.academiadelallingua.com/comun.php?seccion=lliteratura
Estoy muy agradecido por la magnífica edición y porque también se han publicado dos bellos poemas realizados por Xosé Bolado y Herme G. Donis, inspirados en sendas fotografías y a mí dedicados.
Camino
Cesan los pájaros su estridente jolgorio
y el apacible goteo de la lluvia
cubre la mañana. El camino,
antes luminoso, se difumina,
casi desaparece, tras la silenciosa
sombra que espía entre el follaje.
Avanzas por el solitario sendero
bajo un día de otoño que todo lo acaba.
No sabes a dónde te llevará
esta senda. Sin prisa te demoras
en su melancolía. No quieres retornar.
Los días se han vuelto rosas
de salitre y ya no seduce
la canción de las horas repetidas.
El agua fluye y la vida permanece.
Estás aquí oyendo el susurro ebrio
de la lluvia, sin otro objeto
que ser guiada hacia su pureza.
El enigma que te aguarde al final,
será la puerta que abra
todas las maravillas: la luz
de otra manera.
(c) Herme G. Donis.jpg)
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domingo 19 de abril de 2009
SALA XIII - José Javier González
Exposición individual de fotografía - José Javier González
24 de abril – 24 de mayo
http://www.salaxiii.com/
Reseña en:
http://esthermuntanyola.blogspot.com/
Me gustaría mucho contar con vuestra presencia en mi próxima exposición fotográfica “Óxido y Calles en la Mirada Poética”
Se inaugurará el viernes día 24 de Abril a las 20:00 horas y permanecerá abierta hasta el 24 de Mayo, en la “Galería de Arte Sala XIII” (Torrelodones-Madrid), que acaba de celebrar el décimo aniversario.
También podréis hojear el último número recién publicado de la Revista Literaria Asturiana “Lliteratura” en la que he contribuido con la serie fotográfica “Caleyes” (Caminos).
Dentro de la exposición se programará un Forum dirigido por Maria Jesús Velasco, Licenciada en Bellas Artes y Profesora de Fotografía Informativa de la Universidad Camilo José Cela de Madrid, en relación al tema de la exposición.
Espero os guste la obra expuesta, así como poder saludaros personalmente en el cocktail de inauguración o en los días sucesivos. Por favor, haced extensiva la invitación para visitar la muestra a vuestros amigos.
Detalles de horarios, localización, etc., en la web.
Os recuerdo que podéis ver en Internet mi obra fotográfica tanto en el Blog, como en las galerías de DeviantArt:
http://www.jjaviergg.deviantart.com/gallery/
SALA XIII
Plaza de Epifanio Velasco, 7
28250 Torrelodones (Madrid)
Tel: 918592940 Movil: 619908318 Fax: 918594324
e-mail: SALAXIII@telefonica.net
http://www.salaxiii.com/
Horario:
Martes a Viernes de 19:00 a 21:00,
Sabados y Domingos de 12:00 a 15:00 y también mediante cita previa 
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miércoles 8 de abril de 2009
Jose Luis Morante - Mejores días
MEJORES DÍAS (de la luna libros)
Un modo de respirar
En esta muestra aforística, Mejores días, he optado por el ordenamiento cronológico frente al temático para subrayar la autonomía textual. Es el hilo continuo de los días el que ha puesto su orden natural. A esa independencia alude también el título. El aforismo imita a un paseante; callejea, pero no se dirige a ninguna parte concreta; cambia de dirección, como si su voluntad obedeciera a una brújula de ocurrencias.
El desorden instaurado implica una pluralidad de motivos; apunta a la relación entre vida y escritura y describe un contexto histórico que aporta referencias y establece climas emocionales. Las preocupaciones son diversas; queda patente cómo el interés fluctúa y cómo el entorno enriquece nuestra mirada. El aforismo particulariza sobre ética, sociedad, sentimientos o literatura porque “nada de lo humano le es ajeno”.
El estilo conciso marca también huellas afectivas que deben sortear los obstáculos pasajeros con los que nuestras incursiones tropiezan. Viajamos hacia los rincones de la conciencia; desde allí vislumbramos las posiciones que dan carácter al lenguaje: los pensamientos sugieren explicaciones, aunque sean humildes o parciales, aunque especulen con los significados.
La cortedad en el decir exige la máxima tensión; la realización verbal parte del principio de economía y del rechazo de elementos aleatorios. Eso no anula una intensa carga poética.
El suplicio de las moscas, un libro de Elias Canetti, es uno de los títulos que cuentan como impulso inicial hacia el género. Antes de su lectura, el aforismo tenía para mí un perfil de estatua: hierático y grave. Canetti fue un escritor prolífico, rellenó muchas páginas con aforismos, relatos mínimos y ensayos breves, que articulaban su pensamiento y expresaban el “modo de respirar” frente a la realidad cotidiana. Dos selecciones del Nobel búlgaro me han acompañado estos años, La providencia del hombre y El corazón secreto del reloj. He compartido su lectura con los aforismos de Lichtenberg, quien me proporcionó uno de esos principios vertebradores que nunca envejecen: “buscamos en la lejanía causas que suelen estar muy cerca, en nosotros mismos”. De Lichtenberg también es esa preferencia por una sensibilidad lingüística alejada del retoricismo y la preferencia por lo pequeño.
Esta búsqueda que nos concede un poco de luz es la que abre de manera directa las ventanas del conocimiento.
El aforismo es música, el último acorde que clausura una pieza.
JOSÉ LUIS MORANTE
Fotografías José Javier González (c)
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domingo 22 de marzo de 2009
YSE - Y Sin Embargo magazine #19
“superF#isSue”
Acaba de aparecer el nuevo número (19) de "Y Sin Embargo Magazine" en el que me invitaron a participar con una extensa colaboración en las páginas centrales.
La línea gira sobre una propuesta inicial que sirve para desarrollar nuestros trabajos.
http://ysinembargo.com/
Podeis verlo en línea, descargar en un pdf de 17 mb, o comprarlo en papel (on paper), en:
http://ysinembargo.com/uebi/descargas/yse19/
SuperF#isSue:
Lo convencional, y el gesto vacío/vaciado.Los efectos de una sociedad centrífuga e hipócrita, desmemoriada y autorreferencial, en fuga permanente, donde ya nadie se plantea o cuestiona nada de ninguna cosa.
¿Qué historias nos cuentan los Medios? ¿Cuáles son las que se validan desde el territorio artístico-cultural, hoy?¿Qué “no-efectos” producen? ¿Cuál es su orígen? ¿Cómo se vacían de mensajes?¿Qué lugar puede tener actualmente cualquier otra historia que no sea la propia historia (es decir “la personal”)?
¿Qué rincón puede reclamar la ironía ante una competencia discursiva abrumadoramente (a)plana(da)? // (a)plana(dora)?¿Son posibles los meta-relatos cuando no hay siquiera narraciones (que no sean puro cuento)?¿Queda/Hay una audiencia posible para cualquier clase de meta-relato?¿Cómo agitar/sublevar al espectador/usuario? ¿Tiene sentido hacerlo?
Si el pasado y el presente co-existen: ¿Es sensato creer que, al fin y al cabo, el movimiento es un movimiento cíclico? Y si así fuere ¿hacia dónde se dirigen estas fugas, entonces? ¿A cuánto cotiza la sensatez en el mercado? ¿Por sensatez se entiende (el nefasto) ’sentido común’? ¿Es sensato no ser hipócrita? No lo recuerdo…¿Puede haber memoria cuando no hay crítica?
La automatización. El ‘querer pertenecer’, sin preguntarse el cómo, el qué o el para qué. La esquizofrenia, la histeria, el pánico, la ausencia, la velocidad virtual y la ansiedad.
¿Cuál es el rostro, cuál el miembro que responde cuando responde en plan autómata a unos estímulos que nada estimulan, obstinados en un recorrido que va de “w” a “w” exhalando: wows a troche y moche.
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sábado 14 de marzo de 2009
Marseille Project Gallery
Marseille Project Gallery
en:
http://marseille-project-gallery.intrit.com/directory.html
participo dentro del proyecto "Spring Projection" de la Galería de Marsella, en el que se proyectarán las obras de 30 artistas internacionales.
Estais invitados a la inauguración.
We would like to invite you to visit our next seasonal exhibition, spring projection, taking place the 19 - 22 of March 2009, in the Marseille Project Gallery.
This time we are showing our favorite artists' works along with our new work.
Over 30 international artists are taking part in this project.
The work will be projected in actual size onto our gallery walls as a slideshow, as usual there will be original work on display in the gallery.
And as a part of our tradition we are organizing a Private View Party for our artists and friends and friend of a friends on 20th March starting from 19.00.
Of course you are invited!
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viernes 27 de febrero de 2009
Josef Sudek. Una Ventana en Praga
FOTOGRAFÍAS DE LOS AÑOS CINCUENTA
Círculo de Bellas Artes de Madrid
Sala MINERVA, del 19.02.09 al 17.05.09
Una ventana en Praga. Fotografías de los años cincuenta se centra en la producción realizada por el artista checo durante la década de los cincuenta y presenta obras pertenecientes a sus principales temáticas: vistas monumentales, panorámicas del río Moldava y sus puentes, nocturnos con farola,...
Josef Sudek. Una ventana en Praga, catálogo de la exposición homónima celebrada en el Círculo de Bellas Artes, ofrece una amplia y sugerente retrospectiva de la obra fotográfica que Josef Sudek (Kolín, Bohemia, 1896-Praga, 1976) realizó en torno a los años cincuenta, con especial atención a sus series urbanas –en las que fijó con obsesiva fidelidad y desde los ángulos más diversos el retrato de su ciudad adoptiva (lo que le valió ser conocido como «el poeta de Praga»)–, pero fijándonos también en la faceta más intimista de su producción, la que conforman las fotografías tomadas en esas mismas fechas desde la ventana de su estudio y en las que se vislumbra una sensibilidad para captar lo nimio o casi imperceptible que lo emparienta con Morandi y la delicadeza de la poesía oriental.
Juan Manuel Bonet y Jan Mlcoch completan este catálogo con sendos ensayos críticos que combinan el acercamiento histórico y biográfico con el análisis detallado de la obra. El resultado es una mirada atenta a diez años largos de trabajo tan fértiles como representativos del conjunto de esta fotografía.
Josef Sudek (Kolín, Bohemia, 1896-Praga, 1976) se formó originalmente como encuadernador de libros. Durante la Primera Guerra Mundial sirvió en el ejército austro-húngaro, siendo enviado al frente italiano en 1915, donde un año después perdió el brazo derecho. De nuevo en Praga, estudió fotografía durante dos años con Jaromír Funke. Gracias a su pensión de invalidez pudo dedicarse en exclusiva a la fotografía, primero en el estilo pictorialista y luego en una línea absolutamente personal, de corte neorromántico, que recoge enseñanzas de los grandes maestros norteamericanos y europeos sin dejarse dominar por ellos.
Personalidad compleja y tímida –jamás asistió a sus propias inauguraciones–, Sudek dejó un ingente legado fotográfico en forma de series que iluminan tanto su entorno doméstico (el de sus casas y estudios en Újezd, 28 y Úvoz, 24) como el rico palimpsesto urbanístico y arquitectónico de Praga: vistas monumentales, panorámicas del río Moldava y sus puentes, nocturnos con farola, detalles de las plazas y muros de Kampa, la escueta desolación del extrarradio y las edificaciones del nuevo régimen socialista…
jueves 26 de febrero de 2009
Weegee, Fotógrafo de Policiales
Arthur Fellig, más conocido como Weegee. 
Arthur Fellig (Zloczew, 1899 – NY, 1698)
En 1910 emigró a los Estados Unidos con su familia donde comenzó su impresionante carrera como fotoperiodista.
En 1917 consiguió trabajo en un estudio de fotografía y pronto se convirtió en asistente de fotógrafo. En 1921 trabajó en el cuarto oscuro del New York Times y Wide World Photos aunque pronto prefirió cambiarse a Acme Newspictures, la agencia que proveía imágenes a los tres periódicos de Nueva York, el Daily News, World Telegramm y el Herald Tribune. Frustrado por el hecho de que su nombre no aparecía en las fotografías, decidió convertirse en fotoperiodista freelance en 1935.
Pronto fue muy conocido por ser siempre el primero que llegaba a la escena del crimen, de un incendio, de un arresto o de un rescate. Ya para 1937 su éxito se publicó en revistas como LIFE y Popular Photography y en 1938 consiguió ser el primer y único fotógrafo al que le permitieron instalar una radio para recibir las transmisiones de la policía y bomberos. Después de 10 años en los que realizó sus fotografías más conocidas y expresivas, publicó su primer libro Naked City.
Aunque durante su vida los museos no mostraron interés en su imágenes, captó la atención de Beaumont Newhall y Edward Steichen en el Museum of Modern Art y le incluyeron en dos exposiciones colectivas Action Photography (1943) y 50 Photographs by 50 Photographers (1948). A partir de su muerte en 1968, muchos de los más importantes museos se interesaron por su obra.
Una buena galería de Weegee en:
http://www.taringa.net/posts/imagenes/1389978/Fotogaler%C3%ADa:-Weegee,-Fot%C3%B3grafo-de-Policiales.html#cielo
Seguro que muchos recordáis la película de Sam Mendes ‘Camino a Perdición’ (2002). Estaba protagonizada, entre otros, por Tom Hanks y Jude Law. Law hacía el papel de un fotógrafo especializado en asesinatos, que llegaba a la escena del crímen pocos minutos después de que se produjeran.
Pues bien, este personaje estaba inspirado en un fotógrafo real: Usher Fellig, más conocido como Weegee.
El sobrenombre de ‘Weegee’ está muy relacionado con la historia negra que giraba alrededor de este fotógrafo, pues esta no es más que de la onomatopeya de la palabra “ouija” leída en inglés. Y es que se decía que este fotógrafo radicado en Nueva York usaba este método de comunicación con el más allá para informarse y ser el primero en llegar a las escenas de los crímenes, accidentes o cualquier lugar donde hubiese víctimas mortales. Quizás lo de la ouija no era del todo cierto. Parece más lógico que Weegee consiguiese esta velocidad apareciendo en los lugares de accidentes mortales, incendios o asesinatos por ser, en 1938, el único fotógrafo de la ciudad de Nueva York al que se le permitía sintonizar la emisora de la policía.
De hecho, en su afán desmedido por la autopromoción, Fellig hacía circular entre sus compañeros fotos en las que se veía su cuarto. Una pequeña habitación muy desordenada, llena de fotos y con una emisora de frecuencia corta junto a su cama para escuchar las comunicaciones de la policía.
Su formación fotográfica era nula. Pero con la práctica se fue haciendo a sí mismo hasta tener una técnica propia que le resultaba. Disparaba con una cámara 4×5 Speed Graphic, la más típica en prensa en los años 40. Siempre usaba los mismos parámetros: f/16 y una velocidad de obturación de 1/200 de segundo con un buen flash e incluso un pequeño set de focos situados a tres metros del sujeto a fotografiar.
En la parte de atrás de su coche tenía un pequeño laboratorio fotográfico, en el que rápidamente procesaba las fotografías que minutos después vendía a los periódicos que querían ilustrar en sus páginas el suceso con fotos, sin duda, impactantes.
No sólo hizo este tipo de fotografía, también algún desnudo e incluso participó en algún rodaje de cine. Sin ir más lejos fue el “foto fija” de la película de 1964 de Stanley Kubrick ‘Teléfono rojo, volamos hacia Moscú’ (Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb).
Por cierto, que Peter Sellers se inspiró en el acento de Fellig (tenía acento aleman, pues nació en Austria, concretamente en una zona que ahora es Ucrania) para crear el particular acento del personaje del Doctor Strangelove. Un ex-científico de la alemania nazi reconvertido en asesor del gobierno norteamericano durante la Guerra Fría.
Si os interesa ver más del trabajo de Arthur ‘Weegee’ Fellig, existen varios libros publicados con fotos suyas. El más famoso es The Naked City (1945) que inspiró una película que llevaba el mismo nombre.
(c) de http://www.xatakafoto.com/fotografos/descubriendo-fotografos-weegee
Más información en Weegee’s World
http://museum.icp.org/museum/collections/special/weegee/
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viernes 20 de febrero de 2009
martes 17 de febrero de 2009
Walker Evans en Mapfre Madrid
Walker Evans en la Fundación Mapfre
Abordar la obra de Walker Evans pasa por una dicotomía que lo convierte en peso pesado del discurso fotográfico: por una parte está su papel como reinventor del género documental y transgresor en el instante de arrojarse a la captura de un imaginario personalísimo, salpicado por cierta erótica de lo vulgar (Evans es, en efecto, parte de la plétora de creativos que arriesgan en su empeño por echar abajo estratos culturales). Por otro lado figura el insoslayable sustrato de denuncia en su trabajo, que nos retrotrae a momentos históricos de gran envergadura como puedan ser la dictadura de Gerardo Machado en Cuba o los años venideros a la Gran Depresión. Especial interés merecen respecto a esta línea de acción las piezas que formaran parte del libro con el periodista James Agee, Let Us Now Praise Famous Men, donde el efecto alcanza las más altas cotas de desasosiego y crudeza en la serie dedicada a granjeros arrendatarios.
No menos gratificante resulta la sana esquizofrenia temática del autor de Missouri a lo largo del centenar de fotografías vintage, realizadas en gelatina de plata, que alberga esta exposición en la Fundación Mapfre. Así, nos encontramos ante un panorama de skylines neoyorquinos, gélidos parajes industriales, cierta paranoia por la geometría radicalizada en las construcciones de rascacielos, la emergencia de la publicidad, autorretratos o retratos. Es en estos últimos donde sobresale el conjunto dedicado a instantáneas dentro del suburbano, lugar en el que Evans se jactaba de hallar rostros desprevenidos, al margen de la arrogancia convencional, y donde no ponía ningún reparo a la hora de actuar de incógnito. Seductor, ambivalente y arriesgado, el trabajo del fotógrafo guarda un estrecho vínculo afectivo con lo literario, curiosamente, vocación que antecediera al ejercicio de la fotografía. O mejor aún, y en palabras de Lincoln Kirstein: El ojo de Evans es el ojo de un poeta.
Fundación Mapfre (Madrid
http://www.exposicionesmapfrearte.com/walkerevans/
(texto de Notodo.com La Fábrica)
http://www.notodo.com/expos/exposicion_de_fotografia/620_walker_evans_fundacion_mapfre_madrid.html
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jueves 12 de febrero de 2009
CIEN AUTORES CONTRA EL MALTRATO
Violencia Social
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http://hombrescontraelmaltrato.blogspot.com/
Como aquí hablamos de todo tipo de violencia quiero hacerlo también de la de tipo social. Todas las personas que nos encontramos por la calle, como la de la imagen que adjunto, y los miles de enfermos psíquicos que no tienen adónde ir para ser atendidos.
Creo que no debemos silenciar este tipo de violencia y desamparo, tienen derecho a su atención como los demás, que cuando lo necesitamos así lo exigimos.
Nuestros impuestos también sirven para eso y no es exclusivamente responsabilidad de los médicos de Atención Primaria que no tienen dónde enviarlos ni cómo tratarlos.
Jose Javier González
Madrid
http://laderivadelasombra.blogspot.com/
viernes 6 de febrero de 2009
La obsesión del coleccionista
La obsesión del coleccionista
Entrevista con Pilar Citoler
Carolina del Olmo
Fotografía: Eva Salas
En una colección siempre falta el comienzo, ya que las primeras adquisiciones no constituyen aún una colección… ¿Cuándo y cómo comenzó la suya a ser tal?
En efecto, la colección como tal no estaba planteada desde un inicio. Empecé a comprar obra una por una, de manera natural, inconsciente, sin pensar que un día iba a tener una colección. Siempre fui una persona apasionada por los acontecimientos culturales y artísticos, y a pesar de las limitaciones sociopolíticas de mis años universitarios, intentábamos abrir resquicios y yo participaba en todo lo que se organizaba. También viajé por Europa, lo que me proporcionó una visión más amplia del mundo cultural, y poco a poco me fui autoformando. Cuando llegué a Madrid a estudiar estomatología –en Zaragoza había estudiado medicina–, me metí en el ambiente de las artes plásticas y empecé a conocer galerías. En aquellos años había pocas: una de las más vanguardistas era la de Juana Mordó, que promocionaba a la gente de El Paso o al Grupo de Cuenca. También tuve buena relación con la galería Inguanzo, que funcionó durante algunos años con una mayor vocación internacional: trajeron por primera vez obras de Dubuffet, Le Corbusier, el pop americano… También estaba Fernando Vijande, primero con la galería Bandrés y luego ya con Vijande. Eran pocas, pero eran muy buenas y hacían un trabajo muy selecto. En la de Juana Mordó compré mi primera obra: un óleo del artista andaluz José Caballero, a quien tuve la suerte de conocer aquí en Madrid. Y lo compré para tenerlo en casa y verlo a diario, aunque después las cosas se van complicando, claro. Cuando ya tienes un número elevado de obras te planteas si seguir o no comprando –a mí me apetecía seguir–, y también qué hacer con todo el material reunido: es una pena no estudiarlo, no contextualizarlo y catalogarlo; hay que pensar en la conservación, los seguros, la ubicación, y un sinfín de problemas inherentes al hecho de tener un número importante de obras de arte. En cualquier caso, desde los inicios, he ido adquiriendo obra de forma reposada, sin perder tiempo pero sin apresurarme. Y creo que esa es la manera de lograr una colección coherente: hay que ir con la mirada atenta permanentemente, pero sin precipitarse.
Hablando de coherencia, hay colecciones muy eclécticas, mientras que otras tienen un alto grado de especialización. ¿Cómo calificaría la suya?
En mi opinión, la especialización es muy positiva, ya que intensifica el valor concreto de una colección. En mi caso llevo ya muchos años reuniendo obra y empecé en un momento en que el coleccionismo de arte era muy limitado; en cierto modo, es normal que mi colección abarque técnicas, soportes y autores muy distintos, así como un espectro temporal bastante amplio. Fundamentalmente se centra en la segunda mitad del siglo XX y lo que llevamos del XXI. También tengo algunas piezas de la primera parte del siglo XX, pero cuando empecé a comprar esa época era ya un período muy valorado y los precios, por tanto, escapaban a mis presupuestos. Las limitaciones económicas son siempre fundamentales. Ahora bien, aunque mi colección es bastante diversa, creo que hay un hilo conductor que la dota de una coherencia suficiente y permite ofrecer una lectura de interés de medio siglo de arte contemporáneo.
Y a lo largo del tiempo, ¿cómo ha evolucionado la colección? ¿Ha vendido piezas para comprar otras que le interesaban más en determinado momento?
Son ya treinta y cinco años adquiriendo obra, y por supuesto que ha habido una evolución: Madrid se ha transformado enormemente, toda España ha sufrido una gran transformación a la que no ha sido ajena el mundo del arte, ni por supuesto el coleccionista. El número de galerías creció muchísimo, y también el de artistas, una explosión que me permitió otro tipo de adquisiciones. Pero la evolución principal ha sido el salto desde las técnicas tradicionales o clásicas –pintura, dibujo, grabado…– al mundo de la fotografía. Para mí fue un salto natural y espontáneo, era el ambiente el que invitaba, con la aparición de las primeras galerías dedicadas en exclusiva a la fotografía… Fue todo un fenómeno a escala mundial. Y de la fotografía es muy fácil saltar al vídeo. Ahora bien, la evolución tampoco impide que pueda comprar hoy un dibujito de los años treinta, si surge la oportunidad.
En cuanto a vender obra para comprar otra, es algo que no me gusta. Como la colección es muy mía y está hecha de una manera muy personal y muy directa –siempre he comprado con una independencia total–, cada obra es fruto de una circunstancia y un momento determinados y es, en cierto modo, parte de mí misma. El prescindir de ellas no entra dentro de mis presupuestos mentales. Valoro todas las piezas –cada una tiene sus recuerdos asociados, condensa una vivencia determinada de la que no quiero prescindir: todas juntas van hilando diversas vivencias y componiendo, de algún modo, mi biografía– y no me gusta venderlas, aunque sea para poder permitirme comprar otras. Me parecería una especie de traición.
Dice que compra de manera directa, ¿no recurre a asesores?, ¿se fía exclusivamente de su criterio? Y en cuanto a esto último, siempre se habla del instinto, del olfato del coleccionista, pero, ¿cuánto hay de intuición o corazonada y cuánto de erudición, cálculo, decisión racional?
Recurro exclusivamente a mi criterio. Elijo con el «ojo clínico» de saber lo que me gusta, y hago elecciones independientes y muy personales –siempre, por supuesto, con la limitación económica, el gran sufrimiento del coleccionista–. En cuanto a la mezcla de componentes que entran en la decisión, no creo que la proporción sea constante: muchas veces depende de la obra. En general diría que en las elecciones puede haber mitad de instinto y mitad de conocimiento. Es una combinación bastante armónica. Por lo que toca a los procedimientos, yo fundamentalmente he comprado a través de galerías. Hay gente que prefiere tratar directamente con los artistas, ir a sus estudios, pero a mí siempre me ha gustado pasar por el cauce de la galería, respetar la labor que desempeñan y que considero muy importante y meritoria. Por supuesto, tengo también muchas piezas recibidas directamente de sus autores, ya sea porque han sido amigos míos o tal vez mis pacientes, pero siempre que ha habido adquisición directa ha sido porque me ha venido a la mano, yo no lo he buscado.
Sin duda, el coleccionista escoge obras que tienen un cierto valor, pero, ¿llega tal vez un momento en que la fama o el valor de la colección como conjunto –o del coleccionista– supera a la de las piezas, hasta el punto de que es su pertenencia a la colección la que les otorga su valor?
Creo que las piezas han de tener un valor intrínseco, relacionado con el contexto del que provienen, del lugar que ocupa la obra en la producción de un artista, etc. Después, el que esa obra forme parte del contexto de una colección, con una determinada amplitud de miras, quizás sí le otorgue un valor sobreañadido, puesto que queda inserta en una lectura general, en un determinado momento histórico, añadida a un movimiento determinado.
Es habitual que los estudios que abordan el tema del coleccionismo reúnan en un mismo saco el coleccionismo de arte y el de objetos, digamos, cotidianos. ¿Cree que alienta un espíritu similar en los dos tipos de coleccionista? ¿Alguna vez ha sentido el impulso de coleccionar otras cosas?
Generalmente el coleccionista es un personaje con ciertas peculiaridades, con un modo de ser singular y especial. Es muy habitual que el que colecciona arte contemporáneo haya coleccionado también antigüedades, libros, plumas estilográficas o cosas por el estilo. Desde luego, yo toda mi vida he coleccionado algo, desde que tengo uso de razón: guardaba los papeles de celofán de las frutas de Aragón, los frasquitos de la clínica de mi padre… Creo que forma parte de una determinada personalidad, de una forma de ser, y diría que todos tenemos en común cierto grado de chifladura, porque no cabe duda de que esta afición tiene algo de patología: te lleva a situaciones ajenas a la norma común de comportamiento; entra un poco dentro de lo maníaco, de lo obsesivo. Una de las exposiciones de mi colección se tituló No hay arte sin obsesión, una cita de Cesare Pavese. Y ciertamente para reunir una colección tienes que ser obsesivo y perseguir tu camino como si de una manía se tratara. Naturalmente, hay coleccionistas que lo hacen por inversión, o porque de pronto puede haberse puesto de moda el coleccionar, pero creo que la gran mayoría de los coleccionistas «puros», por decirlo de alguna manera, hemos coleccionado toda nuestra vida.
Decía que con los años y el número de piezas se vuelve imposible guardar en casa las obras. Las piezas que conserva en su domicilio, ¿son siempre las mismas o las va cambiando?
Siempre es atractivo cambiar las obras que tienes a la vista; hay cierto morbo en esas modificaciones. No es que me canse de ver siempre los mismos cuadros –tengo un Tàpies que permanece inalterable en su posición desde hace mucho tiempo: me gusta, fue una elección personal y me trae muchos recuerdos–, pero sí hago cambios. De todas formas, no me gusta llenar mucho las paredes, prefiero elegir unas pocas obras que me gusten…
Y las exposiciones, ¿por qué las hace?
Las hago porque me divierte, y también porque es una forma de ver las obras, de sacarlas a la luz para los demás y ¡también para mí misma!: muchas veces compro una pieza, me la envían embalada, se almacena en condiciones de seguridad y no la veo en años… Pero también creo que el fundamento de una colección, al margen de la satisfacción personal que pueda proporcionar, es la de hacer partícipes a los demás. Yo siempre digo que mi colección tiene una vocación social: es esencial que la gente la vea y que sirva para algo. La colección debe tener un fin que vaya más allá del egoísta posesivo, del tener las cosas para uno mismo. Lo que realmente
Hace ya tres años que se otorga el Premio de Fotografía Pilar Citoler. ¿Cómo surgió la iniciativa y cuál es su implicación en este galardón?
La idea partió de la Universidad de Córdoba y fue acogida muy favorablemente por la Fundación de Artes Plásticas Rafael Botí, que pertenece a la Diputación de Córdoba. Y cuando me propusieron que llevara mi nombre, me sentí muy halagada y acepté encantada. Es algo que tiene mucho que ver con esa vocación social de la que hablaba: se trata de intentar hacer algo por el mundo de la cultura, aunque sea mínimo, de participar de algún modo. También me gusta pensar que es una forma de contribuir a activar la vida cultural de Córdoba, a que la ciudad participe del actual movimiento de renovación artística. El premio es internacional y valora no sólo la técnica y la estética de la obra, sino también la trayectoria del artista. Tiene una buena dotación y al ganador se le hace una exposición y un libro monográfico. Solemos presentarlo en la feria Paris Photo, y por ahora está funcionando muy bien. Cada año presido el jurado y, normalmente, invito a una galería y a un artista de una galería dedicada a la fotografía a formar parte del comité de decisión.
© CBA, 2009. Texto publicado bajo una licencia Creative Commons. Reconocimiento – No comercial – Sin obra derivada 2.5. Se permite copiar, distribuir y comunicar públicamente por cualquier medio, siempre que sea de forma literal, citando autoría y fuente y sin fines comerciales.
jueves 5 de febrero de 2009
*Los americanos* de Robert Frank
*Los americanos* de Robert Frank. Introducción de Kerouac.
Esa loca sensación en América cuando el sol calienta las calles y la música sale del jukebox o de un funeral cercano, eso es lo que Robert Frank ha capturado en tremendas fotografías sacadas mientras viajaba por carretera alrededor de casi 48 estados en un viejo coche usado (becado por la Guggenheim) y con la agilidad, el misterio, el genio, la tristeza y el extraño secreto de una sombra ha fotografiado escenas que nunca antes habían sido vistas en película. Por esto sin duda será celebrado como un gran artista en su campo.
Después de ver estas imágenes, terminas por no saber si un jukebox es más triste que un ataúd. Eso es porque siempre anda sacando fotos de jukeboxes y ataúdes (y de misterios intermediarios como el sacerdote Negro agachándose bajo el brillante y líquido vientre del mer del Mississippi en Baton Rouge por algún motivo al atardecer o temprano al amanecer con una blanca cruz nevosa y secretos conjuros nunca oídos más allá del bayou). O la imagen de una silla en un café con el sol filtrándose de la ventana para envolver la silla en un halo sagrado que nunca pensé que podría ser capturado por una película y mucho menos descrito enteramente con palabras en su hermosura visual.
¡El humor, la tristeza, la TOTALIDAD y Americanidad de esas imágenes!
Un culo inquieto alto y delgado de vaquero a la salida del Madison Square Garden ante la temporada de rodeo, triste, larguirucho, increíble – Un tramo largo de carretera nocturna apuntando como una flecha a las inmensidades y a la llana e imposible-de-creer América en Nuevo México bajo la luna del prisionero—bajo el tantán de la guitarra estrella—Demacradas viejas rancias damas de Los Ángeles inclinadas intentando mirar desde la ventana derecha delantera del coche de Old Paw un domingo embobabas criticando para explicarles América a los niñitos del asiento trasero todo salpicado—el tipo tatuado durmiendo en la hierba de un parque de Cleveland, roncando muerto al mundo en una tarde de domingo con demasiados globos y barquitos—Hoboken en invierno, una plataforma llena de políticos todos con pinta normal hasta que de repente al otro extremo ves a uno de ellos fruncir los labios en una plegaria política (probablemente bostezando) que ni a un alma le importa—Un viejo dudoso con un bastón de anciano ante los viejos escalones hace tiempo derruidos—Un loco descansando bajo el palio de una bandera americana en un viejo coche roto en un patio de la fantástica Venice California, podría sentarme allí y pergeñar 30000 palabras (cuando trabajaba como ferroviario atravesé muchas veces por patios como ése asomándome desde la vieja cafetera humeante) (botellas vacías de Tokay entre la maleza de las palmeras)—Robert recoge a dos autoestopistas y les deja conducir el coche, por la noche, y la gente mira a sus dos caras mirando adustos hacia delante en la noche (“Visionarios ángeles indios que eran visionarios ángeles” dice Allen Ginsberg) y la gente dice “Uy parecen tan malos” pero todo lo que quieren hacer es ir como flechas por la carretera y regresar al saco –Robert está aquí para contarnos eso—St. Petersburgo Florida los abueletes pensionistas en un banco de la bulliciosa calle principal apoyándose en sus bastones y hablando sobre la seguridad social y una increíble mujer (creo) Semínola medio negra tirando de su cigarrillo con sus propios pensamientos, una imagen tan pura como el más hermoso solo de tenor de jazz...
Una imagen tan americana—las caras no manipulan ni critican ni dicen nada excepto “Así es como somos en la vida real y si no te gusta no me importan ‘porque vivo mi vida a mi manera y que Dios nos bendiga a todos, tal vez”... “”si se merece”...Oye solitario ay de Lee Lucien, una cesta de gatitos...
Qué poema, qué poemas podría escribir sobre este libro de fotos algún día algún joven nuevo escritor a la luz de una lámpara inclinándose para describir cada misterioso detalle gris, la película gris que captó el verdadero jugo rosado de la humanidad. O si era la leche de la bondad humana, como lo quiso Shakespeare, al contemplar estas imágenes da igual. Mejor que una exposición.
Loca carretera conduciendo a la gente hacia delante—la carretera loca, solitaria, conduciendo en curvas a las aperturas de espacio hacia el horizonte de nieves de Wasatch que nos fue prometido en la visión del oeste, alturas vertebrales del fin del mundo, la costa del Pacífico azul estrellada en la noche—deshuesadas lunas de medio plátano pendientes en el cielo de la noche enmarañada, las tormentas de las grandes formaciones en la neblina, el invisible insecto acurrucado en el coche a toda velocidad hacia delante, iluminados—La pieza cruda, el drag, el culo, la estrella, el girasol en la hierba—tierras de culo anaranjado del oeste de la Arcadia, arenas desoladas de la tierra aislada, intemperie de exposiciones al infinito en un espacio negro, casa de la serpiente de cascabel y de la taltuza—el nivel del mundo, bajo y llano: la cargante muda sin descanso ni voz carretera inclinándose en un ataque de poder de lona en la ruta, fabulosos argumentos de terratenientes en verdes imprevistos, cunetas a los lados de la carretera, mientras miro. De aquí a Elko a lo largo del nivel de esta clavija paralela a los postes telefónicos puedo ver un bicho jugando bajo el sol caliente—zás, haz dedo más allá del tren de mercancías más rápido, gánale al humo, encuentra los muslos, gástate lo bueno, tira la mortaja, besa el lucero del alba en el vaso del alba—locacarretera conduciendo a la gente hacia delante. Trazos de lápiz de nuestro más débil deseo en el viaje al horizonte conciliados, la nube entrometida se ofusca en un enfangarse de distancia sin habla, las nubes oveja negra se cuelgan de una paralela por encima de los vapores de la CBQ—Pequeñas rocas de Missouri apiñadas atormentan los páramos, campos marrones secos ásperos llegan a la luz de la luna con el culo brillante de una vaca, postes de teléfonos escarban como palillos el tiempo, “punteando la inmensidad de puntos” el enloquecido viajero del coche solitario imprime su ansiosa insignificancia en placas y matrículas con el molde de la promesa de la vida. Escurre tu cuenco en el viejo Ohio y en las llanuras indias y de Illini, trae tus grandes ríos enlodados a través de Kansas y las tierras de barro, Yellowstone en el norte helado, agujerea lagos en Florida y L.A., levanta ciudades en la llanura blanca, moldea tus montañas arriba, adorna el oeste, engalana el oeste con valientes acantilados con setos levantándose hacia fama y alturas prometeicas—planta tus prisiones en la cuenca de la luna de Utah—empuja a tientas tierras de Canadá que terminan en las bahías árticas, uno del derecho otro del revés teje tu cuello mexicano, América—vamos a casa, a casa.
Descansando sobre su almohada satinada en el trance tremendo de la muerte, el Hombre, negro, y los locos dolientes que pasan a echarle un vistazo al Rostro Santo para ver cómo es la muerte y la muerte es como la vida, ¿cómo si no?—Ya sabes lo que dicen los sutras—La convención de Chicago con la cara elegante honrada persuasiva confiada con un puro de jefe sindical gordo como Nerón y deseoso como César en la atronadora cerveza del vestíbulo inclinándose en confidencia—La mesa de juego en Butte Montana con pósters de elecciones pasadas y pequeños artilugios sobre los que golpear, la misma página editorial—El coche envuelto en una elegante lona carísima (conocí a un camionero que pronunciaba lona de una manera muy particular) para que el hollín de la Malibú sin hollín no pidiera nuevo encerado mientras el dueño carpintero de a dos dólares la hora echa una cabezadita en casa con tele y señora, todo bajo las palmeras por nada, en la noche cementerial de California, aj, uf—En Idaho tres cruces donde los accidentes, donde ese espigado vaquero casi llega al Madison Square Garden cuando estaba a una milla—“Te dije que esperaras en el coche” dice la gente en Américca y entonces Robert echa un vistazo y fotografía a esos niñitos esperando en el coche, bien tres niñitos en una limusina, opíparos e impíos, o niñitos pobres que apenas pueden mantener los ojos abiertos en la Ruta 90 en Texas a las 4 a.m. mientras papá va a los arbustos y se estira—Los monstruos de la gasolina se levantan en los llanos de Nuevo México bajo grandes carteles que dicen AHORRA—el dulce bebé blanco en los brazos de la enfermera negra ambos perplejos en los Cielos, una imagen que debería haber sido explotada y colgada en la calle de Little Rock mostrando el amor bajo el cielo y en el vientre de nuestro universo la Madre—Y la imagen más solitaria nunca vista, las letrinas que las mujeres nunca ven, la limpieza de zapatos en triste eternidad—Guau, y por encima del cementerio chino las flores de una colina de San Francisco clavadas con niebla de patatal en una noche de marzo en el que se diría que nadie estaría por allí excepto el gato de goma—A cualquiera no le gustan esas fotitos no le gusta la poesía, ¿o no? A cualquiera no le gusta la poesía y se va a casa y ve en la tele escenas de vaqueros con sombreros grandes aguantados por caballos amables.
Robert Frank, suizo, discreto, amable, con esa pequeña cámara, que levanta y dispara con una mano se tragó un triste poema desde la misma América y lo pasó a película, haciéndose un sitio entre los grandes poetas trágicos del mundo.
A Robert Frank ahora le doy un mensaje: Tienes ojos.
Y digo: Esa pequeña vieja solitaria ascensorista que mira hacia arriba suspirando en un ascensor lleno de demonios borrosos, ¿cómo se llama? ¿dónde vive?
traducción de Marcos Canteli
[texto de introducción al catálogo Los americanos del fotógrafo suizo Robert Frank (Madrid: La Fábrica, 2008)]
domingo 1 de febrero de 2009
Chavales del Arroyo
Pier Paolo Pasolini
Reseña en ABC de las Artes y de las Letras - 17-Ene-2009
http://www.abc.es/abcd/noticia.asp?id=11204&num=886&sec=32
Escrita en un lenguaje que supera en ocasiones lo coloquial para situarse en lo arrabalero, “Chavales del arroyo” es una novela de desgarradora hermosura. Como una ventana que se abriera sobre los barrios bajos de la Roma de posguerra, permite ver un paisaje de chabolas, de descampados, de precariedad y miseria, que nos presenta una realidad bastante alejada de la dolce vita.
Y es que realidad es la palabra clave de esta novela de Pier Paolo Pasolini, que se centra en la vida de un grupo de muchachos romanos que, prácticamente indigentes, se ven obligados a buscarse la vida por las calles bulliciosas de la ciudad. Descuideros, camorristas, ladrones de poca monta y hasta prostitutos, Riccetto y su pandilla queman las etapas de un camino que conduce necesariamente desde la marginalidad hasta la ilegalidad.
http://www.solodelibros.es/28/01/2009/chavales-del-arroyo-pier-paolo-pasolini/
Aun no he terminado de leerlo, pero siento la necesidad de recomendarlo porque creo que es muy difícil lograr transmitir y utilizar tal cantidad de palabras y términos ajustados a la realidad local en la traducción que ha realizado Miguel Angel Cuevas en la magnífica edición de Nórdica Libros.
Realismo y Poesía.
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jueves 29 de enero de 2009
Nikon D3 Cut In Half
Nikon D3 Cut In Half
O como aprender cómo está construida una cámara....
más en:
http://tokyobling.wordpress.com/2008/12/17/nikon-d3-cut-in-half/
Aquí se puede ver un video muy interesante sobre cómo se construye un objetivo con varias lentes.
http://www.youtube.com/watch?v=X7_wL0ZZi6k
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lunes 19 de enero de 2009
Antesala 10
Antesala 10
El pasado viernes 16 de Enero se inauguró en Sala XIII (Torrelodones-Madrid) la exposición colectiva "Antesala 10" en la que participo con dos fotografías (Óxido y Oniria) como adelanto de mi próxima individual en Abril/Mayo.
Aun os queda un mes para visitarla. De momento quiero agradecer a todos los amigos que acudieron al cocktail de inauguración y a los que no pudieron, su gran apoyo sin el cual esto no hubiera pasado.
Como podreis ver, me pude fotografiar con mis fans más guapas.
Gracias a todos.
domingo 11 de enero de 2009
Berta Piñán
Berta Piñán
Berta Piñan entrevistada en el diario La Nueva España (Asturias)
En la edición de hoy domingo 11 de Enero del diario La Nueva España (Asturias) y en la ultima página, aparece una fotografía mía acompañando a la entrevista realizada a nuestra amiga, escritora y académica asturiana, Berta Piñán.
Os paso el enlace. La calidad de las fotos en la edición electrónica no es muy buena, en general.
http://www.lne.es/secciones/seccion.jsp?pRef=2009011100_50_0__Ultima-Pagina
http://www.lne.es/servicios/lupa/lupa.jsp?pIdFoto=2402316&pRef=2009011100_50_714991__Ultima-Pagina-lugar-trabajo-ninguno
lunes 5 de enero de 2009
GiraPoema 2008
GiraPoema 2008
Lo publiqué en Marzo, pero ahora lo podeis ver mucho mejor.
¿El mío?.... La Colina de las Mimosas
pero hay otros buenos !!!.... :-)
Haz click sobre el libro y lo verás en grande y lo pasarás mejor.
La colina de las mimosas
Gotea el silencio.
En la ligera oscuridad de nuevo caen torres
y pensamientos levantados entre la atmósfera de los cipreses.
La luz dibuja susurros de agua y aire,
un rumor de piedras empuja a meditar,
sintiendo cómo se desliza la seda por el rostro,
delicada,
sobre los párpados cerrados
hasta abandonar los labios.
Así se desvanecen los sueños,
y así regresan, por la ladera
entre las mimosas floridas,
a buscar un encuentro
con el ansia de tenerlos,
y la mano a los ojos
que, soñando, creen ver
subir la claridad, que trae enredados
en el viento, ¿porqué no?, deseos,
castillos temblorosos,
tiernas mañanas a tu lado.
Jose Javier Gonzalez - España
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lunes 29 de diciembre de 2008
Helena Almeida - FotografiArte
Una muestra exhibe el peculiar método de trabajo de la fotoartista portuguesa
Su forma de trabajar es totalmente peculiar. Ella piensa en un tema. Dibuja innumerables bocetos con la puesta en escena. Decide cómo va a posar. Busca la solución técnica y finalmente su marido, el también artista Artur Rosa, se encarga de disparar la cámara Nikon. Después, el revelado se hace en el mismo estudio con el que trabajan desde la década de los setenta. Almeida explica por qué es su marido el encargado de retratarla: "Es importante que las fotografías tengan lugar en el espacio físico en el que las pensé y las proyecté y, por eso, tiene que ser alguien próximo a mí". Y nadie más cercano a ella que Artur. Casados desde muy jóvenes, pasean estos días por Madrid cogidos de la mano como si se acabaran de conocer.
Almeida aparece siempre retratada sola en sus fotografías. Sólo en una de sus últimas series, en El abrazo o La conversación, ha incorporado a su marido. Desde entonces, él ya no se ocupa únicamente del obturador. "Ahora también le sirvo de modelo", comenta entre risas.
La exposición arranca con la fotografía que da título a la muestra, Tela rosa para vestir (1969). Como todas las demás, está realizada en blanco y negro. "El rosa era la tela que aquí se percibe como blanco oscuro. Los colores están presentes en mi obra, aunque aparezcan muy poco", explica la artista. Cuando Almeida introduce algo de color, nunca va más allá de algún brochazo o pincelada. Azul añil y rojo son los únicos colores que a veces aparecen como una huella de su memoria de pintora.
Aunque nunca se ha planteado utilizar en sus fotografías otro modelo que no sea ella, la artista asegura que no tiene nada que ver con el narcisismo o el egocentrismo: "Tiene que ver con que desde muy pequeña tenía que hacer de modelo para mi padre, el escultor Leopoldo Almeida, cosa que me fastidiaba mucho. Y luego, curiosamente, decidí ser mi propia modelo". A medio camino entre la performance (captación de un instante) o el body art (el cuerpo como protagonista absoluto), Almeida explica que nunca ha querido estar vinculada a tendencias o modas. Jamás se ha obsesionado por exponer ni por formar parte de élites artísticas. Lo suyo es más una poesía callada y sensual con la que retrata sus sentimientos más profundos.
Salas de exposiciones de Fundación Telefónica
Número de obras: 100 fotografías; 29 dibujos y un vídeo titulado: A Experiencia do lugar
(c) Todas - La Bitácora para ellas
lunes 22 de diciembre de 2008
A los pies de Minerva
A los pies de Minerva (Pallas Atenea), Diosa de la Sabiduría.
Azotea del Círculo de Bellas Artes. Madrid.
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sábado 20 de diciembre de 2008
Bleda y Rosa PHE09
Phe.es entrevista a Bleda y Rosa, Premio Nacional de Fotografía 2008
María Bleda y José María Rosa (Bleda y Rosa) han ganado el Premio Nacional de fotografía, que concede anualmente el Ministerio de Cultura y que está dotado con 30.000 euros.
http://www.phedigital.com/index.php?sec=noticia&id=104
viernes 19 de diciembre de 2008
Eduardo Chillida
DISCURSO PRONUNCIADO POR EDUARDO CHILLIDA CON MOTIVO DE SU INVESTIDURA COMO DOCTOR HONORIS CAUSA POR LA UNIVERSIDAD DE ALICANTE (1996)
El mismo discurso al ingresar en la Academia de Bellas Artes de San Fernando (1994)
Excmo. y Magfco. Sr. Rector de la Universidad de Alicante, Excmas. e Ilmas. Autoridades, Claustro de Doctores de la Universidad, Miembros de la Comunidad Universitaria, Señoras y Señores:
¿Cómo es posible que nuestra vida, formada por sucesivos presentes que no tienen dimensión, pueda durar veinte, cuarenta u ochenta años?
¿Qué clase de tiempo conduce a esa duración?
¿No es la geometría únicamente coherente cuando el punto no tiene medida?
Este punto, para que todo funcione, necesita no tener medida y sin embargo ocupar un lugar.
¿Se puede ocupar un lugar sin tener medida?
Únicamente en la mente esto es posible.
¿Existe algo sin medida en el Universo?
¿Es la medida condición necesaria para formar parte del Universo?
¿Es el presente sin medida parte del Universo?
Si el presente tuviera medida ¿no estarían disociados por ella el pasado y el futuro? ¿Qué sería de la vida, de la palabra y de la música?
¿No es la no dimensión del presente lo que hace posible la vida, como la no dimensión del punto hace posible la geometría?
¿Existen límites para el espíritu?
Gracias al espacio existen límites en el Universo físico y yo puedo ser escultor.
¿Qué clase de espacio hace posibles los límites en el mundo del espíritu?
¿No son la construcción y la poesía componentes esenciales de todas las artes?
Al alba conocí la obra. Puede ser de mil maneras, pero sólo de una.
¿No es el camino el que, desde la libertad, nos conduce a la percepción?
¿No es el arte algo que le ocurre al hombre ante sí mismo y ante un testigo implacable: la obra?
¿No es entre el ya no y el todavía no donde fuimos colocados?
¿No será el arte consecuencia de una necesidad, hermosa y difícil, que nos conduce a tratar de hacer lo que no sabemos hacer?
¿No será esta necesidad prueba de que el hombre no se considera terminado?
¿No será el paso decisivo para un artista el estar con frecuencia desorientado?
El diálogo limpio y neto que se produce entre la materia y el espacio, la maravilla de ese diálogo en el límite, creo que, en una parte importante, se debe a que el espacio, o es una materia muy rápida, o bien la materia es un espacio muy lento. ¿No será el límite una frontera, no sólo entre densidades, sino también entre velocidades?
¿No será la densidad, en todo su esplendor, necesaria para tratar de comunicar, de entender, de oír el espacio?
¿No se hace el agua viva rebelándose contra la horizontal al mismo tiempo buscándola?
¿Cuál es la diferencia fundamental entre ciencia y arte?
Copérnico demuestra que Ptolomeo estaba equivocado. Einstein hace lo propio con Galileo. Lo que yo me pregunto desde el arte es lo siguiente: ¿Por qué Goya con su obra no demuestra ni necesita demostrar que Velázquez estaba equivocado?
¿Por qué Mozart compone la mayor parte de su música con movimientos rápidos? ¿No será que intuye que no tiene tiempo, que por desgracia no caben en su obra demasiados adagios?
Sólo una de las tres dimensiones es activa, la que viene a mí desde lo lejano a través de lo próximo, pero las tres lo son en potencia alternando su actividad.
La escultura debe siempre dar la cara, esta atenta a todo lo que alrededor de ella se mueve y la hace viva.
Se ve bien teniendo el ojo lleno de lo que se mira.
¿Por qué la experiencia se orienta hacia el conocimiento y la percepción hacia el conocer?
Desde el espacio con su hermano el tiempo, bajo la gravedad insistente, sintiendo la materia como un espacio más lento, me pregunto con asombro sobre lo que no sé.
Los ojos para mirar
Los ojos para reír
Los ojos para llorar
¿Valdrán también para ver?
¿No es lo único estable, la persistencia de la inestabilidad?
¿No es tan vanguardia el crepúsculo como la aurora?
Juan Sebastián Bach. Saludo
Moderno como las olas
Antiguo como la mar
Siempre nunca diferente
Pero nunca siempre igual.
En una línea el mundo se une, con una línea el mundo se divide, dibujar es hermoso y tremendo.
¿Qué hay detrás de la mar y de mi mirarla?
¿Qué hay detrás de la mar y de mi oírla?
No vi el viento
Vi moverse las nubes.
No vi el tiempo
Vi caerse las hojas.
No se debe de olvidar que el futuro y el pasado son contemporáneos.
Yo no entiendo casi nada y me muevo torpemente, pero el espacio es hermoso, silencioso, perfecto.
Yo no entiendo casi nada, pero comparto el azul, el amarillo y el viento.
De la muerte, la razón me dice:
Definitiva.
De la razón, la razón me dice:
Limitada.
¿No es el límite el verdadero protagonista del espacio, como el presente, otro límite, es el protagonista del tiempo?
Yo no represento, pregunto.
Creo que el ángulo de 90º admite con dificultad el diálogo con otros ángulos, sólo dialoga con ángulos rectos.
Por el contrario los ángulos entre los 88º y 93º son más tolerantes, y su uso enriquece el diálogo espacial.
¿No son por otra parte los 90º una simplificación de algo muy serio y muy vivo, nuestra propia verticalidad?
La tarde avanza lentamente, y yo mirando quiero ver.
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jueves 18 de diciembre de 2008
Tarkovsky, 75 aniversario
Tarkovsky, 75 aniversario
por RISTO MÄEWPÄÄ
El Cultural de El Mundo 5 abril 2007
Se celebra estos días el 75 aniversario del nacimiento de Andrei Tarkovsky, el cineasta ruso que firmó filmes tan influyentes como La infancia de Iván, Solaris, Sacrificio o Stalker. Con este motivo, El Cultural rescata una reveladora entrevista que permanecía inédita desde finales de los 70 en la que el director reflexiona sobre las implicaciones morales del oficio de artista.
En 1978 Andrei Tarkovsky (Zavrahze, Rusia, 1932) estaba considerado unánimemente uno de los cineastas más importantes del mundo gracias a filmes como La infancia de Iván (1962), Andrei Rublev (1969) o Solaris (1972). Una posición aparentemente envidiable ya que, en su propio país, llevaba años padeciendo los obstáculos a los que le sometía el régimen comunista. En este contexto, el periodista finlandés Risto Mäenpää entrevistó al realizador para un documental televisivo. Durante años, la entrevista ha permanecido inédita hasta que, gracias al esfuerzo del Festival Punto de Vista (celebrado en Pamplona el pasado mes de febrero) fue rescatada de los archivos de la televisión nacional finlandesa para su pase en ese mismo certamen.
El encuentro entre Mäenpää y Tarkovsky se produjo en un momento muy singular mientras éste preparaba Stalker, película en clave de ciencia ficción que, como todas las suyas, actúa como metáfora sobre las cuestiones morales esenciales que afectan al ser humano. Además, acababa de sufrir el boicot oficial a su último filme, Espejo, estrenado sin honores en muy pocas salas de Rusia (asunto al que se refiere al final de la entrevista). Una situación que conduciría, cinco años después, al destierro de Tarkovsky en Italia primero y París después, donde encontró la muerte en 1986 víctima de un cáncer.
Tarkovsky nunca rodó “novelas” sino poesías visuales. Sus filmes, lentos y pausados, reflexivos y muy atentos a la belleza del encuadre, siguen teniendo hoy la valentía de enfrentarse a los dilemas esenciales que sacuden al ser humano sin recurrir a artificios argumentales o de otro tipo. En la entrevista que reproducimos a continuación de forma exclusiva, el cineasta reflexiona sobre su propio oficio para llegar a la conclusión de que ser artista es una forma de vivir total en la que lo moral y lo estético se funden como un solo objetivo.
–¿Cuál es la responsabilidad del artista?
–Un artista debe expresarse a sí mismo en su vida real de la misma forma que expresa su trabajo. No debe hacer una cosa con una mano y otra con la otra. Hoy en día parece que sea de buen tono que cuando te consideras a ti mismo como un artista lleves una doble vida. Una persona habla y trata de presentar su propia visión de la vida en su trabajo, pero luego se comporta de una forma contradictoria a lo que ha defendido. Lo que este artista está diciendo en su obra es hipócrita. Tengo la impresión de que éste es el caso con la mayoría de los modernos. Eso hace que su trabajo sea poco claro e incluso peligroso. Hay gente que trabaja como un parásito en la sociedad.
–La Historia los pondrá en su lugar.
–Quiere decir que los revelará. Para eso sirve la Historia.
–Usted dice que el arte del cine es una obligación moral para usted, no una profesión.
–No me limito a mí mismo a la hora de trabajar en un nivel profesional. Cuando digo que es una obligación moral quiero decir que los profesionales que no tienen una actitud moral o una perspectiva estética no tienen derecho a llamarse a sí mismos artistas. Y la cuestión no es tanto que yo u otros creadores respetados intentemos diferenciarnos de los demás. Lo que no es posible es que intente sacar provecho de su condición para otros fines. Personajes bajo presión
–¿Cuál es la conexión entre sus películas?–No lo sé. Usted mismo tiene que encontrar la conexión. Podría hacer la pregunta de otra manera: ¿Cuál es mi principal interés para empezar a hacer una película? En mis filmes hay ciertas situaciones que son repetitivas. Me interesan los personajes bajo una presión moral o ética, que están sufriendo una crisis o un momento de gran estrés. Esa persona puede salir adelante siendo mejor o puede sucumbir a la presión. Ese es un elemento común en mis películas: La infancia de Iván, Andrei Rublev, Solaris o El espejo. Me interesan los personajes que se desarrollan durante fuertes crisis morales. Me ayuda a expresar de una forma más profunda, más emocional, aspectos de la historia.
–Podemos decir que todos sus filmes acaban de forma optimista.
–Puedo explicarlo. Si la persona no puede soportar la crisis y se derrumba como resultado de ella, la película no puede terminar con una conclusión optimista. No entiendo qué rol puede jugar el optimismo o el pesimismo en el arte, porque el arte es un medio de alcanzar lo moral. Da a la gente la fuerza para abrir su alma al bien del que debe estar rodeada. El bien no puede ser sinónimo de nada negativo. El arte es moralidad, en su totalidad. Es imperativo que exista sólo en esta forma. Sino es así, no puede ser arte en absoluto. Todo lo que se denomina arte reaccionario, para mí significa no-arte. Con arte me refiero a un tipo de acción que se relaciona con algún tipo de esfuerzo moral cuyo objetivo es la mejora espiritual del género humano.
–¿Ofrece alguna solución a esos dilemas o se limita a mostrarlos?
–No lo sé. Es difícil para mí decir. Trato de que se vean las posibilidades morales del hombre. En un período de crisis estoy interesado en algún tipo de objetivo interno, una posición activa en la vida relacionada con las tendencias morales. Sin esto no puedo imaginar ninguna película o ninguna otra forma de arte. ¿Está claro? Porque para mí es difícil hablar de mi propio trabajo. Lo veo de una manera, y la crítica o el público puede verlo de otra. De hecho, creo que de una forma más prístina.
–¿Se siente satisfecho con lo logrado?
–En cualquier profesión, especialmente en la dirección de cine, nunca puedes estar seguro de que estás realizando tus objetivos hasta su último límite. La dirección de cine tiene algunos aspectos inalcanzables: está el cámara, los actores, el equipo de rodaje... Los objetivos del realizador se logran a través de los otros. Esto hace difícil discernir lo que ha sido conseguido por el director y lo que es mérito de los otros. Esta dificultad se refleja en la opinión del espectador. Para éste, el realizador es algún tipo de secreto, una figura misteriosa. Respeto muchísimo al espectador.
–¿A quién cree que van dirigidas sus películas?
–No creo que una obra deba ser para que pueda verla todo el mundo. Esto significaría hacer algún tipo de cosa primitiva, programada para llegar a la “media”. Es una perspectiva que no tiene nada que ver con el arte. De todos modos, es probable que cada director lleve encima una creencia de que esa película será vista por la humanidad en su conjunto. En el fondo quizá espera eso pero sabe que es imposible.
Un cineasta discutido
–Espejo obtuvo una acogida sensacional. La película generó un gran debate. ¿Por qué?Ç
–Nosotros tuvimos la impresión de que la película no fue bien recibida. Si coge la revista Iskusstvo Kino y lee la discusión me dejan verde. Incluso hay un director que trata de denigrarme. Dice que mientras la hice atravesaba un período de crisis de inspiración. Ahí se está equivocando usted, la carga fue unánime. Aunque nos sorpendió que el público tuvo una opinión contraria.
–¿Ha recibido cartas?
–Después de Espejo recibí muchas más que tras cualquier otro filme. En casi todas las cartas los espectadores se preguntaban cómo hemos logrado contar tantas cosas sobre su vida sin ni siquiera conocerlos. Esto nos hizo muy felices y nos convenció de que algo sí habíamos ganado con esta película.
Risto MÄEWPÄÄ
Habla Marina Durante el pasado Festival Punto de Encuentro de Pamplona, la hermana de Tarkovski, Marina, fue una de las invitadas para participar en el homenaje al cineasta. Éstas son algunas cosas de las que dijo en una entrevista con El Cultural: “Andrei fue maltratado por las autoridades soviéticas pero el público ruso siempre amó sus películas. Recuerdo que cuando se estrenó Espejo había tanta gente en la premiere que mis hermanos tuvieron que entrar a mi madre llevándola en volandas por encima de la gente (...) Fue un niño muy activo, muy alegre. En su juventud, era muy sociable. Le gustaba juntarse con un grupo de amigos que iban vestidos de forma extravagante, como unos dandis, y se pasaba las noches de fiesta bailando y bebiendo.Copiaban la moda que llegaba de Estados Unidos. Fue una etapa un poco frívola de su vida (...) Las dificultades para dirigir Andrei Rublev le cambiaron el carácter. Se convirtió en alguien mucho más reservado, más serio. Además, coincidió con el divorcio de su primera mujer. Jamás dejó de sentirse culpable por su hijo. Esos hechos lo cambiaron”. J.S.
ADAMAR - Revista de Creación
ADAMAR - Revista de Creación
Poesía - Narrativa - Ensayo - Obra Gráfica - Música - Reseñas
Revista abierta a colaboraciones
Deseamos resulte de interés para todos y proseguir, así, contando con vuestra presencia y participación.
miércoles 3 de diciembre de 2008
SALA XIII - CARMEN BELENGUER
SALA XIII - Carmen Belenguer
14 de noviembre – 20 de diciembre
http://www.salaxiii.com/
Carmen Belenguer Tur, Ibiza 1952,
Pintora.
Inicia sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Ibiza, aprendiendo Dibujo y Pintura, para completar su formación en Madrid, sin solución de continuidad desde 1976, ya que en ningún momento deja de experimentar con las distintas expresiones plásticas sobre diferentes soportes tales como la tela, la madera y más recientemente el papel, tanto utilizándolo para realizar obras originales, como para expresarse por medio del grabado. Realiza su primera individual en 1987 y desde entonces obtiene numerosos galardones, como el primer premio de pintura Iberia, el de Colegios Profesionales de BBAA o el de Grabado de la Calcografía Nacional.
Interviene como pintora invitada en distintas ferias de arte como Arcale o Interart y es seleccionada entre un pequeño grupo de artistas para representar en Florencia el arte actual español de la presente década. Desde un principio forma parte del proyecto de Sala XIII, siendo la primera artista invitada a exponer en dicho espacio, con el que colabora ininterrumpidamente desde 1999.
SALA XIII
Plaza de Epifanio Velasco, 7
28250 Torrelodones (Madrid)
Tel: 918592940
Movil: 619908318
Fax: 918594324
e-mail: SALAXIII@telefonica.net
http://www.salaxiii.com/
Horario
Martes a Viernes de 19:00 a 21:00, Sabados y Domingos de 12:00 a 15:00 y también mediante cita previa
domingo 30 de noviembre de 2008
Caminos de Asturias
Serie Caminos de Asturias,
ellos mismos, lo que hay en sus márgenes, lo que se divisa, quiénes viven, con qué se cruzan.
Con ésta segunda muestra se completa el proyecto inicial que se pudo ver en este mismo sitio hace unos meses.
Si hay suerte, el trabajo final se podrá apreciar en papel el próximo año.
Toda la serie se puede ver en DeviantArt:
http://jjaviergg.deviantart.com/gallery/
domingo 23 de noviembre de 2008
La palabra más libre
La palabra más libre
por Emilio Lledó (extracto de El País-Babelia 22-11-08)
Una forma de cultivar la facilidad para entender el lenguaje es la poesía. En el mundo de la pragmacia y el consumo de baratijas verbales, la palabra poética tiene una gozosa y sustanciosa espontaneidad. Las líneas del poema nos enfrentan a un uso del lenguaje absolutamente libre. No hay otro compromiso con sus palabras que el que implica la apertura a un nuevo horizonte de sensibilidad. En ese horizonte vislumbramos la propia historia enhebrada en un tejido de significaciones inesperadas, de sentidos imprevistos, provocadores y enriquecedores. La poesía nos hace ver el mundo con ojos distintos al que el uso nos marca en el diario y tantas veces vacío discurso del vivir. Por eso es, efectivamente, un mundo de creatividad, de libertad, y ser libre quiere decir, en poesía, el encuentro con un lenguaje que se dice a sí mismo y que no tiene otra posibilidad de entenderse que cobijándose bajo las alas de esa misma libertad de señalar, de significar que es, al mismo tiempo, una libertad de sentir y de entender y de amistar.
Pienso que una de las muchas tareas para una educación renovadora es, precisamente, el encuentro con la lectura, con la imaginación y con ese inabarcable mundo de afectos y sentimientos que la poesía despierta. Una poesía que nos enseña a mirar en las palabras, en su esencial liberación de otros compromisos que no sea puro lenguaje, pura significatividad, puro amor a las cosas y a sus sentidos. Somos lo que entendemos, lo que hablamos, pero también -y no sé si sobre todo- lo que amamos. La lectura de la poesía, hacer que afloren a los labios de los alumnos las palabras de los poetas y que se abran, así, a una forma originaria y viva del decir. Una función pedagógica enriquecedora sería el hacer que nuestros jóvenes estudiantes en la escuela aprendiesen a decirse la poesía, a pronunciar con esas palabras los sentimientos que nos alejan del dominio de la pragmacia y la tecnología imperante. Una forma de educación que se escapa de la destreza de los teclados, de los destellos que ofuscan millones de pantallas y que, en última instancia, compensaría el chisporroteado predominio.
Lenguaje de la economía y la miseria, del engaño y la corrupción, de la indecencia y de los defensores de la desmemoria para amparar cualquier vileza del presente con la impunidad de que nunca será recordado. En la elegía Pan y vino Hölderlin, en palabras citadas en múltiples contextos, se preguntaba: ¿Para qué poetas en tiempos de crisis? Pues para eso, precisamente para eso. Para evitar que en "épocas de miseria ocupen su lugar los timadores, los farsantes, los hechiceros, los fanáticos y otras criaturas del submundo intelectual".
sábado 22 de noviembre de 2008
Alberto García-Alix De donde no se vuelve
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)
4 de noviembre de 2008 - 16 de febrero de 2009 
De donde no se vuelve es un viaje por el pasado y el presente de García-Alix. El gran número de fotografías que integran la exposición fueron realizadas entre 1976 y 2008, siendo esta la primera vez que se muestran gran parte de ellas. La organización de la muestra se basa en ciclos no cronológicos que pretenden que la comprensión del universo del fotógrafo emerja de la unión de todas las imágenes y no sólo de ellas en sí mismas. Las impresiones que resultan al contemplar las obras se mezclan con el testimonio en primera persona del autor, que narra con su propia voz la pieza audiovisual que da nombre a la muestra y que constituye el eje de la misma. El vídeo supone la exploración de su mundo personal a partir de secuencias grabadas en diversos viajes a China, donde decide perderse para contar su historia. El espectador se ve envuelto en un traslado al pasado del artista y un regreso a su presente. Las fotografías de García-Alix penetran en los aspectos menos mediáticos de la agitación cultural del Madrid de los ochenta, al tiempo que retratan su entorno más inmediato, amigos, personajes de la época, paisajes de su vida… En la actualidad, su perfeccionamiento del retrato y la composición se ha convertido en una herramienta que se vuelca hacia su interior y que manifiesta la evolución del artista hacia posturas más abstractas y poéticas.
domingo 16 de noviembre de 2008
XI Premio Ciudad de Huesca de fotografía
El XI Premio Ciudad de Huesca de fotografía ya tiene ganadores.
José Poch obtiene el de Huesca, Gregorio Villoria el de Series y Arturo López el de tema libre.
Procedentes de casi toda España y alguna que otra del extranjero, más de 700 imágenes, tomadas tanto por aficionados como por profesionales de la fotografía (aunque con predominio de los primeros), se presentaron este año al Ciudad de Huesca, poniéndoselo `muy difícil` al jurado, reconoce Víctor Ibáñez, miembro del mismo y fotógrafo de DIARIO DEL ALTO ARAGÓN. `Este año ha estado muy competido.`
Los miembros del jurado hemos tenidos muchas en dudas para premiar a una obra, porque había mucha igualdad`, añadió. Las imágenes ganadoras fueron elegidas por `su calidad artística y su originalidad`. Para obtener el premio, tuvieron que pasar por varias cribas hasta llegar a la definitiva, en la que el jurado tuvo que descartar obras de muy elevada calidad para conceder el primer premio a una sola. Una treintena de fotos de cada categoría llegaron a este último y definitivo descarte, en el que cada miembro del jurado puntuaba del 1 al 5 cada una de las obras.
José Javier González ha resultado finalista en este Concurso y expositor en la Sala de Exposiciones del Centro Cultural Matadero, de Huesca, con su fotografía Oxido.
Alejandro Céspedes
Alejandro Céspedes se alza con el triunfo en el XIX PREMIO DE POESÍA BLAS OTERO 
El XIX Premio de Poesía ‘Blas Otero’ ya ha sido entregado en la Casa de la Cultura ‘Carmen Conde’ de Majadahonda. El poeta y director de escena asturiano Alejando Céspedes, fue el galardonado por su obra ‘Círculos concéntricos’.
Al acto de entrega asistió el alcalde Narciso de Foxá. Al acto, además del ejecutivo majariego, acudieron Sabina de la Cruz, viuda de Blas de Otero, presidenta de la Fundación ‘Blas de Otero’ y miembro del jurado, el poeta Mario Hernández, catedrático de la Universidad Autónoma y miembro del jurado, el escritor y también miembro del jurado José Luis Morales, el poeta Juan Van-Halen, miembro del jurado y Rafael Morales Barba, profesor universitario de Literatura Española.
Alejandro Céspedes se desdobla en la ficción y se convierte en el hilo conductor poético y espíritu de ‘Los círculos concéntricos’. Con la protagonista, Aurora, atraviesa el transcurso de sus deseos y temores, su pequeña historia. Es a la vez limpia y virginal y se entremezcla con la rendición al sexo. Pero hay una cosa que nunca deja de ser, Poesía.
Se trata de poesía disfrazada de narración que reflexiona sobre el destino y la imposibilidad de escapar del pasado.
domingo 9 de noviembre de 2008
Lenguajes de Papel
Lenguajes de Papel
Colección Circa XX-Pilar Citoler
Exposición Colectiva de la obra sobre papel de una de las más importantes colecciones internacionales privadas de España.
Quedan pocos dias (hasta el 16 de Noviembre), en la Sala Alcalá 31 y en el Círculo de Bellas Artes, ambos de Madrid.
En la parte de Alcalá 31 predomina la fotografía y como exposición es mejor ya que "respiran" más las obras.
Merece la pena.
Ver artículo en el ABC De las Artes y las Letras del pasado sábado:
http://www.abc.es/abcd/noticia.asp?id=10696&num=876&sec=36
lunes 3 de noviembre de 2008
jueves 23 de octubre de 2008
lunes 13 de octubre de 2008
Siete Cartas
Siete cartas
- - Un Poema de Xosé Bolado (Siete Cartas)
- - sobre una fotografía de Jose Javier González (Alzheimer)
Una tras otra las cartas
colgadas por mano diligente
eran sobres de luz
en la pared oscura del olvido.
Sin tiempo a la esperanza
cubrían de sentido el día a día:
una semana de amor y de coraje.
Unánimes letras de resistencia,
en los detalles más pequeños, llaves
para no abrir puertas equivocadas…
y algún plano efímero para no perderse
en la ciudad calcinada de Alzheimer,
quizá, también, es posible, una recomendación
o el gesto de una flor nueva contra el desamparo.
Xosé Bolado (Uviéu, 1946) ye académicu de la Llingua Asturiana, profesor y estudiosu de la lliteratura. Como antólogu y críticu débense-y la Antoloxía poética del Resurdimientu (1989), ediciones de Rosario de Acuña y d'autores clásicos en llingua asturiana. Pesidió l'Ateneú Obreru de Xixón, onde fundó y dirixe la colección poética Deva. Fue tamién el promotor y primer director de la revista creativa de l'Academis de la Llingua Lliteratura. En 1991 publicó n'italianu el cuadrenu Nomade.
Sobre la nueva poesía asturiana:
En prenda, la mio casa
http://casadeasterion.homestead.com/v6n22cas.html
miércoles 8 de octubre de 2008
Impracabeza Magazine
Serie fotográfica en Impracabeza Magazine
El número 4 de Impracabeza Magazine ya ha visto la luz. Literatura e imagen europea, asiática, americana y latinoamericana se dan cita y dan vida una vez más a la revista.
En este número se publica la serie fotográfica "Nuevos Lenguajes" que preparé con motivo de 2008-Culturas.
Espero os guste, así como el resto del Magazine.
http://www.impracabeza.org/numeros/issues.html
En este enlace podreis leer la nota de prensa que ha enviado a Europa Press la Asociación Cultural Ninguna Parte con motivo del relanzamiento de la actividad del Magazine.
http://ecodiario.eleconomista.es/cultura/noticias/791694/10/08/CASTILLA-LA-MANCHAInnova-La-Asociacion-Cultural-Ninguna-Parte-lanza-la-cuarta-edicion-de-la-revista-y-magazine-digital-Imprac.html
lunes 6 de octubre de 2008
Alejandro Céspedes
Alejandro Céspedes
Poeta asturiano y contertulio de los miércoles, es autor de los libros:
"Los círculos concéntricos" (AEAE, Madrid. 2008);
"Sobre andamios de humo, 1979-2007" (Vitruvio, Madrid. 2008);
"Y con esto termino de hablar sobre el amor", incluido en "Sobre andamios de humo";
"Hay un ciego bailando en el andén" (Hiperión, Madrid. 1998);
"Las palomas mensajeras sólo saben volver" (Hiperión, Madrid. 1994) con el que obtuvo el Premio de Poesía Hiperión;
"Tú, mi secreta isla" (Plaza de la Marina, Málaga. 1990);
"Muchacho que surgiste" (Scriptum, Santander. 1988);
"James Dean, amor que me prohíbes" (Pamiela, Pamplona. 1986);
"La noche y sus consejos" (Genil, Granada. 1986).
Descarga la edición en pdf de "Los círculos concéntricos"
Pincha aquí para realizar la descarga
http://alejandrocespedes.blogspot.com/
jueves 2 de octubre de 2008
Literaturas.com
Pata de Gallo
Suplemento de Poesía
Pata de Gallo, llega en octubre a Literaturas.com, con las siguientes propuestas:
El canto del gallo: Poemas de Maria Ignatiova y Recaredo Veredas.
- Fotografía de José Javier Gónzalez http://laderivadelasombra.blogspot.com
Reojos: Entrevista con Luis Muñoz
Visiones: Reseñas
"Esto no es el silencio", de Ada Salas, por José Luis Gómez Toré
"Parque de destrucciones", de Rodrigo Galarza, por Jose Luis Morante
"El Canto", de C.K.Williams, por Miguel Angel Gara
Los otros: Crítica poética y contracrítica. Colectivo Addison de Witt
viernes 26 de septiembre de 2008
Miguel Angel Gara
Miguel Angel Gara
Poeta de Madrid y contertulio de los miércoles. Un amigo que un buen día decidió incluir una fotografía mía en su libro "Calle", ver http://laderivadelasombra.blogspot.com/2008/05/calle.html
A continuación podeis ver un reportaje publicado en el canal de televisión del Ayuntamiento de Madrid esmadrid.es sobre su último libro "Calle".
Comentarios y reseña sobre "Calle":
http://www.eldigoras.com/not/05054_calle.html
http://www.esmadrid.com/es/pages/graficos/flash/video.swf?video=1690638.flv
Su blog en http://losamoresicaros.blogspot.com/
Miguel Angel Gara (Madrid 1970) ha publicado los poemarios El libro de Sara (LF ediciones, 2005), Luz previa a la luz (XXIV Premio de poesía Ciudad de Badajoz, Ed. Algaida, 2006), la plaquette de aforismos Gérmenes y momentos (Ed. Amargord, 2007) y, en breve, El desierto de agua (Ed. La garúa).
Recientemente ha co-traducido junto a Johanna Lööf la antología de poesía juvenil sueca "Mellan himmel och jord" (Entre cielo y tierra, Ed. Slottener 2007).
Colabora asiduamente en varias revistas literarias y es responsable del suplemento de poesía Pata de Gallo en el portal literaturas.com
lunes 22 de septiembre de 2008
Nachtvlinder - Black Heart - Heart of Darkness
Nachtvlinder 
Acaba de presentarse la segunda edición de Nachtvlinder (sitio web holandes dedicado a lo oscuro como tema en fotografía, poesía, y arte oscuro en general), en la cual participo con una fotografía (let my heart free - ver tatuaje)
Ya hice intentos de colocar alguna serie en la primera versión, pero no sintonizaba con el concepto de oscuridad que quería Corinne Kruger (heart of darkness), sin embargo, en el envite final para la segunda edición (black heart) se enamoró de mi fotografía a la primera.
En fin, os animo a daros un paseo por las dos ediciones aunque aviso que no son fáciles de ver, por lo que hay que situarse en el concepto de oscuridad y corazón oscuro que marca la línea del sitio.Que disfrutéis...
http://www.nachtvlinder.net/
Dark photography, music, poetry and video.
A renewed Nachtvlinder.
Dark portraits, dark music, funny videos and dark art !!!
Nachtvlinder: film de 1.999
Nachtvlinder: night butterfly
viernes 19 de septiembre de 2008
En favor del aire (Esther Muntañola)
En favor del aire
http://enfavordelaire.blogspot.com/
Conversación
Un vino, por favor,
de la casa.
Gracias
-sus ojos-.
Estábamos hablando.
Querrías sándalo y flores
Querrías sándalo y flores,
el vino manchando las sábanas blancas
y tú danzando sobre ellas
todas las noches;
empieza a ser tarde,
y te duele la vida como una daga de ámbar
o un beso de antes,
- esos besos tuyos de cereza y kirsch -.
Hubieran bastado tus manos;
habrían sido por ti ángeles o demonios,
tú, la luz caída, eras hermosa.
Todos hubieran sido tuyos,
todos, maldita princesa.
lunes 1 de septiembre de 2008
Harvest/Cosecha
Harvest/Cosecha
Más de 300 años de cosechas, sentidos de cerca, impregnados de
Wood Madera
Stone Piedra
Metal Metal
Skin Piel
Magma Magma
Bones Huesos
Moon Luna
Earth Tierra
Roughness Aspereza
Time Tiempo
… …
Cientos de cosechas guardadas, puestas a salvo durante más de 300 inviernos para varias generaciones que no pudieron resistir lo que el almacén fue capaz de aguantar.
Alas de madera que hacen volar la imaginación cuando se observan de cerca sus líneas de vida, una historia universal delante de nuestros ojos.
Hórreos cuidados y protegidos por el interés de quienes se beneficiaron de su resistencia, como debería ser siempre con lo amado, dar para recibir.
En pecho vacío,
lata de corazones,
despensa de amores.
.
.
lunes 25 de agosto de 2008
The Damage Done/El Daño Hecho
The Damage Done/El Daño Hecho
El Daño hecho. (The Damage done)
The Needle and the Damage Done (Harvest – Neil Young 1972)
I've seen the needle and the damage done.
A little part of it in everyone.
He visto la aguja y el daño hecho.
Una pequeña parte de ello en cada uno.
¿Para vivir hay que morir? No, bastante tenemos con morir un poco cada día y con la toma de conciencia que conlleva, creo que sí, para todos.
En ciertas épocas, para algunas personas o determinadas formas de cultura, la rigidez, la represión y la opresión tienen que ir asociadas al ejercicio de la autoridad. ¿Porqué la autoridad?
La educación basada en la rígida autoridad, en la represión sexual llevada a su grado extremo y en el fomento exagerado de las restricciones promovidas por las Iglesias, conlleva el estrechamiento del abanico de
posibilidades que una persona puede disponer para desarrollarse como tal, entendiéndolo como necesariamente basado en la amplitud de miras, de pensamiento y de las aspiraciones vitales, pasando por la autonomía y libertad personales. Moralidad reaccionaria, opresiva e inflexible.
Cuando no es posible ese desarrollo y se efectúa en condiciones de máximas directrices, orientaciones sesgadas y tendentes a castigar al mundo opuesto, se produce una castración mental muy cercana a la sexual, con resultados nefastos en muchas ocasiones. Se fomenta la sumisión exacerbada hacia el patriarca y el primogénito varón, en muchos casos con el total apoyo del matriarcado latente.
Hay personas que logran serlo (personas) en su totalidad gracias a una rebeldía intrínseca que, con los años, les permite salir adelante. Otras, se apoyan en mayor medida en nuevos entornos que les ayudan a materializar su deseo de matar al padre o a la madre y, finalmente, el resto queda marcado de una manera indeleble durante toda su existencia.
En cualquier caso, en muchos momentos de sus vidas todas ellas sufrirán las consecuencias, y las personas que las acompañan, en mayor o menor medida, porque, realmente, el daño ya está hecho, como cuando la aguja hiere por primera vez.
Hay vidas cruzadas y vidas que se cruzan como secantes geométricas haciéndoles perder las propiedades que tenían por desarrollar entre sus líneas de vida.
Terreno abonado es la falta de cultura, su rechazo, la miseria que, a veces, la provoca, la incultura en definitiva muchas veces utilizada y otras entendida como esto es lo que hay ante la falta de aspiraciones vitales y su manipulación para obtener una cosecha masiva.
Con frecuencia, llaman la atención documentos sobre Comunidades que rechazan el mundo moderno y se enrocan en sus valores, pero no deberíamos olvidar vernos a nosotros mismos en nuestro entorno.
domingo 17 de agosto de 2008
lunes 11 de agosto de 2008
Eyes Wide Shoot (Barcode)
Eyes Wide Shoot (Barcode)
Mi niña chica,
genio verde en los ojos,
hablan tus manos.
miércoles 16 de julio de 2008
viernes 11 de julio de 2008
sábado 28 de junio de 2008
Revista Adamar nº 30
Revista Adamar nº 30
Nueva colaboración fotográfica en el nº 30 de Adamar, Revista de Creación, en la sección de Arte.
http://www.adamar.org/
Son piezas de la primera época, aunque ha seleccionado algo a punto de ser descarte, la editora las ha agrupado por su afinidad estética con la del cineasta Andrei Tarkovski.
Está bien que el espectador encuentre sentido y establezca relaciones con lo que uno hace.
jueves 19 de junio de 2008
PHE08 Y CÁMARA ABIERTA 2.0: EL LUGAR DEL INTERNAUTA
PHE08 Y CÁMARA ABIERTA 2.0: EL LUGAR DEL INTERNAUTA
Para Internautas Sociales, las Redes.
-
miércoles 18 de junio de 2008
Serie "Caleya" (avance)
Caleya
...... Brillante y curva,
...... paseaba la caleya
...... tras la tormenta
lunes 9 de junio de 2008
7de7
7de7
Colaboración fotográfica en los números 9 y 10 (Enero y Junio de 2.008) en la portada de la revista de Escritura y Poética "7de7" de Marcos Canteli.
En el número 10, muchos amigos tertulianos de los miércoles en el Café de Los Austrias: Miguel Angel Gara, Pilar Fraile, Luis Luna, y otros.
domingo 8 de junio de 2008
Mi Galería de Arte: Sala XIII
Sala XIII
Además de las exposiciones anuales, la Sala trabaja para poder mover y vender las obras en el resto de España y en eventos en el extranjero, lo cual redunda en posibles ventas (je je…) y, lo que es más importante, en la difusión.
En realidad, lo que quiero decir es que ¡muchas gracias! a todos por el apoyo que, de una u otra manera, me habéis dado en estos últimos meses, en especial a Esther y Julia, Herme y Xosé, Angel Luis y Marta, …. en fin, a todos.
lunes 2 de junio de 2008
Herme G. Donis
Herme G. Donis
Herme González Donis, nació en Villalón de Campos (Valladolid) en 1951, aunque desde su infancia se encuentra ligada a Asturias.
Codirigió la revista de literatura “Hydra” (1973-1976) y la colección poética "Cuadernos de Cristal" (1982-1991). Así mismo, ha coordinado el suplemento cultural semanal "Jueves Literarios" (1982-1985) del periódico "La Voz de Avilés".
Ha publicado los libros de poesía "Catón de Infancia" (Avilés, 1983), "Marginalia Urbana" (Oviedo, 1986), "El Fuego Desvelado" (Madrid, 1987), "Mientras el Tiempo pasa" (Mieres del Camino, 1989), "Peregrinas Andanzas" (Gijón, 1997), libro seleccionado para el Premio Nacional de Poesía, 1998, y “Vida y memoria” (Antología 1983-2002). Ha sido incluida en diversas antologías.
Actualmente reside en Madrid, donde colabora por libre en diversos medios periodísticos.
http://lasafinidadeselectivas.blogspot.com/2007/05/herme-g-donis.html
De "Vida y Memoria", (Antología) Colección Deva, Gijón, 2002.
Catón de Infancia (1983)
III
Aquel invierno humedecimos
de lluvia los zapatos,
dotamos a la nieve de palabras,
leímos aventuras en el frío de los patios,
soñamos con dos años de vacaciones
(inocentes, envolvimos largo tiempo
ésta ilusión en la bufanda),
y nos conformamos con la efímera
luz de los domingos
vividos en el blanco y negro
de un cine matinal
en cualquier barrio.
Marginalia Urbana (1986)
Bajo las sangrientas fauces
abiertas a la tierra,
kilómetros de seres
monótonamente salmodian
su miseria.
El fuego desvelado (1987)
Qué paraíso tu cuerpo perfecto
ofreciéndose a la luna.
¿Qué más quiere la noche
para dibujar de luces
lo más puro,
si sabe que no hay verano frío,
ni palabras ciegas,
ni ojos de sílabas
que no quieran sumergirse
en el fresco fuego de tu infierno?
Mientras el tiempo pasa (1989)
Mentidos paisajes
Sueles, algunos días, entretener el tiempo con palabras
en la torpe intención de alejar la tristeza
amenazante de esas horas que caminan sin rumbo
fijo por la casa.
Son éstos días en los que simulas escribir
de cuantas cosas te dolieron de muchacha.
Pero sabes que sólo en ti retorna el dolor de un falso
espliego que nunca pobló armario
y escribes y finges aventuras porque jamás has tenido
playas infinitas, ni rotas columnas, ni lunas jónicas
en los ojos, como no fuera en las ebrias postales
que se guardan en las locas retinas del alcohol.
Y las lágrimas te muerden las mejillas y lloran
la pérdida de un tiempo no vivido.
Sabes que nada de lo que escribes corresponde
a la verdad. Que mientes paisajes inexistentes
con todo el sentimiento que la soledad propicia.
Que finges para ahuyentar el miedo a la impotencia
de no poder hacer de la palabra un milagro
que te salve. Que te haga la vida eterna.
Y te espantas cuando el espejo con su pureza
te atraviesa y ves en tus ojos el claro engaño
que provocas en los otros.
Mas se resiste el cuerpo
a entablar una lucha inútil con el alma.
Y finges de nuevo.
Y piensas, con cansado cinismo,
que en este cuarto oscuro
nada corresponde a la verdad del hombre.
Peregrinas andanzas (1997)
Regreso
Cuando vuelvas de la ciudad del agua
con los ojos aún prendidos
en su tristeza decadente,
embrujados por su rostro imborrable
con una nueva máscara en la maleta,
cuando vuelvas, y no antes,
descubrirás que no existo.
Todos los caminos recorridos
saldrán en múltiples direcciones
y sólo en un punto por ti bien ignorado
(al abrigo de un olor repentino
que me devuelva una tarde cualquiera
de la infancia o un verano muy tibio
lleno de niños que surjan alegres
de la fresca penumbra del bosque de los juegos),
será recibida no como la forastera
que quieres siempre sea en tu vida,
sino como la invitada en un tiempo
feliz de estar bien sola conmigo.
Y aunque parezca que sigo aquí,
en ésta casa, en éste silencio inquieto
que guarda entre sus puertas amor estremecido,
y que vivo entre cosas inútiles
que nunca se mudarán de sitio,
miraré alrededor y me vestiré de ausencia.
Olvidaré las ropas que he llevado,
la palidez del alba,
las mañanas de sueño,
las cosas extraviadas,
todas las palabras que he pronunciado,
benévolas o, a veces, malvadas.
Cuando vuelvas a la ciudad del agua
estaré donde siempre,
llenando tu espacio
tanto tiempo invadido,
pero, si me tocas,
notarás que algo ha cambiado:
a salvo, completamente a salvo,
me esconderé de tí en el mundo de los sueños,
seré la nada que al morir sucede,
porque si no existo,
este pobre corazón
ya nunca tendrá miedo
de los brazos del amor
en donde caiga muerto.
Inéditos, de Vida y Memoria.
Voces de la memoria
El tiempo huye
y no da oportunidad
a la tierra para que asiente
la huella de tu paso.
Sobre el agua remansada
de los días, corruptas
flotan las horas del pasado.
Recuperarlas
- aunque algunas duelan -,
salvarlas
de la aridez que da el olvido,
será cálido propósito
para quien camina
hacia el invierno
ya sin prisa ni tristeza.
martes 13 de mayo de 2008
José Moreno Villa
José Moreno Villa (Homenaje)
"Vida en Claro" - Autobiografía
Al campo debo parte de lo humano que yo tenga.
Y entiendo por humano, atención lenta y cariñosa para todo.
En el campo hay tiempo para lo más inverosímil: para ver cómo está hecha la flor del chirimoyo, para contemplar e interpretar los movimientos de los insectos, para mirar con envidia la soltura envidiable de los pájaros, para quedarse sentado en lo alto de una rama viendo el temblor del aire en el riguroso verano. Hay tiempo para seguir en su curso diminuto cualquier hilillo de agua escapado de la acequia; para ver cómo hace gimnasia sueca la lagartija, cómo atrapa moscas la araña, cómo va derivando la sombra de la casa según camina el sol.
(Dosis campestre)
lunes 12 de mayo de 2008
Óxido y Pintura, Texturas en la Mirada Poética.
Óxido y Pintura, Texturas en la Mirada Poética.
Out of the blue and into the black (Rust never sleeps – Neil Young 1979)
- - Es mejor quemarse que oxidarse
- - - Es mejor quemarse que desvanecerse
El óxido nunca duerme,
crece bajo el borde de la vida, en las Miradas,
salitre de la existencia,
es el agua sobre recuerdos y deseos rotos,
cenizas y herrumbre,
destrucción.
Miradas, pintura sobre la sal, otras texturas,
espectros paralelos, bandas de octavas eléctricas
que transforman las ganas de ver
la poética de las cosas,
- - de ver sobre ellas,
- - - desenfocándolas,
Lo que dejan de hacer
si la mano no está,
las Cosas callan, cesan. (Jose Javier González – 2007)
captando imágenes en las que transciende lo puramente descriptivo
el espectador detiene su mirada y completa la obra,
con su interés por lo textural y la forma,
la definición o el desvanecimiento de ésta en el espacio.
(Out of Focus, In Focus) +peq.jpg)
+peq.jpg)
domingo 11 de mayo de 2008
Calle
Calle
Calle es el nuevo libro de poesía de Miguel Angel Gara en el que tengo el placer de aportar la fotografía de portada.
Amargord Ediciones, Madrid 2008
http://losamoresicaros.blogspot.com/2008/04/calle.html
martes 22 de abril de 2008
Regresos (1)
Regresos (1)
Callada y fría
El silencio de la cama quieta
y sobre ella los dos,
pareja muda,
como la luz callada
cuando invade el aire.
Las Cosas callan
Lo que dejan de hacer
si la mano no está,
las Cosas callan, cesan.
Decisión
Ahora que nadie enciende tu casa.
¿Ese copo de nieve que llega a la mano
lo dejas ser o lo tocas?.
domingo 13 de abril de 2008
Robert Frost
Robert Frost
Hace pocos dias, mi amigo Juan Soros me introducía en Robert Frost de esta manera:
"puaffff Robert Frost debe tener uno de los poemas mas bonitos que haya leído en la puta vida:
I'm going out to clean the pasture spring;
I'll only stop to rake the leaves away
(And wait to watch the water clear, I may):
I sha'n't be gone long. You come too.
I'm going out to fetch the little calf
That's standing by the mother. It's so young,
It totters when she licks it with her tongue.
I sha'n't be gone long. You come too.
Voy afuera a limpiar el arroyo de la dehesa;
Sólo me pararé a rastrillar las hojas secas
(Y a contemplar, quizá, el agua que corre clara):
No tardaré. Ven tú también.
Voy afuera a buscar el ternerillo
que pace junto a su madre. Es tan pequeño
que cuando ella lo lame se estremece.
No tardaré. Ven tú también.
Ese "ven tu también" me emociona de una manera increíble..."
me decía Juan...
Ayer, en Babelia, en la sección de 'Música' encontré de nuevo una referencia que ha terminado por llevarme de cabeza a buscar libros de Robert Frost, aunque no estén traducidos. Se trata de un artículo respecto al legendario cantautor tejano Guy Clark que próximamente va a mostrar su country-folk por primera vez en España.
"Mis padres amaban la palabra y, como aún no había televisión, después de cenar nos sentábamos en la cocina a leer poesía".... y el joven Guy siguio ahondando en ella: "Siempre me han interesado poetas que relatan cosas, como Robert Frost. Y creo que la música tejana se caracteriza porque todos nos hemos criado en la tradición de contar historias. Forma parte de nuestra cultura".
miércoles 2 de abril de 2008
Dibujos del Libro de Matemáticas (Esther Muntañola)
Dibujos del Libro de Matemáticas (Esther Muntañola)
jueves 27 de marzo de 2008
El Coloquio de los Perros
El Coloquio de los Perros
CIPIÓN.- Y con esto pongamos fin a esta plática, que la luz que entra por estos resquicios muestra que es muy entrado el día, y esta noche que viene, si no nos ha dejado este grande beneficio de la habla, será la mía, para contarte mi vida. (Miguel de Cervantes, Coloquio de los perros)
http://www.elcoloquiodelosperros.net/
En el número 20 de la revista literaria "El Coloquio de los Perros" han admitido mi colaboración para una galeria de 6 fotografías en la sección 'El Licenciado Vidriera'
http://www.elcoloquiodelosperros.net/indice20.htm
titulada 'El Óxido nunca duerme' (Rust Never Sleeps - Neil Young), compartiendo (es un honor) espacio con personas como Luis Felipe Comendador, José Luis Morante y muchos más.
Espero que la despedida de de nuestros amigos Juan de Dios García y Angel Espada no sea tal. Aunque no los conozca personalmente creo que personas que llevan desde el año 2000 con una publicación de este nivel se merecen ese calificativo y mi RESPETO.
Creo que se merecen un mensaje de apoyo de todos los que penseis que este tipo de publicaciones no deben desaparecer, y si es posible, una personalización respecto a que, en el fondo, las cosas funcionan gracias al interés y la ilusión de las personas, como en todo.
lunes 24 de marzo de 2008
De Los Tranvías
De Los Tranvías
Colaboración en la web del poeta Jose Antonio Cilleruelo,
http://delostranvias.blogspot.com/
'De Los Tranvías', (citas, poemas, fotos, ciudades), con dos poemas para dos paradas:
Extrarradio (Estremecido-Microtranvías)
Las casas,
siempre las últimas casas,
por los raíles que se niegan a continuar
huye un tranvía estremecido,
y queda el campo,
mi pobre límite.
Años 60 (La Palanca Mágica del Estruendo-Madrid)
Apenas me aupaba al 27, corría al asiento de madera
junto a quien gobernaba la palanca mágica del estruendo,
el Conductor de gorra y rígido uniforme.
A su envidiada merced, el tranvía eléctrico trabaja y sube,
rueda y se dobla para caber, resopla persiguiendo el fin.
Transporte de inocente apariencia,
baja majestuoso hasta un momento elíptico,
el terrible Silencio de la parada.
Ahí es donde resonaba: vuelve y dame la mano, que es la nuestra …
Extrarradio incluye una fotografía de mi serie Out_of_Focus.
viernes 21 de marzo de 2008
Gira Poema - Haz rodar una Poesía
Gira Poema - Haz rodar una Poesía
A continuación reflejo la reseña de Letralia.com respecto al proyecto "Haz rodar una Poesía" lanzado por la escritora chilena Natalia Gaete para celebrar el Día Mundial de la Poesía, y en el cual colaboro con un poema, así como Agustín Calvo Galán, Jose Ramón Huidobro y hasta 203 poetas de todo el mundo.
Se trata de liberar poemas en un libro que una vez impreso se dejará en lugares públicos para que se difunda de una manera natural, de lector a lector.
La colina de las mimosas
Gotea el silencio.
En la ligera oscuridad de nuevo caen torres
y pensamientos levantados entre la atmósfera de los cipreses.
La luz dibuja susurros de agua y aire,
un rumor de piedras empuja a meditar,
sintiendo cómo se desliza la seda por el rostro,
delicada,
sobre los párpados cerrados
hasta abandonar los labios.
Así se desvanecen los sueños,
y así regresan, por la ladera
entre las mimosas floridas,
a buscar un encuentro
con el ansia de tenerlos,
y la mano a los ojos
que, soñando, creen ver
subir la claridad, que trae enredados
en el viento, ¿porqué no?, deseos,
castillos temblorosos,
tiernas mañanas a tu lado.
Jose Javier Gonzalez - España
A Priori
Antes de tirar mis cenizas al viento
antes de mi juicio final
antes de pagar mis culpas
de purgar mis condenas
llenaré de aroma dulce mis pulmones
cubriré mi piel de sedas
cantaré en voz alta mis sueños
comeré una mandarina de invierno
y miraré cómo el ocaso
se alquimia en amanecer.
A priori la muerte
viviré enclaustrada
en el gozo de un segundo.
Natalia Gaete - Chile
En el siguiente enlace podeis descargar un fichero .pdf con el libro. Por favor, distribuidlo y reenviadlo entre vuestros contactos.
Gira Poema: http://girapoema.blogspot.com/
Letralia:
"Poetas de todo el planeta contestaron a la invitación de la escritora chilena Natalia Gaete para celebrar el Día Mundial de la Poesía el próximo viernes 21 de marzo. La propuesta era conformar un libro objeto que fuera liberado a la curiosidad ciudadana. El bookcrossing poético no sólo se conformaría con la impresión sino que viajaría por Internet para llegar a cualquier buzón donde hubiera un lector, a partir de este miércoles 19.
En su tercera edición, “Haz rodar una poesía” es un proyecto de intervención cultural que nació como una manera de fomentar la difusión de la creación poética. Mediante convocatoria de mail-art se ha obtenido el libro-objeto que ha convocado a más de doscientos poetas de todo el mundo. La propuesta se lanzó el 25 de febrero a través del blog Antaria y Poesía, de Gaete, quien se define como publicista, fotógrafa y aprendiz de poeta.
“Recibí poemas de Chile, Uruguay, España, Argentina, Venezuela, México, Colombia, Perú, El Salvador, República Dominicana, Panamá, Ecuador, Costa Rica, Canadá, Estados Unidos, Italia y Brasil”, explica Gaete. Agustín Calvo Galán, poeta visual y difusor de la poesía en su página Las afinidades electivas diseñó la portada del libro.
El proyecto toma prestado el concepto de bookcrossing, un movimiento internacional nacido en Estados Unidos en 2001 que consiste en liberar libros en lugares públicos —como metros, plazas o cabinas de teléfonos— para que alguien los encuentre, los lea y los vuelva a dejar en otro sitio.
Siguiendo ese concepto, Gaete ideó esta manera de celebrar el Día Mundial de la Poesía. “La propuesta nos devuelve al romanticismo de crear un poemario artesanal a través de la utilización de Internet, y permite la integración de personas que giran su don creativo en torno a la magia de las letras”, explicó. “Haz rodar una poesía” tiene su propio blog, donde se mostrarán todas las consecuencias de esta acción.
De esta manera, la poesía, un género que según las leyes del mercado editorial corre serios riesgos de extinción, se hará omnipresente. “El poeta creador regala su obra, contribuye a que la poesía esté más cerca de la gente, gratis, rodando sin fronteras ni otras condiciones que la aten”, señaló la organizadora.
No es la primera vez que se hace una liberación de poemas. Con la colaboración de compañeros de comunidad literaria en Internet, Gaete imprimió, editó y liberó libros en dos oportunidades en las ciudades estadounidenses de Nueva York y Washington en 2006 y en Harrisburg en 2007.
En esta oportunidad, la liberación se realizará en cinco ciudades de España, y en Costa Rica, Perú, Estados Unidos, México, Venezuela y Chile. El número de volúmenes no se puede concretar, pues depende de la implicación de cada lector que lo reciba."
jueves 6 de marzo de 2008
En Sentido Figurado
En Sentido Figurado
Colaboración en el número de Marzo 2008 de la revista literaria "En Sentido Figurado" consistente en poema y fotografía.
http://ensentidofigurado.com/np/Marzo.pdf
en Abril de 2008
http://ensentidofigurado.com/np/Abril.pdf
en Junio de 2008
http://www.ensentidofigurado.com/actual.pdf
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When the train left the station
It had two lights on behind
Whoa, the blue light was my baby
And the red light was my mind
Love in vain (Robert Johnson)
Te perdí
Ya te había perdido cuando se me abrieron los ojos.
Fuiste un tesoro fugaz expuesto al aire.
Por vez primera,
aguardé hasta ver el vacío.
Ahora, mi espíritu se encoge
- como esponja sin agua,
- como la luz roja en la que te vas,
- como el amor en vano, que sonaba
entre tu y yo.
Rózame
Tu calor me abraza
y me dejo;
apriétame,
que no me vaya,
el frío me está buscando.
Rózame, suavemente,
como la niebla los campos.
Tus caricias riegan un páramo casi muerto,
me engarzan a la vida.
Sonata para piano
(Galina Ustvolskaya)
HammerKlavier
Largo techo de sonido,
profundo y reverberante,
como un húmedo alero que gotea,
continuo hasta la sorpresa,
afiladas notas sobre el tiempo.
domingo 2 de marzo de 2008
Nuevos Lenguajes, Ceros y Unos
Nuevos Lenguajes, Ceros y Unos
Luz, No Luz, Ceros y Unos, Hexa, Carácter, Verso, Mi Poema recién escrito ya es Digital.
Móvil, SMensajeSMessageSMensagemSMessagioS, Mobile
Redes Sociales, Mi_Espacio, My_Space, Mio_Spazio, Mon_Espace
Soportes digitales: Carteles en Fachadas, Discos duros, Anuncios electrónicos, DVD
Soportes tradicionales: Papel, Lenguajes accesibles, Paneles, Plásticos
Blogs, Bitácoras
wno,1bsot!xao…
martes 19 de febrero de 2008
2008 Culturas
2008 Culturas
El Ministerio de Cultura presenta el proyecto 2008 Culturas
-Se desarrolla íntegramente a través de internet
-La iniciativa se enmarca dentro del programa del Año Europeo del Diálogo Intercultural
http://www.2008culturas.com/es/php/index.html
Se trata de una iniciativa del Ministerio de Cultura llevada a cabo por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), con la producción ejecutiva de La Fábrica, y que se enmarca en el programa de actividades organizado por los distintos países de la Unión Europea con motivo del Año Europeo del Diálogo Intercultural.
2008 Culturas pretende generar una plataforma que permita y facilite la comunicación, el intercambio de experiencias y el diálogo entre las distintas culturas.
El proyecto quiere promover el respeto por la diversidad cultural y, al mismo tiempo, subrayar el patrimonio cultural común en un marco en el que los ciudadanos sean los protagonistas. Ésto es posible gracias a Internet, medio democrático y dinámico, que da cabida a esta doble iniciativa compuesta por una exposición y una convocatoria de premios.
Una exposición virtual con obras de artistas de todo el mundo El proyecto 2008 Culturas está concebido como un sitio web en el que se exhibirán obras de cinco disciplinas diferentes: cortos, música, fotografía, vídeoarte y net.art. La exposición cuenta con un total de cuarenta piezas seleccionadas por cuatro comisarios expertos en cada uno de estos campos:
Eugenio Ampudia. Artista de net.art y vídeoarte. Su trabajo se ha expuesto en importantes citas internacionales, así como en muestras individuales y colectivas.
Bruno Galindo. Periodista, escritor y especialista musical. Ideólogo, director artístico y comisario de importantes festivales, ha destacado como recopilador discográfico y discjockey.
María Rubín. Especialista en formatos cortos audiovisuales. Dedicada a la televisión durante toda su carrera profesional, trabaja en Sogecable como directora del departamento de cortometrajes y de programas como La Noche + Corta.
Elena Vozmediano. Reconocida crítica de arte que publica habitualmente en El Cultural además de participar en revistas especializadas (Arquitectura Viva, Art Nexus, etc) y catálogos de arte. También forma parte de la junta directiva del Instituto de Arte Contemporáneo.
Todas las obras versan sobre cinco temas elegidos por estos mismos comisarios. Temas con los que se pretende reflexionar sobre el mestizaje cultural en un mundo globalizado:
Los cambios en las coordenadas que habitamos (las ciudades, el desarrollo sostenible, etc.).
Las nuevas tecnologías y los medios de comunicación como nuevos lenguajes.
Las fronteras en las que se mezclan las culturas en una convivencia no siempre fácil.
Los desplazamientos que ponen de relieve los desequilibrios y los choques entre valores diferentes.
La creación de marcas, construcciones complejas de nosotros y los otros, de las identidades, los estigmas, lo mediático o la marginación.
Entre los artistas que se podrán ver en la exposición, encontramos nombres como los de Joanna Quinn, Jonathan Browning, Arnaldo Antunes, Dj Spooky & Talvin Singh, Santiago Sierra, Joan Fontcuberta, Antoni Abad, Mateo Maté, Lars Arrhenius o Donna Conlon.
Dos series de trabajos presentadas por José Javier González han sido preseleccionadas:
La serie: DARKNESS/OSCURIDAD (Marcados. Estrella y estigma)
Y la serie: LUZ, NO LUZ (Lenguajes. Ceros y Unos)
JHON Magazine
JHON Magazine
La revista digital francesa JHON MAGAZINE ha publicado su número 20 (Febrero 2008) y ha incluido una colaboración mía con 9 fotografías en blanco y negro y color.
Se trata de un magazine de Fotografía, Dibujo, Pintura y Expresión Artística.
http://johnmagazine.free.fr
Se puede ver on-line o descargando el contenido en un fichero pdf.
jueves 7 de febrero de 2008
Semiótica de la Visión
Semiótica de la Visión
Sobre la obra expuesta por el fotógrafo Rogelio Lopez Cuenca en la Galería Juana de Aizpuru de Madrid ( http://www.juanadeaizpuru.com/ ), durante Enero y Febrero de 2008, titulada “Le Partage”, y la correspondiente crítica realizada por Miguel Cereceda.
Teoría general de los signos aplicada a la ‘Visión’ y la representación de ello en la obra fotográfica.
“Unas son, en efecto, las cosas que se nos dan a ver, otras las que se nos permite ver y otras, por último, aquéllas que se nos fuerza a ver. La televisión, la publicidad, la Historia del Arte o la pornografía constituyen repertorios visuales de este tipo. Todas ellas, sin embargo, ocultan otras cosas que no podemos ver, que no queremos ver o que ideológicamente desaparecen de nuestro ámbito de representación.
Aunque lo visible es tanto lo monstruoso como lo desagradable, tanto lo inmoral como lo inhumano, y aunque ello esté tan presente en nuestra mirada como lo gratificante y placentero, pensado desde una política de la visión, sigue siendo cierto que uno no puede ver lo que no puede ver.
Esta elemental reflexión le sirve a López Cuenca para desplegar una estrategia de actuación sobre lo visual en la que la imagen es deliberadamente cargada de un suplemento político que la imposibilita para cualquier contemplación ingenua o meramente placentera.
Las seductoras imágenes de los anuncios, del cine, las pornográficas, con las que nos deleitamos acríticamente son contrapesadas deliberadamente con otras imágenes, igualmente sacadas de la Prensa, de la publicidad o de Internet, generando una implosión semiótica que no sólo destruye toda gratificación en el espectador, sino que incluso fuerza a una lectura crítica.
Lo que López Cuenca hace no es más que desactivar imágenes a las que estamos acomodados, contrapesándolas con otras de sentido contrario a las que por desgracia estamos también acostumbrados, generando con ello una corrosiva descomposición de ambas.
De este modo, el espectador se ve forzado a reconsiderar todo el sistema (el publicitario, el artístico, el político y el pornográfico) y a desarrollar su propia estrategia perceptiva, a partir de esta desconfianza con respecto a lo visual.
Ahora se acerca al lenguaje visual tratando de desentrañar sus códigos, para mostrarnos deliberadamente que lo que se nos da a ver oculta bajo sí aquello que no vemos, porque no podemos verlo.”
“Qué se ve, qué se muestra, qué se exhibe… o, lo que es lo mismo, quién habla, quién tiene la palabra, qué se percibe como lenguaje, autorizado, cargado de sentido y qué como mero ruido… quién mira y qué es mirado.”
No es cuestión de estar constantemente ejerciendo de crítico de arte, sino de ser consciente de lo que nos pretenden ‘vender’ con los mensajes, sean publicitarios, artísticos o de ‘entretenimiento’ , de no olvidar que seguramente no podemos ver lo que realmente está detrás, lo que pretende el sistema, que el conjunto siga siendo un bloque rentable, en su mayoría.
Como hablaba al comentar sobre la textura, la forma y el espacio, hay que ser capaz de aportar a lo que se está contemplando, y ahora se trata de sumar una parte crítica sobre lo que vemos o sobre lo que pensamos que vemos, para poder llegar a ver lo que no podemos ver.
Tenemos que poner de nuestra parte la compensación que equilibre lo que las imágenes nos ocultan o imponen, no por bellas, repetidas o ‘fashion’ hay que aceptarlas como la ‘realidad’.
sábado 2 de febrero de 2008
Extrarradio
Extrarradio
Las casas,
siempre las últimas casas,
por los raíles que se niegan a continuar
huye un tranvía estremecido,
y queda el campo,
mi pobre límite.
domingo 20 de enero de 2008
Fotografía, serie Darkness
The Outer and the Back Visions of Darkness
Hay vida y muerte en la oscuridad, esa parcela trasera de nuestra iluminada existencia.
Tras el ocaso, más allá de las cercas de las urbanizaciones, en los caminos de los campos, tras los cristales de las ventanas, hay personas, suceden cosas y continua la búsqueda de un motivo para seguir viviendo, la espera de la luz que no siempre trae el amanecer.
La visión exterior suele ser la del dolor, del aislamiento, de la distorsión respecto al vivir y pensar de la mayoría.
No es infrecuente el miedo, sea desde dentro de la oscuridad o hacia ella misma. Se la teme, se vive y muere en su interior.
Luz, oscuridad, no son ellas el problema.
There are life and death in darkness, that back plot of our illuminated existence. After the sunset, beyond the fences of the urbanizations, in the ways of the fields, after the crystals of the windows, there are people, things happen and the search of a motive for living continues, the wait of the light that not always brings the dawn.
The outer vision usually is that of the pain, of the isolation, of the distortion with regard to live and to think about the majority.
The fear is not infrequent, be from inside the darkness or towards itself. One is afraid of her, one lives and dies in his interior.
Light, darkness, they are not the problem.
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