Photos: Best Photos of the Year 2011 Plog — World, National Photos, Photography and Reportage — The Denver Post
La primera de 3 partes con las mejores fotos del año 2011
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Alejandro Céspedes
A. SÁENZ DE ZAITEGUI
Publicado el 13/01/2012
La literatura ha roto el libro. Los procesos humanos por excelencia -la creación y la comunicación- son codependientes, se alían contra la inercia. La naturaleza nos ancla al fondo. El arte abre vías. Summa artis, la poesía nos salva de nuestro ADN. Topología de una página en blanco trata de todo esto. Cómo creamos, cómo sustanciamos lo que creamos en otras mentes humanas, individuales o colectivas. El in principium creavit Deus de Alejandro Céspedes es la página en blanco. Papel o LCD, es el lugar donde ocurre la mente: donde ocurre todo. Quien busque lírica que lea a Machado: Céspedes es un hombre con visión, un teórico. Un poeta de verdad.
Su reflexión sobre la poesía remite a ese momento de la historia en que la filosofía se convirtió ella misma en poesía. Con Foucault, el poeta alberga la sospecha -la esperanza- de que el lenguaje es fractura, muro, aislamiento, y que es necesario. La falla es la naturaleza de la ficción: “escribir es elegir/ pero deja de ser interesante cuando la palabra/ no funciona como unidad de construcción estable”. Las palabras no describen las cosas: las producen. Y su estructura es tan arbitraria como las leyes del lenguaje: “fragmentos/ dentro de otros fragmentos/ construyen una realidad descuartizada”. La lengua que hablamos determina el mundo que vemos. Escribir es una secuencia de elecciones: vivir, también.
continua en el artículo de "El Cultural", del periódico El Mundo, aquí está el enlace:
http://www.elcultural.es/version_papel/LETRAS/30375/Topologia_de_una_pagina_en_blanco
…las fotografías del millón de dólares… « El momento decisivo
…las fotografías del millón de dólares…
Teniendo en cuenta que se nos ha acabado el año 2011, que es momento de recopilaciones y que, precisamente en este año que acaba de finalizar, se ha visto actualizado el listado de las fotografías más caras de la Historia, qué mejor momento que este para recordar el ranking.
Me resulta curioso que en la época de la información y de la comunicación, cuando hay un sencillo acceso a la información, cuando las mismas noticias se repiten una y otra vez en diversos medios, páginas web y blogs, en este caso, parece como si la información se hubiese quedado atrapada en el tiempo. Quizás sea el copia y pega del que solemos abusar, pero no es habitual encontrarse con que prácticamente más del 95% de los listados que andan por la red con las fotografías más caras de la historia, no son ciertas o están incompletas. Si entramos a nuestro buscador preferido y buscamos dichas listas nos encontraremos con que faltan en casi todos fotografías de Richard Prince, de Andreas Gursky o de Cindy Sherman, entre otros.
El listado que incluimos a continuación quizás tenga algún error, podría ser, pero es uno de los listados que más se acercan a la realidad a día de hoy. No obstante, viendo el auge que está teniendo el coleecionismo de fotografía en los últimos años (a pesar de la fuerte crisis económica), está claro que duarnte el presente año 2012 este listado variará.
Una última cuestión. Simplemente disfruten de las fotografías y no se metan en la cabeza antes de ver las mismas el erróneo concepto de “cuanta más cara es una fotografía mayor calidad”, porque entonces se llevarán una gran decepción. En el arte, el precio y la calidad van por caminos diferentes que rara vez se cruzan.
Afílense los dientes que ahí vamos, las cincuenta fotografías del millón de dólares…
véalas en:
http://blogs.deia.com/momentodecisivo/2012/01/03/las-fotografias-del-millon-de-dolares/
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Francesca Woodman
http://www.lafabrica.com/es/galerias-exposiciones/27/francesca_woodman#.Tu44_Fl_QHc.blogger
En La Fábrica:
Unseen photographs and selected works
24-11-2011 / 21-01-2012
Francesca Woodman
En menos de una década, antes de su muerte con tan solo 23 años, Francesca Woodman fue capaz de crear un potente conjunto de fotografías en el que exploró el cuerpo humano y el complejo problema de representación del yo. Íntimo, directo y visceral, su trabajo revela la inusual y coherente visión de una artista que, pese a no llegar a la edad adulta, ha influido considerablemente a posteriores generaciones de artistas.
Ahora que se cumplen 30 años de su muerte, La Fábrica Galería presenta 20 fotografías de diferentes periodos de la producción de la artista estadounidense -9 de ellas prints inéditos- que permiten apreciar las constantes de su trabajo. A Woodman le interesaba principalmente el retrato, y centró preferentemente su producción sobre la exploración despiadada de su propio cuerpo, habitualmente desnudo.
Con un marcado carácter autobiográfico, sus fotografías la muestran en escenarios melancólicos, habitaciones en las que la artista retrata la soledad, el olvido y el paso del tiempo. Su figura, mostrada al desnudo en interiores destartalados y con cierto aire gótico, se mueve entre la aparición y la desaparición, la sexualidad y la inocencia. En algunos trabajos su cuerpo aparece borroso, en movimiento, escondido tras papel pintado. En otros aparece presa de ventanas o debajo de muebles, posando con objetos simbólicos o entreviéndose tras ropas andrajosas.
Inusualmente talentosa y precoz, la compacta carrera de Woodman muestra a una artista a punto de eclosionar. Sin ser todavía una mujer madura, tampoco se trata del trabajo de una niña inocente, su obra se mueve en un momento provisional y tumultuoso anterior a la verdadera madurez, siendo introvertido, experimental e incompleto.
Las fotografías que forman la exposición permiten recorrer el trayecto artístico de Woodman. Siguiendo un orden temporal en la muestra se incluye su primera fotografía Autorretrato a los 13 (1972); trabajos desarrollados en su época de estudiante en la Escuela de Bellas Artes de Rhode Island entre 1975 y 1978; fotografías realizadas en su estancia en Roma (1977-1978); las producidas durante su residencia artística en la colonia MacDowell en Peterborough, New Hampshire (1980) y algunos de sus últimos trabajos realizados en Nueva York.
El trabajo de Woodman se sitúa frecuentemente junto a la de sus contemporáneas Ana Mendieta y Hannah Wike así como de artistas de generaciones posteriores como Cindy Sherman, Sarah Lucas, Nan Goldin and Karen Finley, debido a sus diálogos con el yo y la representación del cuerpo femenino.
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Premio Bienal de Fotografía Purificación García 2012 20 de diciembre de 2011 Arteinformado
En ArteInformado:
Premio Bienal de Fotografía Purificación García 2012
Fecha inicio de presentación: 20 Diciembre de 2011
Fecha fin de presentación: 13 Enero de 2012
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FALLADO - VI Premio Internacional de Fotografía Pilar Citoler 02 de noviembre de 2011 Arteinformado
En ArteInformado:
Entre las 180 fotografías presentadas, el jurado ha elegido al fotógrafo cántabro Jorge Yeregui Tejedor (Santander, 1975 - vive en Barcelona) por su obra 'El Valle. Piscina Municipal, Lobres'. Yeregui ha expuesto en los últimos años con las galerías madrileñas Ines Barrenechea (2010) y Magda Bellotti (2011) y la sevillana Alarcón Criado (2009), con la que acudirá a la próxima edición de ARCOmadrid.
El jurado de este año ha estado integrado por Pilar Citoler, coleccionista; Bleda y Rosa, fotógrafos; Norberto Dotor, galerista; Karen Knorr, fotógrafa; y Alfonso de la Torre, crítico de arte y comisario de exposiciones.
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En el blog de Norberto Luis Romero, maravilloso relato:
Violencia de género
Llevaban mucho conviviendo felizmente en la misma frase, artículo singular masculino con tercera persona femenino, pero desde hacía unos dos años las cosas habían cambiado para mal, quizás porque los artículos no concuerdan mucho con las personas gramaticales. Definitoria fue la noche que EL llegó a la frase borracho,... corred a leerlo completo en su blog !!!!!
http://wwwnorbertoluisromero.blogspot.com/2011/12/violencia-de-genero.html
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Tim Allen's Photo on Lockerz
Here's the idiotic sign regarding SLR cameras from TfL at #aldwych2011 today
Por favor, leed el aviso del metro de Londres..
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Cada día un fotógrafo / Fotógrafos en la red: Martine Franck: Martine Franck es una fotógrafa belga (nacida en Amberes el 2 de abril de 1938, vive en París). Una fotografía no es necesa...
CuadernoZero
Amaia de Diego y José Javier González son CuadernoZero
http://www.cuadernozero.com
El Daño Hecho - The Damage Done
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http://www.lafabrica.com/es/galerias-exposiciones/27/francesca_woodman#.TtazsaibG3I.blogger
En la Galeria de La Fabrica...
Unseen photographs and selected works
24-11-2011 / 21-01-2012
Francesca Woodman
En menos de una década, antes de su muerte con tan solo 23 años, Francesca Woodman fue capaz de crear un potente conjunto de fotografías en el que exploró el cuerpo humano y el complejo problema de representación del yo. Íntimo, directo y visceral, su trabajo revela la inusual y coherente visión de una artista que, pese a no llegar a la edad adulta, ha influido considerablemente a posteriores generaciones de artistas.
Ahora que se cumplen 30 años de su muerte...
más en La Fábrica...
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The Swan Photography: 2011-S42 Cada semana una foto: 60% water: Muy buenas! aquí os traigo la foto que hice en la semana 42, es cierto va con retraso porque esperaba el fallo del concurso social de la SFG...
Todo un trabajo creativo y.... de Photoshop
Explicación del proceso por parte del autor en:
http://pontiluis.blogspot.com/2011/11/2011-s42-cada-semana-una-foto-60-water.html
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Reuters publica las 100 mejores fotografías de 2011
Reuters ha publicado una selección de las 100 mejores fotografías de 2011 que han pasado por la agencia durante este año.
Las imágenes reflejan el esfuerzo fotoperiodístico en todo el planeta, dando forma a un resumen visual de los acontecimientos ocurridos durante este año.
Algunas de las imágenes pueden herir sensibilidades por contenidos de desnudo o violencia.
David Vázquez (Abarai)
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AULA DE LAS ARTES. UC3M IV FESTIVAL DE CINE ITALIANO DE MADRID
El Festival de Cine Italiano de Madrid, organizado en colaboración con Cinecittá Luce - Filmitalia, ha llegado a su 4ª edición, manteniéndose como una propuesta heterogénea y articulada que no tiene igual en el panorama anual de las manifestaciones dedicadas a la producción cinematográfica italiana. Un Festival que sigue el reto de presentar películas que se estrenan al mismo tiempo en las salas cinematográficas italianas o que aún no se han estrenado. La excelencia de la oferta cinematográfica y la rapidez de la realización hacen que Madrid sea el testigo de la más reciente producción cinematográfica italiana al mismo tiempo que el espectador italiano. Las películas escogidas son una selección de las obras proyectadas en los Festivales de Cannes, Locarno, Venecia, Toronto y Roma. Se presentan diez largometrajes, diez documentales y diez cortometrajes seleccionados por críticos italianos; un jurado español asignará el premio al mejor documental y al mejor cortometraje. Treinta títulos en total entre los cuales encontraremos L' ultimo terrestre de Gian Alfonso Pacinotti (Gipi), Corpo Celeste de Alice Rohrwacher, La-Bàs de Guido Lombardo, Quiproquo de Elisabetta Sgarbi, Il villaggio di cartone de Ermanno Olmi y Terraferma de Emanuele Crialese, película italiana candidata a los Oscar 2012, que los mismos directores presentarán al público, a la prensa y a los operadores españoles.
ver mas en:
http://auladelasartes.uc3m.es/programa.php?evento=1515
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La Huella sonora - Oficina de producción artística de Santiago Auserón - Juan Perro
Papeles de Malabo: La canción española vista desde la cuna del ritmo africano
Archivado en: Notas sobre música
Notas para una conferencia que no llegó a celebrarse, programada en paralelo con las sesiones del Taller de Canciones impartido por Santiago Auserón y Joan Vinyals en el Centro Cultural de España en Malabo, Guinea Ecuatorial, los días 29 y 30 de mayo de 2011. Las actividades del Taller y el concierto de Juan Perro en el Auditorio del mismo Centro no dejaron tiempo para su lectura. Desarrolla ideas expuestas en el Taller de A Coruña Son en 2008 y en la Facultad de Filología, Traducción y Comunicación de la Universidad de Valencia en 2009.
más en La Huella Sonora:
http://www.lahuellasonora.com/cuaderno_ampliada.php?a=santiago-auseron&id=31
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Puentes de papel: VICENTE GARCÍA: SER UNO MÁS.: Ahora (Poesía 1992-2008) Vicente García Renacimiento, 2009 Cada poeta actúa como depositario de un legado anterior, busc...
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Canon presenta sus novedades en video
Hace años Canon dió un vuelco a la industria del video y el cine cuando presentó su DSRL EOS 5d MarkII que unía su función de video a la posibilidad de usar toda la gama de objetivos EF.
Ahora Canon acaba de presentar la Cinema EOS C300, su nueva cámara de video digital de objetivos intercambiables.
más.. en Caborian
http://www.caborian.com/20111104/canon-presenta-sus-novedades-en-video/
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Enlace/Link:
Photos: The 125th Anniversary of the Statue of Liberty Plog — World, National Photos, Photography and Reportage — The Denver Post
On Oct. 28, 1886, the Statue of Liberty, a gift from the people of France, was dedicated in New York Harbor by President Grover Cleveland. Oct. 28, 2011 marks the 125th anniversary of the dedication. Take a look back at the history of the statue and all “the lady” has seen in her 125 years.
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Tickfoto, web de alquiler de equipo fotográfico
Tickfoto.com es una nueva web de alquiler de equipo fotográfico.
Su principal novedad es que tanto la entrega como la devolución del equipo se realiza a domicilio, a través de un servicio de mensajería. Directamente desde la web el fotógrafo reserva el equipo y la duración del alquiler que desea, recibiéndolo en cualquier parte de España (excepto Canarias por ahora).
más en Caborian...
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arteinformado.com Inauguradas muestras fotográficas de Ruff, Bourdieu, Collins, Navarro y Guerra. Lo que hay que ver ..
Inauguradas muestras fotográficas de Ruff, Bourdieu, Collins, Navarro y Guerra
Hannah Collins junto a una de sus obras Entre las recientes inauguraciones de muestras fotográficas sobresalen las individuales dedicadas a Thomas Ruff (Zell am Hammersbach, Alemania, 1958), Pierre Bourdieu (Denguin, Francia, 1930 - París, Francia, 2002), Hannah Collins (Londres, Reino Unido, 1956 - reside en Barcelona), Eduardo Guerra (Gijón, Asturias, 1973) y Rafael Navarro (Zaragoza, 1940). El primero de ellos, gran referente de la fotografía y el arte contemporáneo y uno de los miembros más destacados de la escuela alemana desde los años 80, presenta en el CAC - Centro de Arte Contemporáneo de Málaga desde el pasado viernes, 21 de octubre, su serie "ma.r.s.". La exposición, comisariada por Fernando Francés, muestra diferentes imágenes del universo, todas con un hilo conductor, que muestran espacios aparentemente lejanos, al alcance de la vista del espectador. El origen de las imágenes pasa a un segundo plano con la intervención de Ruff en todo el proceso creativo. La postproducción es lo que realmente importa en el trabajo del artista alemán, con unos resultados inesperados y con una visión sorprendente de paisajes marcianos. Ejemplares de esta serie de fotografías se pudieron ver en una exposición homónima que se clausuró a principios de junio en la galería suiza Mai 36 Galerie. En España el Artium - Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria, el TEA Tenerife Espacio de las Artes de Santa Cruz de Tenerife o más recientemente la Sala de Exposiciones Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid con la exposición "1000 caras / 0 caras / 1 rostro" -dentro de la sección oficial de PHotoEspaña 2011- han sido algunos de los espacios donde se ha exhibido la obra de Ruff. Este año Thomas Ruff recibió el Premio PHotoEspaña 2011 por el conjunto de su carrera.
más en ArteInformado...
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Blog de Noticias raras en el planeta: Base Jumping en el Agujero azul de Dean en las Bah...: Agradecemos a Martin eMe, por el dato acerca de este evento acontecido en el
agujero azul (Blue Hole) de las Bahamas, de 202 metros d...
Ved el vídeo..
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Un misterio de próxima revelación
En El Pais (Babelia)
http://www.elpais.com/articulo/portada/misterio/proxima/revelacion/elpepuculbab/20110917elpbabpor_18/Tes
El uso del ordenador ha enfrentado al ciudadano común con el fascinante mundo de la tipografía. Aunque pocos saben el origen de las fuentes que utilizan, pronto podrán personalizar las de los libros que leen.
La tipografía no sólo es una abstracción sino también un misterio, para ese ente abstracto que es "el lector habitual", muy concreto a la vez ya que puede ser usted mismo.
Es un misterio de lesa invisibilidad, desvelado hacia 1930 por expertos encabezados por Stanley Morison y Beatrice Ward. El primero admitió que, en un texto impreso, el estilo y la forma de las letras no son la aspiración principal del lector; la segunda aludió a la metáfora de una copa de vino de cristal fino y transparente, cuyo estilo y forma -como la tipografía al lector habitual- pasan desapercibidos al bebedor consumado.
Y es una abstracción evidente el alfabeto tipográfico en sí mismo, pues si bien entra por los ojos sin percibir estilos ni formas, se diseñó tras el costoso proceso de unificación de un trío heterogéneo, de una disparidad geocultural sorprendente. Veamos, si no: las mayúsculas se basan en la escritura epigráfica difundida por el Imperio Romano; las minúsculas surgen de la Europa bárbara sojuzgada por Carlomagno, denominadas, con propiedad, carolingias; mientras que las cifras -del uno al nueve- proceden de remotos y legendarios imperios indoarábigos.
Fue a partir de esa dispersión original, genialmente domesticada, que se crearon fuentes tipográficas de proporciones áureas, únicas en la historia .... (continua en el enlace de El País)
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Gregory Crewdson
New York photographer Gregory Crewdson spoke about his elaborately staged photographs at MassArt on Oct. 29, 2008. His “Beneath the Roses” series, which is pictured here, was shot outdoors in Pittsfield, Massachusetts, and on soundstages constructed at Mass MoCA in North Adams. Here are some excerpts of his talk:
“I’ve always believed that an artist has one central story to tell and the task over a lifetime – the almost impossible task – is to attempt to represent that story over and over again in pictoral form.”
continues on:
http://aesthetic.gregcookland.com/2008/10/gregory-crewdson.html
mi casa es mi mundo: El mundo de Gregory Crewdson: Hace unos días os hablaba de Sanctuary , la exposición que la galería La Fábrica de Madrid ha montado con una docena de obras del fotógrafo ...
Puentes de papel: JAVIER LOSTALÉ. LUGAR HERIDO: Tormenta transparente Javier Lostalé Calambur, Madrid, 2010. Aunque la poesía de Javier Lostalé (Madrid, 1942) aparece a principios de lo...
PARTICIPA EN EL CERTAMEN DE COMISARIADO ON LINE
Trasatlántica PHotoEspaña junto a la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo AECID y el Instituto Cervantes abren el plazo de inscripción para el certamen de comisariado on line.
A través de este certamen, los participantes -comisarios nacidos o residentes en cualquiera de los países de Iberoamérica o España-, deben proponer un proyecto curatorial a partir de las obras de los 40 fotógrafos latinoamericanos que participarán en los visionados de porfolios que se celebrarán próximamente en los Centros Culturales de España en La Paz (Bolivia) y Santo Domingo (República Dominicana).
De todas las propuestas recibidas en el certamen, un jurado seleccionará hasta un máximo de cinco proyectos finalistas y un proyecto ganador que será producido para la sede del Instituto Cervantes de Madrid durante PHotoEspaña 2012.
Posteriormente la exposición itinerará por otros centros de la red del Instituto Cervantes en el exterior, así como por diversas sedes de la red de Centros Culturales de la AECID en América Latina. Además, el autor del proyecto ganador percibirá una dotación de 6.000 euros (impuestos incluidos) para proyectos de comisariado individual y de 8.000 euros (impuestos incluidos) en caso de equipo curatorial y participará como visionador en el visionado de porfolios que Trasatlántica organiza en La Paz (Bolivia) y Santo Domingo (República Dominicana) en noviembre y diciembre de este año.
La convocatoria estará abierta hasta el 28 de octubre de 2011. Los interesados pueden inscribirse y participar a través de www.phe.es/comisariado o en la página web http://www.trasatlanticaphe.es/
(Notes on) Politics, Theory & Photography: Claire Harlan
Every so often - actually, not as often as you might think - I receive email from a photographer, introducing themselves, saying how they read the blog and how they think I might like their work, and linking to their web page. Nearly every time, I take some time to see what the sender is up to. And usually the work is pretty good, sometimes it is impressive. I recently received such an email from Los Angeles based photographer Claire Harlan. I'd put her quite clearly in the impressive category. I especially like her Grandscapes series, but have lifted the two images here from other projects because these singular images sort of jumped out at me. In any case, I'll offer no big political interpretation and just say this is very good work.
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arteinformado.com José Manuel Ballester, un pintor reconocido por su fotografía de arquitecturas. Artistas
José Manuel Ballester, un pintor reconocido por su fotografía de arquitecturas
Obra de José Manuel Ballester El pintor y fotógrafo José Manuel Ballester (Madrid, 1960) acaba de inaugurar recientemente la exposición "La abstracción en la realidad" en la Sala Alcalá 31 dependiente de la Comunidad de Madrid, con motivo de la concesión del Premio de Fotografía de la Comunidad de Madrid, en su edición de 2008. Está compuesta por medio centenar de fotografías de diverso formato, en su mayoría inéditas y un audiovisual, que permiten el diálogo entre el trabajo del artista y el espacio que las aloja. Se utilizan para ello las dos plantas de las que dispone la Sala Alcalá 31. Esta exposición, comisariada por Lorena Martínez de Corral, asesora de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid, coincide en el tiempo con la exposición fotográfica que actualmente se puede ver en el exterior del Museo Arqueológico Nacional, en Madrid, con instantáneas de Ballester sobre la rehabilitación de ese edifico histórico, y que se podrán contemplar hasta la reapertura del MAN, prevista para finales de este año.
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Shelby Lee Adams "Salt & truth" EFTI Escuela de Fotografía y Centro de Imagen
Shelby Lee Adams "Salt & truth"
Exposiciones
Cuándo: 16/09/2011 - 20:00 - 21:00
Dónde: EFTI
Asistencia: Libre, gratuita.
EFTI inaugura la exposición Salt & Truth, del fotógrafo Shelby Lee Adams, ganador del Guggenheim Photography Fellowship 2010 y reconocido a nivel internacional como uno de los grandes fotógrafos contemporáneos.
Shelby Lee Adams lleva más de 36 años fotografiando el alma y los pobladores de los Apalaches. Su obra se encuentra en los más prestigiosos museos, fundaciones y colecciones del mundo (International Center of Photography de New York, Musee De L'Elysee Lausanne, Museum of Modern Art de New York, The National Gallery of Canada, Stedelijk Museum de Amsterdam, Victoria and Albert Museum de Londres, Art Institute de Chicago, Colección de Rockefeller Center…), y se ha plasmado en varios libros y en el documental The True Meaning of Pictures; Shelby Lee Adams’Appalachia” presentado en el Festival de Sundance 2003.
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Fotógrafos en la red: Juan Manuel Díaz Burgos: Juan Manuel Díaz Burgos es un fotógrafo murciano (nacido en Cartagena, Murcia, España, en 1951) cuya obra la ha producido mayoritariamente ...
Lo que no ves es lo que te delata
El País 2-4-2011
La obra de Julião Sarmento es siempre perturbadora. Un elemento que el artista portugués más internacional dosifica como un veneno. Su retrospectiva implica en ese juego al espectador
Hay un lugar, al borde del abismo, en el que desaparece el pasado. En el que la atracción de la nada se hace más fuerte. Y mirar hacia al frente produce un vuelco en el corazón. Ese es el lugar imaginario donde sitúa Julião Sarmento cada una de sus obras: entre el riesgo y la pasividad. Parece que no pasa nada, pero generan una inquietud que suelta dudas como gotas la lluvia. "Lo que me interesa es el abismo, el error, el riesgo", dice el artista portugués. "No quiero nada de lo que queda detrás de mí, solo lo que hay delante. Ni el pasado ni la nostalgia van conmigo".
"Sarmento hace una especie de juego con el deseo de ver y la sensación de que es algo prohibido", dice Searle
La exposición que se inaugura hoy en La Casa Encendida de Madrid tiene un maestro de ceremonias, el crítico de arte británico Adrian Searle, que actúa como comisario. El título es Distancias cortas. Ha seleccionado y articulado la muestra con piezas que acentúan esa extraña incomodidad que produce casi toda la obra de Sarmento. En varias de las series de dibujos y pinturas se basa en imágenes pornográficas. En Encore (1990) hay trazos hechos a ciegas confrontados con imágenes borrosas de revistas porno. "Hace una especie de juego con el deseo de ver y la sensación de que es algo prohibido. Una ambigüedad que siempre le ha preocupado", indica Searle.
La otra serie se titula Porn stars. "Son puestas en escena extraídas de revistas y convertidas en manchas negras en las que no se distingue bien dónde empieza un cuerpo y termina otro. Son solo perfiles negros y planos sobre fondo blanco que no te permiten saber del todo qué está pasando. Pero la mente del espectador no puede evitar preguntarse: ¿es eso un pene, una pierna, son dos mujeres?".
El artista es un voyeur indiscreto que implica al espectador en su juego. "Soy un voyeur activo", sentencia Sarmento. Es como si sus trabajos dejaran siempre un espacio en blanco para ser completado por el papel del observador. "Parte de mi obra cuenta con involucrar al espectador en esa actividad. Convertirlo en cómplice de mi voyeurismo".
"Sarmento suele mostrar y ocultar a la vez, incita al espectador a luchar contra su deseo de ver y de no ver, de completar lo que falta", afirma Searle. "La repetición en estas series es también un elemento muy pensado. El porno es repetitivo, en cierta forma. En todo caso, el tipo de porno que a él le interesa".
En la obra de Sarmento aparecen constantemente mujeres anónimas, exentas de toda seña de identidad. Ni rostro, ni contextura, ni ropa distintiva. Están vestidas con un sencillo vestido negro. En Film noir (2007), una escultura de tamaño natural, una mujer con una capucha de terciopelo negro está frente a una especie de pantalla del mismo material. Ella está iluminada con potentes focos. En otra sala, otra escultura de mujer de pie, sin cabeza, tiene entre las piernas abiertas un cubo de zinc repleto de miel. Se titula Forget me (with bucket) (2006). Tampoco tienen cabeza las mujeres pintadas en la serie Veneno (1998). "Represento a la mujer de forma genérica", explica Sarmento. "Si añado una nariz, unos ojos, unas orejas, se va pareciendo más a un retrato. Pueden tener un nombre. Y no quiero eso. Mi intención es algo más cercano a los carteles de aseos públicos que señalan a un lado hombres y al otro mujeres. Esa es la distinción, esa es la lectura que yo quiero de esas figuras".
"Esa mujer anónima es un leitmotiv para mí", añade el artista. "Es como Robert Ryman, que pinta cuadrados blancos, o Ad Reinhardt, que pinta cuadrados negros". ¿Entonces, es algo casi abstracto? "Sí, mi pintura es bastante abstracta. Es una alusión al inicio de todo, porque la mujer es el principio de todo ¿no?".
Distancias cortas se titula la muestra. Y quizá la pieza Close, realizada en colaboración con el director de cine armenio-canadiense Atom Egoyan, sea la clave. El espacio entre la pared y la gran pantalla apenas deja sitio para que se sitúe el espectador. "Close representa la imposibilidad de algo, porque la oferta es demasiado grande y la distancia demasiado corta", dice Sarmento.
En Close se oye un enigmático diálogo de fondo. En una parte se dice: "¡Ah...! Hablando de sangre y de patas... ¿Sabes cuál es la historia original de Cenicienta? Bueno, pues en el original, cuando a la hermanastra fea no le entra el zapato de cristal, la madrastra coge un cuchillo y se lo corta para que encaje... Y entonces es cuando el príncipe se da cuenta de que no es suyo, porque... a través del cristal ve la sangre, que se derrama por el borde... Una buena historia, ¿eh? A saber por qué la cambiaron". Ese fragmento sirve de fondo para otra pieza algo fetichista, Cat & Nell Crystal-Clear (2005). Sobre un pedestal hay tres zapatos de cristal entre láminas de vidrio y espejo que crean un engañoso y encantador efecto óptico.
Hay sexo y hay danza. Dos expresiones corporales placenteras, efímeras, que el artista aborda también con cuidada distancia. El recorrido empieza con Cometa 2009 una performance en la terraza donde se ha construido una pequeña habitación cerrada. El interior tiene cierta atmósfera de burdel. Dentro esperan un hombre y una mujer. Cuando el visitante entra, ponen un disco (una canción compuesta especialmente por el músico de blues portugués Paulo Furtado, The legendary Tigerman) y ella empieza a bailar. El hombre se le suma y se va creando un ambiente de elevada sensualidad. El visitante se siente incómodo, fuera de lugar. "Aunque exista esa lejanía todo termina remitiendo a tu propio cuerpo, porque al ver las imágenes o lo que sucede te excitas o te produce sensaciones. Algo te sucede al verlas", apunta Adrian Searle.
La exposición se cierra con otra danza. Jolie Valse (2007). "En este vídeo hay dos bailarinas: una de bailes de salón, algo recatada, y la otra de espectáculos de variedades, más vulgar que sexy, diría yo", describe Searle. "Bailan música francesa al son de un bandoneón. Un tema muy melancólico. Una de ellas baila sola, y luego viene la otra, se cruzan y la segunda también baila sola. El lenguaje corporal de ambas es muy distinto. Una tiene cierta timidez y la otra es más expansiva. Hay algo triste en ellas. Se nota que Pina Bausch ha sido una gran influencia para él".
En la obra de Sarmento hay mucha soledad. En estas piezas se conserva esa sensación, pero también hay un cierto abandono compartido. "Creo que es parte de la tragedia de ser hombre", dice Searle. "Tiene que ver con la crisis de la masculinidad, de alguna forma. Y Julião la deja sentir, aunque ha tenido algunos colaboradores que también lo remarcan".
Gregory Crewdson - Creo presencias desde las ausencias
en ABC Cultural
El fotógrafo Gregory Crewdson da un giro de 180 grados en su producción con «Sanctuary», un potente conjunto de imágenes que exhibe desde el día 6 de septiembre en La Fábrica
Cuando creíamos que ya conocíamos la personalidad de Gregory Crewdson (1962), uno de los fotógrafos norteamericanos más respetados, cambia radicalmente para volver a sorprendernos. Del color saturado al blanco y negro; de las escenas con múltiples detalles –básicos para terminar de componer una historia– a imágenes vacías de narratividad; de escenarios construidos a otros ajenos; de las producciones en EE.UU. a su primera labor en Europa... Así es Sanctuary, la serie que desde el próximo martes se exhibe en La Fábrica, su galería en Madrid.
«Sanctuary» demuestra que hay vida después de series tan potentes como «Beneath the Roses». ¿Cómo es posible avanzar sin repetirse y sin sufrir el peso del éxito?
Para mí, Beneath the Roses fue un proyecto épico, combinación de ocho años de trabajo con producciones muy complejas y cientos de personas implicadas. Para el siguiente conjunto quería hacer algo muy distinto, más abarcable, más íntimo y de menor escala. Así que no me importaba mucho esa cuestión. Solo me interesaba hacer fotos de otra manera. Las de Sanctuary están tomadas en los estudios de Cinecittà y son en blanco y negro, intentando ubicar la idea de belleza y tristeza en el paisaje. Estas imágenes son más íntimas, sin la estridencia del color. En muchos sentidos, están más relacionadas con la tradición de la fotografía histórica.
Lo han definido siempre como un fotógrafo de la vida diaria. En «Sanctuary» se fija en estructuras arquitectónicas. ¿Han cambiado tanto los intereses. Usted dijo una vez que no se puede huir de uno mismo?
Creo que, en cierto modo, todas mis fotografías hablan de la vida diaria, de lo cotidiano, de lo rutinario, y de intentar encontrar en las cosas más ordinarias una parte de misterio o de extrañeza, una idea de miedo psicológico. Beneath the Roses era una serie más física. Me da la sensación que lo que prevalece ahora es un sentimiento más psicológico.
«Con "Sanctuary" intento ubicar la belleza y la tristeza en el paisaje»Sus imágenes basculan entre realidad y ficción, naturaleza y artificio, belleza y decadencia. ¿Son señas de identidad?
Sin duda. Lo que me interesa en mis fotos es encontrar una posición intermedia entre muchas realidades distintas. Mi mirada se encuentra en algún punto entre la alegría y la tristeza, entre la realidad y la ficción, entre la naturaleza y lo doméstico.
Nos ha recordado que estas fotos son en blanco y negro. En sus anteriores obras, el color era fundamental. El ser humano no percibe la realidad en esos tonos, así que, ¿cómo influye en la percepción esta visión «falseada» de lo real?
Con Sanctuary quería hacer una referencia directa a la fotografía documental de todos los tiempos. Por eso era muy importante que estuvieran tomadas en blanco y negro. Mi reto estaba en que las escenas que iban a ser fotografiadas, y que no dejan de ser escenarios artificiales, fueran adoptando una apariencia lo más parecida a la realidad. Es así como me estaba acercando más a lo real que a lo irreal.
«Sanctuary» es su primera serie fuera de EE.UU. ¿Significa eso que la definición que hacen de usted de «fotógrafo de sensibilidad estadounidense» se acabó?
No lo creo. En primer lugar, me considero un fotógrafo estadounidense, y, en general, casi siempre trabajo dentro de esa tradición fotográfica. Sanctuary es una excepción a la regla, y me da la sensación de que la mayoría de las fotos que voy a hacer de ahora en adelante estarán siempre más cercanas a lo realizado anteriormente.
«Me interesa encontrar una posición intermedia entre muchas realidades distintas»
Le tengo que preguntar entonces por las razones del cambio.
Quería poner a prueba ciertas expectativas, y buscaba hacer algo que no se hubiera hecho antes, esto de lo que hemos estado hablando. Pero creo que es importante mencionar que aunque estaba haciendo fotos fuera de mi país, en Europa, en Roma, no eran tomas de la Roma de verdad, sino de decorados de Roma. Así que, aunque estaba haciendo fotos fuera de EE.UU., seguía abordando las mismas cuestiones, es decir, que no hay una gran separación entre lo anterior y lo de ahora.
También es la primera vez que no ha construido los decorados. ¿Cómo influye esto en un artista que es tan meticuloso con sus mágenes, llenas de detalles porque estos son esenciales para la narrativa?
Que eso no sucediera, ahora, era fundamental. Para mí, el mero hecho de estar en la parte de atrás de un plató de cine hacía que todo tuviera ya de por sí un aura de artificio. Por eso no quise hacer ninguna intervención, sino simplemente fotografiar lo que veía. Era como si, en cierto sentido, estuviera redescubriendo la fotografía que iba a hacer.
En este conjunto, el ser humano no aparece. A pesar de eso, ¿podríamos considerar que estas imágenes son retratos?
Sí. Todas mis fotos hablan de la soledad y la separación, y a mí me gusta la relación entre la presencia y la ausencia, es decir, rellenar la presencia con ausencias. Me gusta la idea de abandono. Era muy importante que los resultados parecieran vacíos.
«Mis fotos hablan de la soledad y la separación, la presencia y la ausencia»
Su estilo se acerca al del cine. No obstante, siempre ha dicho que no le interesa lo que pasa antes o después de una imagen, sino la historia que puede contener la fotografía.
Me interesa el momento intermedio, el instante entre dos momentos, lo que sucede entre el antes y el después. Por eso soy fotógrafo y no cineasta. No me seduce la linealidad de una historia. Me encantan el vídeo y el cine, pero no sé pensar de esa manera. Sigo considerándome un fotógrafo de planos fijos. En algún momento podría terminar haciendo una película. Ahora mismo, no me interesa.
Con su foto invita al espectador a pararse, a buscar, a mirar como un «voyeur». ¿Esta dimensión es algo propio de la foto?
Para mí, la foto como técnica está muy relacionada con el voyeurismo, con el acto de mirar, de ver algo prohibido. Siempre marca una cierta separación del mundo. Solo el hecho de mirar a través de la cámara hace que estés separado del objeto que fotografías.
Nos ha enseñado a sentir desasosiego en los entornos más familiares. ¿De qué tiene miedo Gregory Crewdson?
En general, tengo miedo de la vida. Buscamos cierta seguridad y un orden que la vida diaria no aporta. Y creo que en parte los fotógrafos hacen fotos porque sienten la necesidad de darle algún sentido al mundo, de explicarlo.
Gregory Crewdson
«Sanctuary»
Galería La Fábrica Madrid. C/ Alameda, 9. Http://www.lafabrica.com/.
Del 6 de septiembre hasta el 8 de octubre
El Festival Rizoma se ensucia las manos y nos (re)abre los ojos con John Waters
En un mundo más justo, John Waters debería ser tomado como referencia obligada para entender la libera(liza)ción del cine hacia terrenos fantásticos y fanáticos, tanto de captación de seguidores de cintas sociales y libertadores como feístas, trash, camp y kitsch, como una mezcla llena de alma entre Andy Warhol, Prince y Steve Buscemi, como la inspiración de la literatura de Dennis Cooper, el preámbulo a personajes como Tony Wilson y el desarme total de una forma de hacer cine: del travestismo y la coprofagia a la irreverencia de un cine comercial auto-inmolador. No sé si el Festival Rizoma será el lugar más justo que podamos habitar hoy en día, pero, al menos en los cinco días que durará el evento (entre el 6 y el 11 de septiembre, ambos inclusive), Madrid será un poco menos peor, otro poco más abierta y, sí, una jornada permanente de puertas abiertas a la irreverencia y el desenfreno arty. Por mucho que a Alberto y Esperanza les joda. Pero, oye, muy fino todo.
Lo que el año pasado parecía convertirse en una internacional surrealista en Molinicos, de la Sierra del Segura, en Albacete, gracias a la visita y programación de artistas de una capacidad ultra-subterránea y la conjugación perfecta del modelo de arte underground y la constatación del do it yourself como arma explosiva (músicos como Ray Rumours, Vera November o Hello Cuca mezclado con acciones de colectivos como HTM, Luzinterruptus o los pinches montañeros de Montaña Sagrada, entre otros) este año da un paso adelante hacia un destino más propio de lo que se intuía como el espíritu del evento: en el campo se está bien, tiene su encanto; pero en la ciudad se está mejor. Y en la urbe madrileña es donde se dedicarán a ocupar las diversas sedes que tienen a su servicio para, además de dejarnos ver títulos clásicos de la filmografía de Waters como Pink Flamingos, Cry Baby, Pecker, Cecil B. Demented o A Dirty Shame, se podrá disfrutar del monólogo del propio Waters This Filthy World, una pieza escénica en formato stand-up cómico que lleva paseando más de cuatro décadas por todo el mundo. Además, un guiño al cine independiente americano con encuentros, coloquios y proyecciones de directores como Ari Gold y Dylan O’Neil, una programación musical que conecta la irreverencia petarda de Hidrogenesse con el punk primitivo de los británicos Trash Kit o el surrealismo bizarro de Halo Halo (con apenas un 7’’ grabado en un baño y una temático lírico-sónica como mínimo desconcertante), entre otros. Además, barbacoa en Doctor Fourquet a modo de colofón y diversos encuentros, intervenciones artísticas y hasta premios de fotografía y cine. ¡Viva el trash, viva la capital!
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En NoTodo.com :
Para un agujereo hipertextual de lo real o La Divina Mímesis de Pasolini en El cuenco de plata
En la radicalización que estruja la substancia de la palabra, en su desnudez impúber virginal y en su espinoso dorsal mancillado está el elixir, su néctar. A las dos semanas y media de entregar La Divina Mímesis a imprenta, el que será el postrero de sus trabajos publicados, Pier Paolo Pasolini es asesinado en la playa de Ostia. En los últimos años de vida del genio de Bolonia, la pronunciación cada vez más radical de sus postulados eidéticos, estéticos y estilísticos es paralela a su clímax de erudición y proporcional a su frustración como ser humano. Algo descarnadamente ostensible en su Salò o los 120 días de Sodoma, cénit de la expresión pasoliniana del cine y película estrenada unos meses antes de la publicación de este volumen in continuum. Son estos años de excitación creativa los que acentuarán también sus posiciones políticas de tinte cada vez más exacerbado y anómico y los que extremarán sus características estilísticas e iconográficas dantescas tanto en la literatura, como en su vida social o en el cine. Y los que darán salida al argot sintagmático más característico del autor en estos años de explosión determinista y sincretismo: genocidio cultural, mutación antropológica, nuevo fascismo, puritanismo industrial, conformismo de masas… entre otros constructos no precisamente inofensivos y, casi siempre, de conatos apocalípticos con los que, tampoco falto de acritud e intención, oscurece y aspereza su lenguaje. Especialmente el literario. Por eso, producto primero de una ingestación culta voraz y de un furor heroico, aunque caído, que denuncia la aceleración progresiva de la destrucción de la cultura subalterna (campesina) y, segundo, de la asunción intertextual de las voces de otros, su agujereo, taladro, mimetismo y cruce (lo que también introduce cierta idea transgresiva de escándalo y psicosis), Pasolini llega al concepto de literatura-expresión. Una escritura procesual, tensiva, virginal, absoluta, salvaje, abierta, que se desprende de formalismos y corsés estilísticos y que enuncia lo real a través de una relación de semejanza atroz y emulación, tan híspida como aquello que representa. Una escritura eminentemente política, depurada, aunque brutal, que excede el lenguaje escritural en el deslumbre excesivo de (su posición en) lo real.
El cuenco de plata, editorial argentina de interesantísimo catálogo que felizmente distribuye Tarahumara en nuestro país, edita en su colección Extraterritorial un esbelto tomo que ciñe esta joya oscura, ónice tártaro brillante. La Divina Mimesis, recipiente acristalado de tapa abierta y contenedor de esa suerte magmática de escritura-expresión, es el proyecto filológico vivo que asevera la negación de la originalidad literaria en una literatura que se opone, precisamente, a lo literario. Y a través de ella, y siendo reflejo especular y mimético (aunque también simbólico) de La Divina Comedia de Dante Aligheri, en tanto que es la Comedia de la Verdad -de la “absoluta realidad”- es capaz de señalar, acusatorio, esa abolición de la Italia primitiva anhelada. Ausculta de esta forma los males y tumores que conducen a esa derogación desde la reproducción contaminada, heterogénea y plural (y por eso, según Pasolini, también a escasos milímetros del escozor de la verdad) que fija sus vórtices en la República de Platón y en el extracto quitaesenciado de la ensayística de Auerbach (la interpretación de lo real a través de su imitación literaria), entre otros autores como Gramsci, Gadda y Contini. Detecta sus orígenes y en dos cantos obsesivos y broncos, soberbios y perversos, unos apuntes y fragmentos para el tercer, cuarto y séptimo canto (salpicadas con putas, florecillas y una conjunción de lengua culta y vulgar, que es la lengua del odio), notas varias y un poema fotográfico misceláneo (Iconografía amarillenta), muestra su opacidad intelectualmente más deslenguada. Contestatario, beligerante, corsario (de guante mudado), demasiado racional y demasiado visceral. A la vez. Torvo, ofídico, fulmíneo. Nihilista, esteta, excesivo. Casi semiótico y psicoanalista, sin haberlo sido. Antiescolástico, erotómano, taxativo, hirsuto, pastischista, herético y traumático, Pier Paolo describe en La Divina Mímesis un componente sustancial que reside en toda su obra última y que aglutina filología, filosofía, mitología, política, estética y ardor desde su radicalización más violenta y hosca. Con él, y su bestialismo rampante, combate y sodomiza el pecado de la vulgaridad en un particular Infierno dantesco, sí. Pero real. Donde oscuridad es igual a luz y él un supurante ecce homo.
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El ojo duradero
Babelia - El Pais (27-08-11)
Lola y Manuel Álvarez Bravo fueron pareja y dieron un vuelco a la fotografía mexicana en los años treinta. Ahora, una cincuentena de poéticas imágenes inéditas o poco conocidas han salido por primera vez de su país para exponerse en Santander
Lola y Manuel Álvarez Bravo se casaron muy jóvenes, en 1925, estableciéndose por un tiempo en Oaxaca, y se separaron en 1934. De su unión, surgió una cordada artística exponencial que recuerda la formada por Braque y Picasso en los albores del cubismo, una cordada que inaugura rutas en sus escaladas, tanto para la fotografía mexicana, que trastorna y transforma, como para la internacional, en la que incide de lleno. Manuel practicaba la fotografía desde 1924 y Lola se inicia con él. En 1927 se trasladan a Ciudad de México, donde se relacionan con grandes personalidades (Diego Rivera, Tina Modotti, Paul Strand, Cartier-Bresson), desencadenándose su inserción progresiva en los circuitos nacionales e internacionales. En 1931, en un concurso de gran repercusión organizado por Cementos Tolteca, de cuyo jurado forma parte Rivera, Manuel obtiene el primer premio y Lola el tercero. Quedan atrás, definitivamente, el pictorialismo y la épica nacional que han dominado la escena mexicana. También en 1931, él publica fotos en la mítica revista poética Contemporáneos. En 1935, Manuel expone con Cartier-Bresson en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México. Dicha exposición viaja a Nueva York, ampliada allí con obra de Walker Evans. A partir de ese momento, su repercusión internacional será imparable. Su nombre es hoy uno de los nombres canónicos del siglo XX. La obra de Lola, siempre valiosa, exquisita y personal, se internacionalizó en paralelo, aunque más discretamente; su alcance nacional, en cambio, es casi equiparable. En 1944 tiene lugar su primera individual en el Palacio de Bellas Artes. De 1951 a 1958 dirige su propia galería de arte contemporáneo en Ciudad de México, donde en 1953 organiza la primera individual de Frida Kahlo, pintora amiga que acabará encargándole un retrato post mórtem como culminación de una larga y preciosa serie. En 1991, los retratos de Kahlo valieron a Lola una exposición de notable resonancia internacional, coorganizada por Carla Stellweg Gallery (Nueva York), Galería Juan Martín (Ciudad de México) y la Sociedad de Amigos de la Cultura Mexicana (Dallas). Sigan a ese taxi. Viajarán con Lola y Manuel en la otra cara del tiempo.
La videncia de Manuel pone en evidencia, capturándolo con su cámara, el rico trasmundo del mundo visible
El Centro de Documentación de la Imagen de Santander (CDIS) muestra por primera vez fuera de México, bajo el título La otra cara del tiempo, la colección fundacional del Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo de Oaxaca (CFAB), integrada por casi una cincuentena de copias vintage de los fotógrafos mexicanos Manuel y Lola Álvarez Bravo (1902- 2002 y 1907-1993), que se han digitalizado e impreso pulcramente para la ocasión en el taller oaxaqueño de Manuel García. La exposición, dotada de un buen catálogo, después viajará a la Médiathèque de Biarritz (Francia). En el CFAB cumple ahora 15 años. El público europeo tiene aquí la oportunidad de descubrir en primicia una colección que incluye piezas casi inéditas, como El doctor Martín vendando a Alicia, escena capturada en los preparativos de La buena fama durmiendo (1938), una de las fotos más conocidas de Manuel, fruto de un encargo de André Breton.
En un fragmento de Cara al tiempo, el poema que Octavio Paz dedicó a Manuel Álvarez Bravo, leemos: "La realidad tiene siempre otra cara / la cara de todos los días, / la que nunca vemos, / la otra cara del tiempo". De ahí el título del evento. Supe por primera vez de Manuel gracias a la generosa muestra de sus fotos que ofreció el número 33 (otoño/invierno, 1990) de la famosa Poesía: revista ilustrada de información poética, editada entonces por el Ministerio de Cultura. Entidad que en 1985 le había organizado una exposición antológica en la Biblioteca Nacional, cuyo catálogo incluía Cara al tiempo, donde leemos también: "Los títulos de Manuel / no son cabos sueltos: / son flechas verbales, / señales encendidas. / El ojo piensa, / el pensamiento ve, / la mirada toca, / las palabras arden". Así podemos constatarlo, por poner algunos ejemplos de la muestra, en: La visita (1935), Tentaciones en casa de Antonio (1970), El ensueño (1931), Retrato de lo eterno (1935), Los agachados (1932-1934), Parábola óptica (1931), Venus (1977) o El umbral (1947); fotos todas en las que el título ilumina y revela una visión "poética" de la imagen en segundo grado, una videncia privilegiada que cabe considerar intrínseca a la mirada del fotógrafo, pues la descubrimos incluso en sus obras carentes de título. Su videncia pone en evidencia, capturándolo con su cámara, el rico trasmundo del mundo visible. Pero regresemos a la publicación Poesía para jugar con su subtítulo: Revista ilustrada de información poética. Que nos brinda, si lo distorsionamos, un óptimo encuadre para ver a Manuel, cuyo corpus podría titularse Foto-poesía: mirada ilustrada de información poética. Hasta tal punto fue él un gran poeta de la imagen que cabría considerar foto-poemas sus instantáneas y foto-poesía su arte entero. Así lo corrobora el perfil de los receptores/cómplices que obtuvo en vida y sigue obteniendo a título póstumo: José Gorostiza, Xavier Villaurrutia, Diego Rivera, Tina Modotti, Edward Weston, Henri Cartier-Bresson, André Breton, Carlos Pellicer, Octavio Paz, Paul Strand, Sergio Pitol, José Miguel Ullán, Graciela Iturbide, Francisco Toledo... Recepción foto-poética a la que debo añadir Ojos en los ojos, de Guillermo Sheridan, texto para el catálogo de una singular exposición homónima de 2007 en Rosegallery (Santa Mónica, California). Del que extraigo esta carta de navegación: "Sosegada en el acto de mirar, la mirada cede su óptica al alto ojo del alma. Durante un instante perdurable, es el alma del espectador la que ha sido retratada en el acto de mirar, pensar y sentir. El fondo de la lente de un gran fotógrafo siempre nos mira, parpadeando, ese ojo duradero. "Si nuestro diapasón interior entra en resonancia, ese ojo, que ve tras lo que ve, nos conmueve y altera con sus capturas. En esa conjunción extática, la imagen ha abolido el tiempo y, con él, el pensamiento conceptual; pues en "la otra cara del tiempo" sólo hay silencio. Una idea o un título pueden, a modo de koan, catapultarnos allí, pero en ese ámbito abstracto no reverbera más que la imagen pura. Cada foto es en sí una consumación de silencio completa; cuanto hay está ahí, mostrándose sin discurso ni formulación, simultáneo. Al fin y al cabo, en cada captura de fulgor de la cámara oscura, ¿qué dispara el obturador mecánico? La certeza de una intuición, la pulsión de un artista..., ¿la síntesis de una vida en proceso, por tanto? De tal génesis, nos queda una imagen concreta compartible.
Ramon Dachs (Barcelona, 1959) es poeta. Su libro más reciente es Álbum de la Antártida (La Tempestad. Barcelona, 2009). La otra cara del tiempo. Fotografías de Manuel y Lola Álvarez Bravo. Sala Ángel de la Hoz del CDIS (Centro de Documentación de la Imagen de Santander). Magallanes, 30. Santander. Hasta el 30 de agosto.
ESTRELLA DE DIEGO LLAMADA EN ESPERA
Hacer fotos "documentales"
El País - Babelia (27-08-11)
Quizás es cierto que para fotografiar algo hay que aprender a quererlo un poco, aunque sea durante el momento fugaz que dura el clic. Hay que estar dispuesto a diluirse en la imagen al menos mientras dura la intensidad de esa mirada, de ese gesto, que nos devuelve nuestro despojamiento, un poco como en el don de Marcel Mauss -cada regalo exige otro en intercambio. Porque la fotografía, cuando es genuina, es un don, la renuncia a los propios ojos, una implicación tenaz en lo mirado y capturado: al mirar somos irremisiblemente parte de la escena, lo queramos o no, y por eso toda fotografía es un inevitable ejercicio autobiográfico. Mirar el mundo y fotografiarlo es vivir el mundo, contarlo- y ya se sabe que todo relato, cuando narra lo que ve, es por definición autobiográfico hasta cuando no se escribe en primera persona.
Mirar dentro es estar dentro y los fotógrafos más audaces entre los llamados "documentales" -a lo mejor porque "documentan" la realidad y capturan los rituales de otros- lo saben. Saben que no andan solos por el mundo: escuchar historias con la mirada es contagiarse de esas historias. Además de ir con la cámara a cuestas, llevan en su equipaje más íntimo las historias ajenas que, sin remedio, son ya parte de su historia personal.
No sólo. Para hacer fotografía documental hay que tener tiempo, ir sin prisa, ganar la confianza, esperar el momento privilegiado que a menudo tarda en llegar. De este modo, el fotógrafo termina por ser un poco una especie de etnógrafo que traduce el mundo y es sabido que cuando el trabajo del etnógrafo es intachable tiene un poco de objetivo y un poco de subjetivo -lo anunciaba Malinowski es su extraordinaria introducción de Los Argonautas-; la mitad de rigor y la otra mitad de poesía.
Sí, hay una enorme carga de poesía al documentar rituales y vidas, esa fuerza indiscutible que tiene la mejor fotografía documental. Es la fuerza que nace del acto de fingir abdicar de los propios ojos y apropiarse de los ajenos y de ahí ese algo ambiguo en tanto poético, narrativo, creativo... o, como diría este mundo de etiquetas en el cual vivimos, "artístico".
Todas estas cualidades luminosas y muchas más tiene la exposición de Cristina García Rodero que, comisariada por Miguel von Hafe y desde el CGAC, llega al Círculo de Bellas Artes de Madrid, donde tuvimos ocasión de ver a otro fotógrafo documental, el colombiano Fernell Franco, en una pequeña y extraordinaria muestra comisariada por María Wills que mostraba imágenes de las prostitutas de Bogotá. La exposición de García Rodero tiene una coherencia intachable al recoger tres décadas de fotografías tomadas en Galicia, un lugar con el cual García Rodero comenta tiene una relación muy especial que se hace patente desde luego en este trabajo en blanco y negro. Quizás sea la textura del blanco y negro lo que confiere a las fotos cierto halo de otra época o quizás sea la paciencia de mirar esperando ver, ver siempre, ver en un instante lo que se andaba buscando, lo que resume esa cualidad ejemplar de las fotos: en cada una de ellas hay un hilo poderoso que reproduce para el espectador la complicidad y empatía entre la fotógrafa y los protagonistas.
Tal vez por la paciencia que implica ganar la confianza ajena, las mujeres documentalistas son tan únicas en su trabajo. Ocurre también con otra Magnum, como García Rodero, Susan Meiselas, quien ejerce una fascinación reiterada. Lo pensaba el otro día al releer a Lidia Cabrera, la escritora y etnógrafa, folclorista, antropóloga cubana de los años cuarenta-cincuenta. No en vano sus escritos inspiraron a Ana Mendieta, pero eso forma parte de otros rituales -supongo.
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Alejandro Céspedes
Topología de una página en blanco ©:
Pido disculpas a ...: Pido disculpas a aquellos que os hayáis pasado por mi página web o por este blog "Topología de una página e...
Alejandro: ¡lo has hecho!. Puedes estar orgulloso, sobre todo de la primera mitad de la parte que nos has dado a leer, empezando por la cita inicial que es como la síntesis, incluso del texto que dice provocó tu perdición…
El prólogo es sensacional y nos coloca frente a la página como ante el cuadro o la fotografía, ante el reverso que hay que esforzarse en ver, en leer, en entender aportando. Sé de qué me hablas. Imagina la dificultad de mostrar, de provocar la aparición, la materialización de ese reverso con una sola imagen, una fotografía, de lograr reducir o ampliar, según me apetezca, la distancia entre el espectador y mi imagen, cuando intentas hacer lo mismo entre tu página y yo empleando esa gran herramienta que es el lenguaje.
Hablamos del Espacio y de lo Textural, también de la Forma que en su acepción de “forma” o modo de escribir puede ser algo que te haya traído problemas con las críticas y valoraciones de tu libro, por ya vistas, pero que en muchos momentos forman (de nuevo) parte del contenido de tu libro, y nunca mejor dicho.
“Esperar a que ocurra el pensamiento” es como esperar a que mi espectador quite la protección anti-rayas de mi fotografía. Lo mismo ocurre con “la realidad modificable”, la poesía escrita o imaginada en una fotografía, creo que sí “es posible bañarse dos veces en una página” y en mi imagen, en tanto que “no siempre es la misma persona la que vuelve”.
Toda esta parte de tu libro es la que veo más importante, la que sirve para abrir mentes, espacios, ayudar a recordar que no todo consiste en leer compulsivamente los libros. Yo no comprendo cómo hay gente que los devora y creo que es la única explicación a que salgan indemnes de esa “doble dentadura que desgarra trozos de ser humano”.
Sin embargo, como bien haces, creo que hay momentos en los que es necesario explicar/recordar que uno puede exiliarse en una página en blanco, en el silencio.
Después de una rápida primera lectura algunos esperamos ansiosos la totalidad del libro.
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Fotógrafos en la red: Ruven Afanador: Ruven Afanador es un célebre fotógrafo colombiano (nacido en 1959 en Bucaramanga, Colombia, vive en Nueva York) que es uno de los fotógrafo...
Serie de fotografías de este verano en el nuevo Centro Niemeyer de Avilés, Asturias, España.
Serie de fotografías de este verano en el nuevo Centro Niemeyer de Avilés, Asturias, España.
Serie de fotografías de este verano en el nuevo Centro Niemeyer de Avilés, Asturias, España.
Serie de fotografías de este verano en el nuevo Centro Niemeyer de Avilés, Asturias, España.
Serie de fotografías de este verano en el nuevo Centro Niemeyer de Avilés, Asturias, España.
Long Way From Home
La Tierra y su Luna vistas desde la Voyager I en 1977
preciosa fotografía que se puede descargar
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Serie de fotografías de este verano en el nuevo Centro Niemeyer de Avilés, Asturias, España.
Bienvenidos al Blog de Kowska, el Blog de un renegado de la fotografía digital...: PENSAMIENTOS SOBRE FOTOGRAFÍA DIGITAL por Bruce Ba...: . .
Después de meteros el otro día un ladrillazo sobre ciertos pensamientos que me rondaban la cabeza y sobre sensaciones que tenia sobre ...
Serie de fotografías de este verano en el nuevo Centro Niemeyer de Avilés, Asturias, España.
Serie de fotografías de este verano en el nuevo Centro Niemeyer de Avilés, Asturias, España.
Serie de fotografías de este verano en el nuevo Centro Niemeyer de Avilés, Asturias, España.
Serie de fotografías de este verano en el nuevo Centro Niemeyer de Avilés, Asturias, España.
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Primera de una serie de fotografías de este verano en el nuevo Centro Niemeyer de Avilés, Asturias, España.
Puentes de papel: HETERÓNIMOS
Heterónimos
Dentro de mí conviven, abocados
a una inmensa rutina sedentaria,
el yo que pienso y otro, el que parezco.
Un pacto, que firmaran con los ojos,
les conmina
a respirarse en cierta tolerancia,
y ambos han sido absueltos
de mencionar, siquiera,
cuál fue la última causa
que ...
(sigue en el blog de Jose Luis Morante)
Puentes de papel: HETERÓNIMOS
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SBS Audio and Language : Maltese : Highlight: Mirca-Tour-of-Human-Rights-in-Malta
estoy participando en MTHR con una de mis fotografías.. esto comenzó con la edición del libro y la exposición en Suecia y ya ha pasado por un par de lugares. En Malta se cuenta con la presencia del Juez de la European Court for Human Rights Giovanni Bonello
krisztina asztalos fine artist: Mirca Art Group Traveling show " Mirca Tour for th...:
"MTHR is a traveling art exhibition created by an International coalition of artists in support of the Universal Declaration Of Human Rights..."
Impracabeza #11
El nuevo número a vuestra disposición, como siempre, en
http://www.impracabeza.org/
http://www.impracabeza.org/numeros/issues.html
Mi colaboración fue en el número #4
Mi otro grupo.. UD
Link a la web de Urban Dialogues
Urban Dialogues from Urban Dialogues on Vimeo.
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http://blogs.denverpost.com/captured/2011/06/24/pictures-of-the-week-june-24-2011/4504/
Nuevamente, merecen la pena las imágenes del Denver Post...
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Nº 28 de la Revista Lliteratura
Portada del nuevo número de la revista asturiana LLiteratura, de relatos y poesía, editada por la Academia de la Llingua Asturiana, en la que de nuevo participo con la totalidad de fotografías, esta vez incluyendo la portada y contraportada que creo han sido un éxito de maquetación.
Espero os guste. No dispongo del contenido en formato electrónico pero algunos podréis verlo en papel ya que lo importante de verdad son los textos, y ahí tenemos a Llurdes Alvarez, Luz Pichel, Vicente García Oliva y otros excelentes escritores.
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PHotoEspaña 2011 acoge Paparazzo Extraordinaire!, el legado más molesto y cotilla de Ron Galella
Ver la primera planta de la tienda Loewe de Gran Via, 8 (Madrid) también tiene interés.. ahí está parte de la exposición.
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Puentes de papel: MARCOS TRAMÓN Y EL TEDIO VITAL: " Desgana Marcos Tramón Deva, Gijón, 2011 Desde sus inicios literarios, a mediados de los noventa, Marcos Tramón (Oviedo, 1971) ha pub..."
ENCUENTROS PHE11
Cristina García Rodero
(fotografía de Francisco Posse/Fotoblog)
ENCUENTROS PHE11
Cristina García Rodero (Concha Casajús y Estrella de Diego)
Para mí, Cristina ha sido la estrella de esta edición de Encuentros, por su actitud, cercanía, naturalidad y calidad de su trabajo.
Como dijo a continuación Bernardo Pérez (fotógrafo fundador de El País), “hablar y ver fotos después de Cristina es fracasar”.
Según Cristina, el reportaje es una fuente inagotable de frustraciones, aunque también tiene sus milagritos. Confirma el diálogo con el fotografiado. Le gusta la gente que no sabe lo que es la cámara. No sé qué narices hago en Magnum, si no soy fotógrafa de guerra, si lo que me gusta es ver a un niño danzando con flores en la cabeza. Si tuviera que cubrir temas de actualidad sería la última en llegar y además me taparía todo Dios.
¿Cómo organizo todo?, Dios mío, pues como puedo, es un aquí te pillo aquí te mato. No tengo aspecto de sueca, pero me lo hago. Si el grupo es pequeño pido permiso, pero si no, nada. Ahora vemos una de las fotos que más dolor me ha costado hacerla, tenía un esguince. Sin embargo, Cristina es como invisible, no sé cómo lo haces?: no es así, me ve todo el mundo, soy como una pildorita cargada de cámaras, aunque permanezco inmóvil durante horas, esperando que pase algo. Me centro, me concentro.
A mí me daría miedo que me persiga alguien con una cámara. Cuando voy por ahí me cuelo en bodas, bautizos y comuniones..
La fotografía es un parto con dolor que te da una alegría al final.
Ahora voy buscando flagelantes y sadomasoquistas, si alguien se entera de alguno que lo diga… Me escapé de una reunión de Magnum en NY que era un rollo, y me fui con un grupo de lesbianas, a la Love Parade.
¿Te reconoces en tus retratos?: No, ya me gustaría a mí ser la belleza que retrato. No hay que embriagarse con lo que se hace, intento mantener la distancia. Busco gente con poderío, que se distinga de los demás. No razono nunca porqué una persona me interesa. Muchas veces el cuerpo es más importante que el rostro, pero siempre me voy a los ojos. No quiero entrar en escenas de violencia o en un exceso de intimidad.
Hay gente que huye del reportaje, pero para una patada o un puñetazo que te puedes llevar.. hay gente que se pierde muchas cosas.
El proceso de selección: mirar, mirar, mirar fotos y en el último momento pedir opinión.. y no hacer ni caso. Seguir con tu objetivo.
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Jose Luis Garcia Martin y Jose Angel CillerueloPresentación de sus libros en Madrid.
Herme G. Donis realizará la presentación del libro de José Luis García Martín
EL próximo 10 de junio, a las 20:30, se presenta Una sombra en Pekín de José Ángel Cilleruelo y Lecturas y lugares de José Luis García Martín en la librería La Fujitiva de Madrid, Santa Isabel, 7.
Textos y fotografías de José Luis García Martín
Para José Luis García Martín, darse una vuelta por el ancho mundo o pasearse sin prisa entre los estantes de una biblioteca no resultan actividades muy diferentes. Los libros son ventanas de papel que nos permiten asomarnos a la gozosa variedad del universo y las ciudades volúmenes ilustrados de una inagotable biblioteca hecha de calles, piedras y nostalgia.
Nápoles, Lisboa, Ginebra, Roma, Nueva York o Venecia se hermanan así con Leopardi, Pessoa, Borges, Byron o Nietzsche. Un rincón revisitado o unas líneas recordadas le sirven al autor para contarnos una historia, recrear una emoción. Las imágenes, que pretenden ser algo más que un prescindible adorno, sirven de punto de partida al viaje de la memoria.
JOSÉ LUIS GARCÍA MARTÍN
Poeta, crítico literario, profesor de la Universidad de Oviedo y director de Clarín. Revista de nueva literatura. Su poesía ha sido antologada recientemente en el volumen La aventura (Rencacimiento). Versiones y recreaciones de diversos poetas se reúnen en La biblioteca de Alejandría (1990) y Jardines de bolsillo (2006). Es autor de numerosos volúmenes en los que entremezcla ficción, autobiografía y literatura viajera. Destacan entre ellos Media vida (2001), Café Arcadia (2003), Sueño, fantasmagoría (2005), el homenaje a la ciudad de Venecia titulado Arco del Paraíso y un primer tomo de sus memorias eróticas, Alrededores del Paraíso (2008).
José Ángel CillerueloIlustrado por Juan Gonzalo Lerma
Siempre en las viejas fábulas seduce la virtud de encarar los asuntos más hondos del alma desde la sencillez de la vida de los animales. Una sombra en Pekín hereda aquella transparencia, la sorpresa y el candor de los antiguos fabulistas para hablar, ahora, de la gran ciudad, de la soledad y del paso del tiempo con personajes de carne y papel que tienen nombres de animal: la tortuga, cuya fortuna arruinó un tiburón, que ama a una rana y desama a una paloma . En la época indefinida donde ocurren los cuentos, en un país —China— tan lejano en los mapas como inmediato en los sentimientos, un anciano afinador de pianos describe con la caligrafía de su presente el vacío que ha sido su vida desde que salió de su pequeña ciudad para emigrar a la metrópoli. Una fábula que recurre a la ambientación más distante para dibujar con mayor exactitud el retrato de nuestro tiempo.
JOSÉ ÁNGEL CILLERUELO
Barcelona, 1960
Escritor, traductor y crítico literario.
Una sombra en Pekín es la tercera novela —tras El visir de Abisinia (2001) y Al oeste de Varsovia (2009)— de un ciclo dedicado a descubrir matices y conflictos del cruce entre escritura y vida. Su obra narrativa se completa con otras dos novelas —Trasto (2004) y Doménica (2007)— y cuatro volúmenes de relatos. Su obra poética está reunida en los títulos El don impuro (1989) y Maleza (2010).
Este es su segundo libro ilustrado. Acompañado por dibujos de Rafael Pérez Estrada, había publicado El circo de Gustavo (2000).
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